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    21 adagios de Franc?Pairon

    Posted: 23-July-2014, 2:18am EDT by Pedro Medina

    Presentamos otro fragmento de Cuadernos de Diseño 4, ahora de la diseñadora de moda Franc’Pairon, que nos transmite sus personales premisas para el proceso creativo, un inspirador manifiesto en forma de 21 adagios, que reflexiona sobre los inconvenientes y las posibilidades de todo momento de creación. Un verdadero estímulo, especialmente para todo el que se inicia en el mundo del diseño y para quien le enseña.

     

    Introducción a los 21 adagios

    Formada en arquitectura de interiores, he dedicado mi vida al diseño de moda. ¡El colmo! Porque aunque la moda se beneficia del movimiento, le falta en cambio una base fundamental: ¡la perspectiva! Partiendo de esa base, decidí enfrentarme a esa desventaja. ¿Cómo conseguir que mis estudiantes piensen en la perspectiva? Por eso pensé en proyectos que les enfrentasen continuamente a sus barreras, a sobrepasar sus límites, que les sacasen de su zona de comodidad.

    La Cambre y el Institut Français de la Mode me dieron carta blanca. A lo largo de los años, viviendo de cerca los procesos creativos, pude experimentar sin límite dando forma a una pedagogía en continua evolución. Ese aprendizaje se completó con talleres intensivos en África y Asia donde trabajé con jóvenes creativos ?talentos en bruto?, en ocasiones sin ningún tipo de equipamiento o incluso sin ningún tipo de conocimiento técnico. Me veía obligada a inventar continuamente, a innovar.

    Conocimiento, apertura, curiosidad, capacidad de escucha, inventiva, energía, convicción, entusiasmo, honestidad, capacidad de reacción, firmeza? son las aptitudes propias de todo pedagogo digno de mención. Por mi parte, completé la lista con las ?herramientas? indispensables. Comenzaré por el temporizador, es fundamental. Decreté el estado de emergencia y arrastré a mis estudiantes a concebir una idea y formularla dentro de un tiempo establecido. Fue tonificante. Además del tiempo, introduje el parche. Ellos pensaban que enmarcar la mirada les reducía su espacio de visión, pero todo lo contrario, abría su visión a la abstracción y estimulaba su imaginación. A continuación faltaba conseguir las carpetas y las bolsas de basura. De hecho, la creación y sus procesos no son más que ?¿poner un poco de orden en las estrellas fugaces??.

    De ese trabajo de campo en Europa, en África y Asia nacieron los adagios. Ahora os presento 21. Son como mis secretos de fábrica. He aquí lo que transmiten estos adagios:

    1. Encontrar la fuente de la creatividad, dejarla surgir.

    2. Estimular la movilidad del espíritu.

    3. Definir el terreno.

    4. Llevar hasta el absurdo los límites del oficio.

    5. Poner entre uno mismo y su trabajo una distancia saludable para el EGO.

    6. Favorecer la ruptura, salir del callejón sin salida.

    7. Improvisar.

    8. Asumir la diferencia entre el uno mismo interior y el exterior.

    9. Desarrollar la percepción de la tercera dimensión.

    10. Salir de las referencias conocidas. Exagerar.

    11. Atreverse a cometer errores técnicos y después superarlos.

    12. Relacionar con perspectiva el tiempo pasado y el resultado obtenido.

    13. Reivindicar. Reforzar la claridad del mensaje.

    14. Comprender las diferencias que componen un mensaje, un objeto, una prenda.

    15. Vivir la libertad de la ?carta blanca? y ensalzar las obligaciones.

    16. Expresarse pase lo que pase. Rechazar las excusas.

    17. Sacar a los objetos de su función. Cambiar de escala.

    18. Aceptar lo inesperado, lo imprevisible.

    19. Arriesgarse siempre.

    20. Aprender a vivir la soledad. ¿La libertad?

    21. Ir más allá de los límites. El muro? el mar.

     

    Si quieres seguir descubriendo el particular manifiesto creativo de Franc’Pairon, puedes seguir la lectura de este texto en Cuadernos de Diseño 4: Diseño de procesos.

     

    Franc?Pairon

    Fundó en 1986 el Atelier de La Cambre-Mode en Bruselas, y en 1999 creó el Master en Diseño de Moda y Accesorios del Instituto Francés de la Moda. Innovar, experimentar y dar energía son sus consignas; además, garantiza la transmisión de nuevas ideas con los profesionales a través de las salas de audiovisuales Decosit e Indigo. Como parte de sus funciones en el IFM, en 2004 y 2005 estableció talleres creativos en Vietnam con el apoyo de la Embajada de Francia, participando también en el diseño de un programa de construcción en Tailandia con el FIT de Nueva York y Polimoda en Italia. Invitada como jurado en numerosos concursos internacionales, ha sido examinadora externa en la Central St Martins de Londres.

     

    Más información en Editorial IED Madrid


     

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    La ocupación del límite

    Posted: 21-July-2014, 2:57am EDT by Pedro Medina

    Vídeo del proyecto realizado por el Máster de Escenografía del IED Madrid en el Espacio Trapézio, donde se reflexiona poéticamente sobre la idea de frontera.

    En Estudios de historia del pensamiento científico Alexander Koyré confesaba: “En la palabra poética el hombre se hace cargo de la experiencia fronteriza de la existencia. Lo real no es sino el residuo de lo posible”. No es ahora la palabra poética la que cobra forma, pero sí la sugerente palabra “límite” y la necesidad de pensar lo posible frente a la realidad que nos ha tocado vivir. Este espíritu está en la base de este proyecto, que pretende encontrar otras formas de comunicar cuestiones decisivas hoy, buscando no en la palabra sino en un lenguaje instalativo “una representación poética de lo que significan las fronteras” -como explica la profesora que ha dirigido el proyecto, Andrea Santamarina.

    Siempre es básico analizar el contexto sobre el que actuar, en este caso el espacio Trapézio, que en sus pocos años de vida tiene ya un destacado elenco de proyectos que se han enfrentado valiente y experimentalmente al entorno inmediato, cuestionando crítica y constructivamente nuestro presente. Siendo así, y partiendo de un grupo de estudiantes mayoritariamente extranjero, parece más que pertinente pararse a pensar un concepto como el de “frontera” en este espacio arquitectónico concreto, optando por una solución expositiva orientada a establecer con el espectador una relación más emocional que narrativa acerca de una condición que a todos nos afecta.

    Como de costumbre, este proyecto es concebido con el objetivo de generar una práctica completa para el estudiante, pasando del papel al espacio real, experiencia que es posible gracias a la colaboración con instituciones como el Espacio Trapézio y con empresas como FINSA. Soluciones en madera y Tableros Martínez, a los que agradecemos que hayan hecho posible este proyecto tan enriquecedor para nuestro alumnado.

    Proyecto coordinado por Saskia Bostelmann del IED Madrid y Miriam Estrada del Espacio Trapézio.

     

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    ROOM Design Magazine

    Posted: 15-July-2014, 2:51am EDT by Pedro Medina

    No son pocas las revistas que se han pasado al mundo digital, sobre todo en el ámbito del diseño y la arquitectura. Aparece ahora ROOM Design Magazine para iPad.

    En efecto, sobre todo en el mundo de la arquitectura, dentro del que tiene cada vez más presencia el universo del diseño (especialmente el de producto e interiores), ha habido una revolución digital, como en todo el panorama editorial. Aun así, es cierto que muchos de estos tránsitos al mundo digital no lo son tanto, intentando mantener una composición gráfica, contenidos y modelo de negocio muy similares a los que ya tenían en papel, como si lo único que interesara es su potencial de distribución y reducción de costes. No obstante, cada vez es más frecuente descubrir revistas más cuidadas gráficamente, que sí hacen uso de los recursos expresivos y sociales específicos del nuevo medio.

    Por citar algunos ejemplos, merece la pena bajar las cuidadas aplicaciones y los números de The Plan, Domus o las distintas publicaciones de arquitectura de Edition29, mientras sabemos que otras revistas clásicas están preparando su salto digital, como es el caso de Il Giornale dell’Architettura, y otras que han sido durante mucho tiempo publicaciones de referencia, como Volume, aún se resisten a ir más allá de la web y no prueban aún a tener su versión para tableta.

    La última que ha dado el paso es ROOM Design Magazine, que combina clásicos del diseño, la arquitectura y la creación contemporánea, como James Turrell, con novedades en estos ámbitos, como el reportaje sobre el Museo Marítimo de Dinamarca. De hecho, la arquitectura es su centro, dando también bastante protagonismo al interiorismo como campo específico y no supeditado a la arquitectura, y a otras formas del diseño, sobre todo de producto, pero sin olvidar la ilustración y el diseño de moda.

    Como ocurre con tantas revistas que tardan en salir, hay algunos temas que quedan un poco desfasados, como hablar ahora del pasado ARCO, celebrado en febrero, pero en general son contenidos de bastante calidad y vigencia, que hacen un uso pertinente y eficaz de los elementos “hipermedia” para transmitir mejor los contenidos, como se disfruta en artículos como el presente sobre Ryochi Kurokawa. A destacar, otros muchos, como la entrevista al diseñador de producto Arik Levy o el citado museo a cargo del omnipresente Bjarke Ingels.

    Este primer número es de descarga gratuita y prometen que pronto estará también disponible para Android. Seguiremos atentos a su evolución y esperamos que disfrutéis de estas publicaciones.

  • Permalink for 'Entre el objeto y la imagen'

    Entre el objeto y la imagen

    Posted: 13-July-2014, 3:38am EDT by Pedro Medina

    El ciclo Encuentros a conciencia de la Fundación Canal contará el 14 de julio de 2014 con la presencia de dos figuras tan destacadas del panorama artístico internacional como Daniel Canogar y Antoni Muntadas.

    Estos dos artistas, conocidos por su carácter experimental y analítico sobre el actual estatus de la imagen y su valor social, así como instalaciones que reflexionan sobre la recepción de la imagen y su uso en los medios de comunicación, ofrecen una extraordinaria ocasión para pensar las formas de un encuentro, el del objeto y la imagen en la actualidad.

    María Pallier, directora del programa Metrópolis, será la encargada de presentar y conducir este encuentro.

    Este evento se halla dentro de las actividades en torno a la exposición Metrópolis, 30 años de vanguardia.

    Aforo limitado. Es necesario confirmar la presencia al 915451507 o a aconciencia@fundacioncanal.es

    Horario: 14 de julio de 2014 | 19:30
    Lugar: Mateo Inurria, 2
    28036 Madrid
    fundacioncanal.com

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    El diseño como proceso discursivo

    Posted: 9-July-2014, 2:55am EDT by Pedro Medina

    Dentro de los fragmentos que estamos publicando de los Cuadernos de Diseño 4, continuamos con más reflexiones sobre formación y educación con Roberto Gamonal, quien establece lúcidamente la relación entre Diseño y Retórica como disciplinas discursivas. Bajo este punto de vista, explicita niveles semióticos básicos del proceso de diseño, estableciendo una serie de consideraciones que todo buen diseño debería cumplir para que podamos hablar de un proyecto de comunicación logrado.

     

    Todo diseño[1] es un discurso. No solo es un acto del lenguaje, sino también un acto social. Un diseño es un conjunto de enunciados que construyen un objeto, que se da en un contexto de interacción y que tiene influencia sobre las personas. Parafraseando al filósofo del lenguaje John Austin, los diseñadores hacen cosas con palabras, entendidas aquí como ideas para la acción.

    Por lo tanto, el Diseño está íntimamente relacionado con la Retórica, una disciplina clásica encargada de la creación de discursos. Bajo esta perspectiva, el Diseño es un pensamiento para la acción, creando discursos que configuran el objeto del que trata para que después se materialice en una realidad que, en mayor o menor medida, va a modificar un comportamiento social o modelar las creencias y los juicios de sus destinatarios: desde la movilización de la audiencia, para que ejecute una acción, a la educación de la audiencia, para que acepte una información o unos datos como fiable, hasta la exposición de unos valores para que la audiencia esté de acuerdo y se identifique con ellos.

    El diseñador crea acciones que permiten la interconexión entre el usuario y el diseño a partir de la cual se constituye la comunicación dentro del contexto social. El Diseño se convierte en una práctica discursiva íntimamente engarzada en la sociedad. Por tanto, los diseñadores intervienen en ella generando intercambios sociales a través de su discurso. Podríamos decir que el diseñador es un “animal social”, concepto que utilizó primero Aristóteles y que retomaron otros pensadores como Séneca o Rousseau. El diseñador, visto de esta forma, trasciende la figura de un mero creador de productos para convertirse en un agente social, económico, cultural y político. Sus acciones tienen inevitablemente una repercusión de mayor o menor escala en nuestra sociedad.

     

    El Diseño como discurso social y humanista

    El Diseño tiene el don de la ubicuidad: se ha infiltrado en nuestra vida cotidiana, formando parte indisoluble del individuo y de su relación con los otros y su entorno. Se ha establecido como una interconexión entre el yo, los demás y los marcos en los que se producen todo tipo de relaciones sociales. En palabras de Gui Bonsiepe, una interfase [2] que facilita la conexión entre personas, objetos y espacios.

    Cuando falla este equilibrio, el entorno artificial creado por el propio ser humano se vuelve angustioso y los objetos que habitan el espacio social lo convierten en inhabitable para las personas. Las relaciones del ser humano con los objetos y el entorno se están complicando excesivamente en la sociedad contemporánea, llegando a perder su sentido. Hasta tal punto que el mundo artificial se ha vuelto ilegible, casi incomprensible, se ha convertido en un no lugar[3].

    El diseñador debe reconducir su labor aplicándose la máxima de Victor Papanek[4]: “El sentido del Diseño no son los objetos, sino las personas”. Es necesario reconducir el diálogo y el discurso de manera que el centro lo vuelva a ocupar el ser humano y no los productos u objetos que son adorados como tótems divinos de una sociedad basada en el consumo. Los diseñadores son discursos que están dirigidos a la sociedad, porque diseñar para sí mismo no tiene sentido. Solo lo tiene cuando se diseña para el otro. Sin alteridad no hay diseño, no hay diálogo y no hay discurso.

    Por lo tanto, el diseñador no solo tiene una responsabilidad como individuo o ciudadano, sino como productor de signos, textos o discursos en forma de diseño, que se van a instalar en la sociedad y que van a intervenir en el equilibrio de la relación triádica persona-objeto-entorno. Es necesario buscar un diseño que se integre perfectamente en el engranaje social.

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    Si quieres seguir leyendo sobre la metodología idónea para un proyecto en comunicación audiovisual, puedes seguir la lectura de este texto en Cuadernos de Diseño 4: Diseño de procesos.

    [1] En este ensayo nos referiremos a Diseño en mayúscula a la disciplina en general y diseño en minúscula al resultado de un proceso.

    [2] Gui Bonsiepe: Del objeto a la interfase. Mutaciones del diseño, Buenos Aires, Infinito, 1999.

    [3] Marc Augé: ?El diseño y el antropólogo?, en Experimenta, nº 32, 2000, pp. 90-94.

    [4] Victor Papanek: Diseñar para el mundo real. Economía humana y cambio social, Madrid, Blume, 1977.

     

    Roberto Gamonal Arroyo

    Investigador en Diseño y Tipografía, es Doctor en Creatividad Aplicada y Máster en Diseño por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Es profesor asociado en la facultad de Ciencias de la Información de esta misma universidad. Colabora también con en el Istituto Europeo di Design como profesor en grado y posgrado. Codirige en esta institución el Máster de Diseño Editorial y el Curso de Especialización en Diseño de Tipografía. Pertenece al colectivo UnosTiposDuros, dedicado a la difusión de conocimientos técnicos, históricos y creativos de la Tipografía, y a la Asociación Cultural Familia Plómez, cuya finalidad es la preservación, mediante su uso actualizado y contemporáneo, de las técnicas artesanales de composición e impresión.

     

    Más información en Editorial IED Madrid


     

  • Permalink for 'Te invitamos al Design Open Day, la jornada de puertas abiertas de IED Design Madrid.'

    Te invitamos al Design Open Day, la jornada de puertas abiertas de IED Design Madrid.

    Posted: 2-July-2014, 10:43am EDT by Julia

    IED Design Madrid es la escuela dentro del IED Madrid que ofrece formación en diseño de interiores, mobiliario y producto. Para que vivas nuestro día a día, la jornada de puertas abiertas del próximo 15 de julio cuenta con un programa gratuito repleto de actividades.

    Design Open Day es un festival organizado por la escuela de Design del IED Madrid para invitar a todos los interesados en el diseño de productos, mobiliario e interiorismo. Además, el evento te da la oportunidad de conocer las instalaciones del Instituto Europeo di Design y cómo funciona. Podrás trabajar con los docentes de los cursos, charlar con el director de la escuela, participar en las actividades y recibir toda la información que necesites.

    Participa en el evento previa inscripción en el enlace

    PROGRAMA

    TALLERES

    - Taller de Angelica Eriksson. De 11.30 h. a 14.30 h.
    Impartido por Angelica Eriksson (Estudio Escandinavo Tropical )
    - Taller exprés de creación de una lámpara. De 16:00 h. a 19.00 h.
    Impartido por Estudio JohnPepe.

    EXPOSICIONES

    - Exposición de los Proyectos Fin de Estudios 2014. De 10.00 h. a 19.00 h.
    El último curso de todos los estudiantes del IED Design se centra en el desarrollo y la producción de un proyecto de investigación donde se experimenta con nuevas estrategias.
    - Muestra de proyectos seleccionados. De 10.00 h. a 19.00 h.
    - Intervención Angelica Eriksson

    *** Visitas guiadas. De 10.30 h a 11.30 h
    Exposicion de Proyectos finales de Diseño de Producto: ?Learning by Doing? y ?La peluquería del futuro de REDKEN? de Diseño de Interiores. Otros proyectos de DESIGN.

    Design Open Day

    Miércoles 15 de julio de 2014
    Horario: De 10.00 h. a 19.00h.
    Lugar: IED Madrid. C/ Flor Alta, 8.
    Imagen: Jimena Merino

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    Nuevos modelos para la innovación

    Posted: 27-June-2014, 2:06am EDT by Pedro Medina

    Inicio del capítulo de Ana Lucía Díaz Schiavon, presente en el nº 4 de los Cuadernos de Diseño: Diseño de procesos. En él describe la necesaria reformulación de los sistemas educativos, basados en la repetición y en instrumentos de análisis lineales y unívocos, algo poco aconsejable en un mundo en continuo cambio, creciente complejidad y en red. Propone así otro camino más fértil, orientado a modelos para la innovación, que tiene por objetivo potenciar la creatividad.

     

    En 1968, George Land realizó un test de creatividad a 1.600 niños de 5 años. Este test era utilizado por la NASA para seleccionar ingenieros y científicos con un perfil innovador. Los resultados arrojaron que un 98% de estos niños llegaron al nivel de genios en términos creativos. Land volvió a realizar el test a los mismos niños a la edad de 10 años, tan solo el 30% llegó a este nivel, y otra vez a los 15, reduciéndose al 12%. Exactamente el mismo test fue realizado a 260.000 adultos y solamente el 2% consiguió alcanzar el nivel de genios[1].

    Según este estudio, todos nacemos con una alta capacidad creativa, que va decreciendo a medida que vamos siendo educados. Esta capacidad creativa viene dada por la facilidad con la que el cerebro establece nuevas conexiones y desarrolla asociaciones inéditas entre diferentes conceptos y el conocimiento previo[2]. A medida que nos hacemos adultos, nuestros conocimientos especializados crecen, pero la capacidad de hacer estas nuevas asociaciones disminuye debido al uso nulo del método divergente que hacemos a lo largo de nuestras vidas académicas y más tarde profesionales.

    Sir Ken Robinson está en lo cierto al decir que nuestro actual sistema educativo está diseñado para preparar a los individuos para ser insertados como trabajadores dentro de un sistema económico basado en las doctrinas industriales. Este sistema fue acuñado y desarrollado en el periodo de la Ilustración, un periodo en el que la noción de cultura e inteligencia estaba directamente asociada al dominio del pensamiento convergente y al método empírico que utilizaba la ciencia[3]. Este enfoque da importancia a asignaturas como matemáticas o ciencia y presta menos atención a otras como pintura, danza o arte dramático, lo cual descarta un reconocimiento de la creatividad como materia válida de conocimiento y método de aprendizaje. Por lo tanto, a medida que nos vamos zambullendo en esta educación, nos vamos nutriendo con conocimientos que nos preparan para ser trabajadores obsoletos, ya que las actuales circunstancias sociales y económicas están lejos de corresponderse con las de la era industrial.

    Como Francisco Jarauta apuntaba en la introducción de estos mismos Cuadernos[4], el mundo está viviendo una profunda reorganización económica, política y social basada principalmente en una ?homologación? planetaria. Para entender este cambio no hay que olvidar que el factor determinante que ha activado y acelerado muchas de estas reorganizaciones ha sido la sociedad red y su nuevo planteamiento para generar y compartir conocimiento. Las redes han acortado las distancias físicas y han multiplicado exponencialmente la cantidad y calidad de la información a la que tenemos acceso como individuos dentro del sistema, lo que provoca una sobreexposición a estos contenidos para la que no estamos preparados. Esto se debe a que el actual modelo educativo no proporciona las herramientas necesarias para poder analizar estas nuevas coyunturas.

    El modelo convergente que prima en la mayoría de los sistemas educativos del mundo ofrece instrumentos de análisis lineales, que descomponen los diferentes factores de una situación, los analizan y finalmente ofrecen una única solución como resultado. Este método queda completamente obsoleto en el contexto de la sociedad red, al menos utilizándolo de manera aislada. La complejidad de los canales, las situaciones que tienen lugar online y las nuevas tecnologías, que se mezclan en cada uno de los nuevos problemas que surgen a raíz de esta planetarización, no se pueden solucionar con instrumentos obsoletos. Es necesario pensar de una manera audaz, crear nuevas conexiones y desarrollar asociaciones inéditas entre conceptos originales y el conocimiento previo. Y esto no es más que la definición de ?creatividad?.

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    Si quieres seguir leyendo sobre los nuevos modelos educativos para la innovación, puedes continuar la lectura de este texto en Cuadernos de Diseño 4: Diseño de procesos.

    [1] George Land y Beth Jarman: Breaking Point and Beyond, San Francisco, HarperBusiness, 1993.

    [2] K.M. Heilman, S.E. Nadeau y D.O. Beversdorf: Creative Innovation: Possible Brain Mechanisms, Gainesville (FL), Department of Neurology, University of Florida, College of Medicine, 2003.

    [3] Mario Vargas Llosa: La civilización del espectáculo, Madrid, Alfaguara, 2012, p. 65.

    [4] Francisco Jarauta: ?Presentación? a Cuadernos de Diseño, nº 3 (Diseño, innovación, empresa), Madrid, IED, 1ª ed. 2009 (1ª ed. digital 2013).

     

    Ana Lucía Díaz Schiavon

    Se estableció en Londres en 2010, y en 2011 fundó su propia estudio de comunicación para empresas e instituciones sostenibles. Previamente se graduó en Diseño de Moda en el IED Madrid y finalizó un máster en diseño sostenible en la University of the Arts London. Actualmente, dentro de su cartera de clientes, se encuentran instituciones como la Central Saint Martins, Textile Environmental Design (TED), Textile Futures Research Centre (TFRC) y la University of the Arts London. Su trabajo personal como diseñadora se desarrolla en el ámbito académico investigando acerca de la unión entre educación, empresa, investigación y nuevas tecnologías.

     

    Más información en Editorial IED Madrid

     

     

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    XIV Bienal de Arquitectura de Venecia (III)

    Posted: 25-June-2014, 1:42am EDT by Pedro Medina

    Tras el análisis de la propuesta principal en los Giardini y el Arsenale, no hay que olvidar la invitación que Rem Koolhaas realizó a los pabellones nacionales para interpretar el legado del Movimiento Moderno en arquitectura. Además, un breve recorrido por la ciudad sobre aquellas propuestas que excedían el marco de los Giardini de la Bienal de Venecia.

    [Viene de Bienal de Arquitectura de Venecia (II)]

    En efecto, una visita a Venecia supone siempre un abandonarse al azar de las paradas, a la confusión de los caminos y a las sorpresas que esperan por doquier, pero antes hay que cumplir con el recorrido por la Bienal y, sobre todo, con su sentido original: la lucha pacífica entre países, que compiten en los Giardini, lugar donde las naciones históricas tienen su pabellón desde hace más de 100 años. En esta ocasión las naciones se enfrentaban -en principio- no para mostrar las últimas ‘moderneces’, sino para crear su relato particular sobre lo que ha supuesto la “Modernidad” en sus territorios en la última centuria, marcando su inicio en el simbólico 1914.

    Como resumen, podemos decir que el seguimiento de lo propuesto por Koolhaas ha sido ha sido bastante mayoritario, lo que ya se podría considerar un éxito. ¿Pero qué ha aportado esa suma de miradas nacionales? En la mayoría de los casos este experimento no ha pasado de una revisión de la historia propia, constatándose únicamente que la Modernidad en arquitectura se ha convertido en tradición. Sin duda, el Movimiento Moderno viene reconocido aquí, no podía ser de otra forma, viendo su importancia histórica, pero queda reducido justo a eso, a historia sin proyección hacia el futuro, por lo que deja cierta insatisfacción como experimento teórico.

    Y desde el punto de vista de la puesta en escena, lo que abunda este año en los pabellones nacionales son aquellos formatos tan apreciados por el gremio de la arquitectura, consistentes en numerosas fichas expuestas con varios proyectos, no diferenciándose mucho de lo que podría haberse contado en otro formato como un libro. Aun así, ha habido distintos pabellones que merecen atención: el León de Oro fue para Corea del Sur, una presentación más de proyectos, aunque lejos simplemente de los meramente formales, con un trasfondo político elogiable. Entre las revisiones históricas, merecido premio al pabellón de Chile, no muy intuitivo, pero interesante en su planteamiento, a partir de un elemento tan contundente como un bloque de hormigón prefabricado, que permitía contar la historia reciente de Chile, sus ideologías y derivas políticas.

    Además, en los Giardini, Gran Bretaña refresca la rica historia de esta ?modernidad? en su territorio, generando interesantes asociaciones desde la literatura a la arquitectura, de la ruina al brutalismo, de las ciudades jardín a las tendencias más cercanas. Francia, con su Modernity: promise or menace? muestra con soltura y atractivo las contradicciones y puntos de vista dispares sobre el Movimiento Moderno a través de la prefabricación ejemplificada por Jean Prouvé y la Villa Arpel del fascinante film Mon Oncle de Jacques Tati. Estados Unidos hizo mucho ruido con OfficeUS, gran archivo e impecable publicación">[new.pentagram.com] , que muestra la historia actual de la arquitectura en Estados Unidos por medio de la lente de la exportación, situando la figura del estudio de arquitectura en el centro de la misma. Y España, con una buena selección de proyectos, pero ignorando la invitación de Koolhaas, ha pasado bastante desapercibida.

     

    Por otro lado, curiosamente el término ?graft? ha estado muy presente en el inicio de esta Bienal, en primer lugar por la corrupción política que ha salpicado a la práctica totalidad de la clase dirigente en Venecia en torno a la construcción de los diques de la Laguna, el Moisés, pero también por estar en el título del pabellón de Italia y en el de Cataluña, para sorpresa de ambos, que no optaban por el significado delictivo y sí por la idea de injerto o inserción en un tejido social, llevada a cabo en ambos casos con fortuna y corrección, aunque sin grandes sorpresas.

     

    Entre los pabellones desperdigados por la ciudad, destacar el correcto debut de Nueva Zelanda y, sobre todo, el pabellón de Luxemburgo (al que pertenece la portada de este artículo), donde se exhiben 5 investigaciones para rastrear el camino de la insaciable modernidad y las decisiones que plantea frente a la tradición, constituyendo un particular y exhaustivo diario en ruta, interesante por su contenido y puesta en escena.

     

    Y entre los eventos paralelos, Death in Venice, que muestra los lugares vinculados a la vida y la muerte en Londres en los últimos 100 años a través de distintos y atractivos formatos; y The space that remains: Yao Jui-Chung?s ruins series, fascinantes ruinas presentadas como el ?otro? de la arquitectura, su condena y la constatación del paso del tiempo, pero que ahora cobran vigencia como metáfora de nuestro tiempo y de los propios movimientos arquitectónicos.

     

    Y por hacer un resumen muy rápido de todas las demás actividades, considerable presencia, pero sin gran impacto, de Hiroshi Sugimoto, el programa del Off Biennale, con las charlas Architects meet in Fuoribiennale, y los grandes museos de arte contemporáneo y las propuestas contemporáneas de instituciones más tradicionales, entre los que citar el juego de sentidos a través de la luz en el Palazzo Grassi y a través del sonido en la Fundación Prada, sin olvidar la intervención en el maravilloso Palazzo Fortuny a través de fotografías de mujeres, especialmente Dora Maar, la continuación de Prima Materia en la Punta della Dogana, la apertura a piezas contemporáneas de Ca? Pesaro, Ca’ d’Oro?

     

    Y no hace falta continuar para darnos cuenta de que los atractivos no faltan, por lo que el balance de esta edición de la bienal de arquitectura no es malo, pero deja insatisfechos frente a las altas expectativas que había generado. La arquitectura debería responder a las necesidades de su tiempo y no hacer oídos sordos a sus habitantes, a las cuestiones sociales a las que en otras épocas la arquitectura ha respondido, responsabilizándose de las condiciones del habitar.

    Es por esto que, tras una época de arquitectura retórica en busca de iconos más que de edificios y en plena crisis de trabajo e ideas, urge reflexión, refundar teóricamente el papel del arquitecto y encontrar nuevas dinámicas y posibilidades. Por ello, parecía Koolhaas el mesías ideal, habiendo interpretado lúcidamente tantas veces su tiempo, pero su repliegue formal, su dispar planteamiento y la sensación de mirar más al pasado que al futuro no crea los fundamentos del porvenir.

    Se le ha de reconocer al menos discurso en el Pabellón Central ?cosa extraña en las últimas bienales?, ciertos aciertos y sorpresas en el Arsenale, y una mayoritaria respuesta en los pabellones nacionales, pero no sé si es suficiente para que podamos hablar de sentar unas premisas sobre lo que está por venir. Quizás esta bienal, celebrada en los Giardini por arquitectos y por visitantes en el Arsenale, dé pie a hablar y pensar en profundidad los fundamentos teóricos, epistemológicos, ontológicos y existenciales de la arquitectura. Si fuera así, pasará a la historia como uno de los impulsos más importantes, pero me temo que, por desgracia, para alguien que ha teorizado tanto y bien como Koolhaas, esta bienal quede como un revisionismo necesario con baja potencia propositiva.

    Por último, unas palabras sobre la publicación, que contaba con una de las grandes diseñadoras gráficas de los últimos años, Irma Boom. Son publicaciones muy cuidadas en sus ?elementos? (cada una de las partes en las que dividía su discursos Koolhaas en el Pabellón Central de los Giardini; únicamente en inglés), y un catálogo general similar a otros anteriores. Un avance contar con estas otras publicaciones, donde la investigación y la rigurosidad son más palpables que en la exposición, pero una pena que la Biennale renuncie a las publicaciones digitales, que permitían tener fotos de las instalaciones in situ, por no hablar de todas las demás ventajas en distribución y medios expresivos, como el acceso a otra serie de contenidos como entrevistas y vídeos de forma más unitaria y actualizada. Quizás sea coherente con una Bienal que ha mirado principalmente hacia atrás.

     

    Imágenes: Pedro Medina y Bienal de Venecia. Cortesía: Bienal de Venecia

     

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    XIV Bienal de Arquitectura de Venecia (II)

    Posted: 24-June-2014, 1:13am EDT by Pedro Medina

     

    Una vez que hemos visto las premisas de partida propuestas por Rem Koolhaas, analizaremos el resultado para hacer balance de la Bienal de 2014.

    [Viene de XIV Bienal de Arquitectura de Venecia (I)]

    ¿Qué es lo que más comentaban los medios? Un dato que sí que marca claras diferencias con años anteriores y que demuestra no poca valentía: su apuesta por una bienal en la que no se ha sucumbido a los archistars ?Chipperfield también lo sugirió, pero cayó de nuevo en esta costumbre?, convirtiéndose Koolhaas en un antistar, que, viendo reacciones como la de Eisenman, parece que ha puesto nerviosas a muchos de los protagonistas de años atrás, como si declarase el final de un período. En realidad, esta posición clara y arriesgada es coherente con su trayectoria, desde que acusó a los arquitectos de sufrir delirio de omnipotencia o ácida frustración. Sin embargo, todas estas figuras de las últimas décadas no están muertas, aunque la arquitectura espectáculo parezca retirarse de Europa; siguen construyendo de Dubai a China, entre otros muchos lugares; además, no es cierto que la Bienal esté exenta de estrellas, Koolhaas es una de ellas.

    Podríamos intentar adivinar sus verdaderas motivaciones, pero bien sea por desterrar los grandes nombres para hablar de arquitectura o para evitarse problemas con otros compañeros de profesión y sus egos, esta bienal finalmente destierra a la mayoría de las vacas sagradas, aunque ha aprovechado la ocasión para ciertos homenajes, contando con los archivos de Friedrich Mielke (93 años), autor de 28 libros dedicados a los escalones; o Tim Nugent y Claude Parent, que a sus 91 años lo saben todo sobre rampas. Estos son los únicos nombres propios de Elements, aunque el Pabellón Central viene prologado por una pieza que servía de enlace entre el pabellón y la propuesta planteada a los pabellones nacionales: la Maison Dom-ino de Le Corbusier (ese armazón en cemento que fijó las reglas de la construcción moderna en 1914), aunque ahora reconstruida en madera, permaneciendo con un gran lazo rojo alrededor durante varios días de la vernissage, esperando a que Koolhaas la inaugurara.

     

    En Delirious New York criticaba la ciudad para tres millones de habitantes de Le Corbusier como un proyecto que desvinculaba el contenido arquitectónico de la realidad social, destinando esa ciudad a ser un monstruo financiero. Quién sabe si un fondo parecido puede acabar condenando a muchos de los arquitectos que se creían fuera de esta dinámica. Quizás por ese temor, Koolhaas rodea sus elementos de historias sociopolíticas, algunas hondas, como la del pasillo, y otras más irónicas, como la de la toilet; de hecho, esos momentos irónicos tan presentes en la crítica activada en ocasiones anteriores por Koolhaas y, sobre todo, en sus publicaciones, aquí aparecen, pero como pequeños gestos, en ningún caso como el espíritu central, pasando en muchos casos realmente desapercibidos para la mirada rápida del típico espectador de bienal.

    Por tanto, cabe preguntarse ¿hay refundación teórica en esta propuesta, que es la más cerrada y coherente narrativamente hablando? Hay discurso, que no es poco viendo otras bienales, pero estos Elements resultan ser principalmente un formalismo que adolece de ese academicismo que pretende suspender el tiempo, terminando por ser un lujoso catálogo de formas y materiales, que tenía encantados a los arquitectos, pero de los que es difícil extraer una gran fuerza teórica o propositiva, que sería lo que necesitaría una etapa de refundación. Queda pues un muestrario de formas básicas para el gran mercado de la arquitectura, algo que sarcásticamente ha tratado el premiado pabellón de Rusia, Fair Enough, disparatada feria de la construcción con los vanguardistas rusos convertidos en marcas.

     

    ¿Y qué ocurre con la propuesta del Arsenale? Lo primero que llama la atención es la omnipresencia del cine, también un elemento cardinal para ver arquitectura en la sala principal del Pabellón Central. En el Arsenale 82 películas italianas son mostradas a lo largo de las antiguas cordelerías como un espacio paralelo, más que verdadera instalación dialogante, tras la gran tela translúcida estampada con la Tabula Peutingriana de la Italia imperial del siglo V. Esta presencia más que notable del cine sirve para crear la experiencia de un legado italiano por medio del gran arte masivo del siglo XX, que se une a las otras artes performativas tratadas por la institución Bienal de Venecia, convirtiéndose esta exposición en una especie de metabienal, o más bien en un escaparate de la institución para reivindicar una identidad italiana.

    Esto extraña a muchos visitantes, ya que son dos propuestas totalmente diferentes, no viéndose más continuidad que la idea de ser un ?fundamento?, una de la arquitectura y otra de la ?italianidad?; si bien en esta segunda podíamos hallar varios momentos emocionantes, como las piezas de coreógrafos como Virgilio Sieni y más figuras que dejaban un buen sabor de boca, aunque no eliminaban cierta extrañeidad en el contexto de una bienal de arquitectura.

     

    No obstante lo heterogéneo de las propuestas y la pérdida de protagonismo de la arquitectura, es aquí donde se vislumbran más proyectos cercanos a esa estética de lo real, volcada hacia una función social de creación, propia del Koolhaas que tanto ha fascinado en el pasado, y donde cada proyecto era un laboratorio donde la modernidad era reafirmada como un material y donde la arquitectura aparecía como una nueva sensibilidad crítica, concibiéndose como un espacio de pensamiento que conduce a nuevas propuestas formales y sociales.

    Entre las 41 microhistorias, Italia aparecía frente a sus momentos de constitución actuales, incluidos los arquitectónicos más embarazosos, como el progresivo derrumbe de Pompeya o las instalaciones de la isla de la Magdalena, además de tratar los límites de su nación y la emigración, os espacios de ocio y algunas otras realidades. Ahí sí parece asomar esa voluntad social, aunque no va más allá de la mera exposición que, sin embargo, supone una mirada crítica, leve y poco profunda, pero al menos presente.

    Entre estas historias, sobresalen proyectos sobre las fronteras móviles de Italia (por el deshielo de los glaciares alpinos) en el premiado Italian limes, los que abordan la cultura de las discotecas adriáticas (donde sí parece volver ese Koolhaas más social e irónico, aunque quedan como fogonazos), la utopía fallida de Zingonia o la investigación del español Andrés Jaque sobre los medios de comunicación y su trascendencia política y física, merecedora del León de Plata. Sin olvidar una recreación revisionista, pero muy bien planteada, en Radical Pedagogies: Action-reaction-interaction, gran friso con los experimentos pedagógicos fundamentales a la hora de construir un debate sobre las prácticas arquitectónicas en la segunda mitad del siglo XX.

     

    En definitiva, Monditalia es una mirada fragmentaria de la península itálica, vistosa, entretenida y con algunos meritorios momentos de lucidez, aunque aparecen dispersos sin construir un relato unitario más allá de la coincidencia nacional. La propuesta de Koolhaas para esta bienal, dentro del discurso expositivo que dependía directamente de él, queda pues como proyecto bipolar, donde parece querer contentar a los arquitectos en el Pabellón Central, y a los italianos en el Arsenale, pero que en conjunto no parece anunciar o tomar partido por ningún posicionamiento o interpretación o, al menos, provocación consustancial y actual.

    Veamos en la última parte de este resumen si se puede decir lo mismo de la propuesta para los pabellones nacionales, a priori la más interesante teóricamente al ofrecer una mirada plural a la asunción nacional del Movimiento Moderno en arquitectura, sus intenciones y traducciones en cada contexto nacional. Sin olvidar el resto de actividades presentes en Venecia durante la vernissage de la Bienal.

    [Continúa en XIV Bienal de Arquitectura de Venecia (III)]

    Imágenes: Pedro Medina y Bienal de Venecia. Cortesía: Bienal de Venecia

     

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    XIV Bienal de Arquitectura de Venecia (I)

    Posted: 23-June-2014, 12:58am EDT by Pedro Medina

    Nueva guía en 3 entregas de la Bienal de Arquitectura de Venecia de 2014, dirigida este año por Rem Koolhaas. En esta primera parte, reflexionamos sobre las expectativas y puntos de partida del arquitecto holandés para esta edición.

    En ocasiones anteriores ya hemos hablado sobradamente sobre la ciudad que alberga la Bienal, el formato y los discursos comisariales; baste recordar el análisis de un discurso personal y bien creado, a pesar de sus errores, como el llevado a cabo por Massimo Gioni el año pasado, la dispersión por los barrios venecianos de aquellos pabellones de países que han estado desde el inicio en los Giardini o los temas y modelos propuestos en muchos de los Abre el Ojo pasados. Sin embargo, este año se presentaba como una ocasión realmente especial, ya que por fin le tocó el turno a uno de los pensadores y profundos críticos de la arquitectura contemporánea: Rem Koolhaas.

    Recordemos si no, la frescura de muchas de sus publicaciones, como Content, su presencia en bienales anteriores (incluida la de arte, de la mano de Rosa Martínez, y no solo en Venecia, sino también en otras de arte como la de Estambul), su peso en la ciudad (dado por esta recurrencia y por proyectos como los que hay en torno a la Fundación Prada) y la gran aura que ha ido ganando como arquitecto, con sus proyectos, y como animador y analista cultural en las últimas décadas.

     

    Y eso no solo por la larga espera, sino por el momento actual. Por un lado, el contexto cercano: tras bienales tremendamente formalistas y donde las archistars copaban toda la atención, se esperaba de Koolhaas algo más que un simple recolectar figuras para que queden bien en este gran escaparate. Y por otro, el actual ambiente de crisis, no solo económica (afectando muy especialmente al gremio de los arquitectos), sino también de premisas, ética y rumbo. Cabe recordar que todos los momentos de crisis han sido momentos de reflexión y creación, como demuestran épocas tremendamente fértiles como fue el período de Entreguerras, donde surgió el Movimiento Moderno en arquitectura, una de las piedras de toque de esta Bienal.

    Justo porque este argumento es uno de los puntos de partida de Koolhaas, podríamos recordar las palabras de Mies van der Rohe en Arquitectura y modernidad: «La arquitectura es la voluntad de una época traducida al espacio? En ninguna edad ha sido de otro modo». ¿Cuál es la voluntad de nuestra época entonces? ¿La Bienal de Venecia puede medir nuestro tiempo y rastrear las tendencias que lo moldearán? A esto ya hemos respondido con escepticismo en pasadas ocasiones, a pesar de la innegable fascinación de la cita, pero esta vez parecía ser diferente.

    Así, de esta bienal se esperaba la reflexión capaz de plantear las premisas de una nueva forma de hacer, de construir el mundo, tarea que se ha de reconocer enorme, incluso para uno de los grandes apóstoles de la teoría como el holandés. ¿Demasiada responsabilidad?

     

    Esta expectación venía acrecentada por la revolución que planteó el director de la Bienal, Rem Koolhaas, por duración y formato ?ahora como en la bienal de arte, inaugurando casi tres meses antes, con lo que esto implica de esfuerzo para los países y colectivos participantes? y por el tema y estructura planteados en Fundamentals.

    En efecto, cabe destacar varias secciones y dinámicas. La principal: Elements of Architecture, en el Pabellón Central de los Giardini, se anunciaron como el resultado de una investigación de dos años dedicada a pensar los elementos fundamentos utilizados por los arquitectos en edificios de cualquier época: desde el techo a las escaleras, abordando 15 elementos y sus historias. Esto era posible precisamente al desembarco de su equipo en OMA (Office Metropolitan Architecture) y del del grupo de investigación AMO, de la Universidad de Diseño de Harvard, donde los estudiantes habían iniciado un estudio sobre partes fundamentales del construir. Esta colaboración, junto con la aparición de talentos jóvenes italianos, parecía contribuir a una bienal con aire fresco e investigación.

    Monditalia en el Arsenale era de inicio una sección plena de curiosidad y no menos perplejidad, al incorporar las otras bienales venecianas: danza, música, teatro, cine, aunque no arte. Proyectaba, por tanto, un diálogo entre disciplinas puramente performativas y la, no necesariamente pero sí naturalmente, estática arquitectura.

    Confieso que mi preferida de inicio: Absorbing Modernity 1914-2014. Si en años pasados algunos pabellones nacionales buscaban ?de forma minoritaria? estar en sintonía con el tema central (con frecuencia muy vago y abstracto), por primera vez se hacía una invitación formal desde la dirección general a responder a un tema concreto: crear un relato sobre los momentos claves de lo que podemos entender por ?modernidad? en arquitectura desde el punto de vista de cada nación. Esta propuesta se podría interpretar como una asunción teórica realmente interesante: en un mundo en el que ya no hay grandes relatos, construir uno desde la suma de diversas miradas para contemplar los fragmentos (y la variedad) de una visión quizás unitaria.

    En otras actividades, también hay que recordar que siempre hay otros programas: Biennale Sessions para universidades o Meetings on Architecture, bastante desapercibidos para el gran público, aunque encuentros siempre necesarios. Y entre las novedades, por último, cabe destacar la presencia de la magnífica diseñadora gráfica Irma Boom, a cargo de las publicaciones, entre las que sobresalen unos cuadernos dedicados a cada uno de los Elements of Architecture.

    Estos eran lo puntos de partida que habían generado no poca ilusión, principalmente ante la iluminación de un Koolhaas que invitaba a un verdadero laboratorio de reflexión. En los siguientes posts veremos si se han cumplido tan altas expectativas.

    [Continúa en XIV Bienal de Arquitectura de Venecia (II)]

    Imágenes: Cortesía de la Bienal de Venecia

     

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