Arte contemporáneo en España

Redes de arte

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Abreelojo

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    Taller presencial gratuito ¿Qué es el diseño? 23, 24 Y 25 de septiembre

    Posted: 15-September-2014, 10:37am EDT by Julia

    ¿Tienes dudas respecto a tu futuro? Septiembre es el mes de la formación, la oferta formativa es inmensa y es muy fácil acaba navegando en la incertidumbre.

    IED Design Madrid quiere acercarte el mundo del diseño con un taller gratuito en el que podrás vivir en primera persona qué es diseñar. Durante los días 23, 24 y 25 de septiembre podrás experimentar las fases más importantes en un proceso de diseño: investigación, creatividad y producción.

    Taller presencial. ¿Qué es el diseño?

    El taller está dirigido a alumnos que quieran conocer en qué consiste el oficio del diseñador de producto o interiores y deseen tener un primer contacto con el proceso de diseño, en el que puedan experimentar lo que supone la ideación y producción de un objeto o espacio. El taller se divide en tres módulos que definen las diferentes fases en el proceso de diseño.

    • Módulo I. Investigación. 23 de septiembre de 10.00h a 14.00h
    • Módulo II. Creatividad. 24 de septiembre de 10.00h a 14.00h
    • Módulo III. Producción. 25 de septiembre de 10.00h a 14.00h

    Partiendo del concepto y los puntos clave definidos previamente se comienza un proceso creativo destinado a definir el diseño de nuestro objeto o espacio. A través de distintas técnicas creativas y de representación se dará forma a la idea.

    En la fase de producción nuestro producto o espacio se hace real. Se estudiarán las distintas opciones de prototipado y se trabajará con materiales y herramientas para realizar el prototipo.

    Para apuntarte debes inscribirte en la web iedmadrid.com.

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    Twin Gallery 2014-2015

    Posted: 9-September-2014, 5:49am EDT by Pedro Medina

    El nuevo curso cultural ya está aquí y la Twin Gallery le da la bienvenida con una exposición que anticipa toda la temporada. Tendrás pocos días, ya que se inaugura el 10 de septiembre de 2014 a las 19:30 y solamente permanecerá abierta hasta el 20 de septiembre.

    Son muchos los circuitos y las zonas de galerías que Madrid ofrece para disfrutar de una oferta artística privilegiada, y justo antes del programa de Apertura, aconsejamos dar un salto para conocer las propuestas de la Twin Gallery para este año.

    De valores seguros como Alicia Martín, con Los manejados, al celebrado reencuentro de Miguel Fructuoso con Madrid, con su Pintar pintura, son varias y variadas las muestras de este año, con viejos conocidos como Juan Perdiguero, con su Loop, a la primera individual en España de Nuno Henrique, o la primera individual en Madrid de Marla Jacarilla, la primera individual en una galería de Madrid de Salim Malla, y las siempre cautivantes exposiciones de Ubay Murillo y Aitor Saraiba.

    Asimismo, hay que añadir la nueva intervención en el exterior de la sala a cargo de Santiago Morilla, que propondrá su Monarquía cárnica, mientras continúa el apoyo a producción de arte sonoro que viene desarrollando la galería, en este caso con el trabajo de Miguel Álvarez-Fernández, presente en ExpoClásica, y su presentación de otros trabajos en ferias como ForoSur, en este caso el del jovencísimo y prometedor Manuel Franquelo Giner.

    Como evidencia este programa, merece la pena acercarse a la Twin Gallery para descubrir nuevas y sugerentes propuestas.

    Entrada libre

    Inauguración: del 10 de septiembre de 2014 | 19:30
    Exposición: 10 – 20 de septiembre de 2014
    Horario: miércoles ? viernes | 18:00 ? 21:00 || sábados | 11:30 ? 14:00
    Lugar: Twin Gallery
    San Hermenegildo 28
    28015 Madrid

     

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    Citas de diseño

    Posted: 25-August-2014, 4:33am EDT by Pedro Medina

    “¿Qué es diseño? ¿Qué implica diseñar algo?” son las preguntas con las que inicia nuestro inminente libro Descubre el diseño, que podrás descargar gratuitamente desde la Editorial IED Madrid. Estas cuestiones dan pie a varias citas famosas sobre diseño y, en general, pertenecientes a la cultura del proyecto, que ya te mostramos en esta noticia.

    ?Diseñar es cambiar las situaciones existentes en otras más deseables? (Herbert Simon)

    ?Permite que los acontecimientos te cambien? (Bruce Mau)

    ?Las modas pasan, el estilo permanece? (Coco Chanel)

    ?Un diseñador es un proyectista dotado de sentido estético? (Bruno Munari)

    ?Cuando estoy trabajando en un problema nunca pienso en la belleza, solamente pienso en cómo resolver el problema. Pero cuando he terminado, si la solución no es bella, sé que está mal? (Buckminster Fuller)

    ?En toda nueva forma de ver se cristaliza un nuevo contenido del mundo? (Heinrich Wölfflin)

    ?Diseñar es una actividad abstracta que implica programar, proyectar, traducir lo invisible en visible, comunicar? (Jorge Frascara)

    ?El diseño es la búsqueda de un equilibrio mágico entre negocio y arte, arte y talento, intuición y razón, concepto y detalle, alegría y formalidad, cliente y diseñador, diseñador e impresor, impresor y público? (Valerie Pettis)

    ?Tómese su diversión en serio? (Charles y Ray Eames)

    ?El diseño es una actividad creativa cuyo propósito es establecer las cualidades multifacéticas de los objetos, procesos o servicios en su ciclo completo de vida. Por lo tanto, el diseño es el factor principal de la humanización innovadora de las tecnologías y el factor crítico del intercambio cultural y económico? (International Council of Societies of Industrial Design)

    ?El diseño es el esfuerzo consciente de imponer un orden significativo? (Victor Papanek)

    ?El diseño ha pasado a ser actualmente uno de los laboratorios de análisis y discusión más activos sobre los modelos civilizatorios y los estilos de vida que la humanidad está en proceso de realizar, dentro de ese espacio aleatorio en el que se inscribe todo proyecto? (Francisco Jarauta)

    ?Un buen diseño es una aptitud renacentista que combina tecnología, ciencia cognitiva, necesidades humanas y belleza con la finalidad de producir algo? (Paola Antonelli)

    ?Cuando diseño no considero los parámetros técnicos o comerciales tanto como el deseo de un sueño que los humanos han tratado de proyectar en un objeto? (Philippe Starck)

    ?Es realmente difícil diseñar productos para grupos de interés. Muchas veces la gente no sabe lo que quiere hasta que se lo muestras? (Steve Jobs)

    ?Nuestra oportunidad, como diseñadores, es aprender a manejar la complejidad en lugar de huir de ella, y a realizar el gran arte del diseño haciendo simple lo complicado? (Tim Parsey)

    ?Un diseñador sabe que ha logrado la perfección no cuando no hay nada que añadir, sino cuando no hay nada que quitar? (Antoine de Saint Exupéry)

    ?La moda es la última piel de la civilización? (Paco Rabanne)

    ?El diseño construye el puente entre el cuadro negro de la tecnología y la práctica cotidiana? (Gui Bonsiepe)

    ?Lo ?supernormal? es más un objetivo que un adjetivo. Lo buscan los diseñadores preocupados por que sus trabajos no sean productos de temporada. Lo tienen el clip o el palillo, piezas que no llaman la atención, pero que echamos en falta cuando no están? (Anatxu Zabalbeascoa)

    ?El objeto de la educación es formar seres aptos para gobernarse a sí mismos, y no para ser gobernados por los demás? (Herbert Spencer)

    ?Practica un diseño seguro: usa un concepto? (Petrula Vrontikis)

    ?La educación es un proceso de enseñanza que abarca mucho más que una mera transmisión de conocimientos objetivos o destrezas prácticas y ha de verse acompañado de un ideal de vida y de un proyecto de sociedad? (Javier Castañeda)

    ?El futuro tiene muchos nombres. Para los débiles es lo inalcanzable. Para los temerosos, lo desconocido. Para los valientes es la oportunidad? (Victor Hugo)

     

    Más información en Editorial IED Madrid

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    Orígenes: Las Manuelas

    Posted: 18-August-2014, 4:21am EDT by Pedro Medina

    Un nuevo fragmento perteneciente a Cuadernos de Diseño 4, ahora un caso práctico que nos permite entender la importancia del proceso en diseño. Álex Carrasco cuenta el proyecto Las Manuelas, una iniciativa de ayuda al desarrollo, en la que, tras la revalorización de la artesanía y sus posibilidades de comunicación y comercialización, nace una enseñanza ética. Son los valores de nuestra sociedad lo que está en juego y la continuidad de un proyecto cuyas etapas posteriores han sido la exposición en el IED Madrid y la actual colaboración con Steve Mono.

     

    Localizar a Isabel Berz (Directora de IED Moda Lab Madrid) nunca ha sido demasiado complicado. A veces, si el agua está revuelta o si hay muchos pescadores, tan solo hay que poner un buen cebo en el ?asunto? del email para que Isabel acabe picando. Pero esta vez ni siquiera mis intrincados y misteriosos asuntos conseguían captar su atención y su móvil no daba por respuesta más que un robótico “apagado o fuera de cobertura”. Pensé que debía estar en alguna de las consabidas capitales de la moda, a las que suele viajar con cierta regularidad (no en vano es allí donde se encuentran las mayores firmas del sector y donde desean triunfar muchos de sus alumnos). Pero ni en París ni en Milán ni en Londres ni en Nueva York estaba ni se la esperaba; por no decir que en estas metrópolis la comunicación no solo no se detiene, sino que se multiplica. Entonces, ¿dónde estaba Isabel?

    Tras varios días de espera, un breve correo electrónico me advierte de su regreso de la región de Puno, una de las más remotas y olvidadas de Perú, de donde llegaba ?con un proyecto realmente emocionante, sencillo pero muy ambicioso?. Me hablaba también de aldeas donde los colchones se hacen con ramas y las duchas siguen siendo barreños de agua helada. Poblaciones olvidadas sin cobertura, sin luz eléctrica, sin agua corriente, sin carreteras, sin alcantarillado? pero, oh sorpresa, con moda. ?He convivido con comunidades de mujeres dedicadas a producir la mejor alpaca que he sentido nunca?, proseguía, dejando relegadas a meras anécdotas las condiciones de un viaje tan singular dentro del programa formativo de una escuela de diseño. El email terminaba con una propuesta: ?no creo que este proyecto se pueda realizar sin una estrategia concreta de comunicación que se inicie desde la raíz?. Esta vez, claro, fui yo quien mordió el anzuelo.

    Hoy más que nunca debemos escuchar a todas aquellas personas capaces de iniciar un cambio decisivo, tanto si sucede en nuestro entorno más cercano como si acontece a miles de kilómetros de distancia: todos los días vemos casos donde una propuesta individual, aparentemente insignificante en su apariencia pero poderosa en su fondo, puede transformar la forma de pensar y actuar de las personas, movilizarlas e incluso desembocar en toda una revolución. Pero si la insurrección parece haberse instalado en las calles de medio mundo, en las aulas debería seguir imperando la reflexión. Las Manuelas no será el germen de un efecto mariposa de consecuencias impredecibles, más bien es un grano de arena que creímos único y aislado en la inmensidad de la utopía. De una forma más suave y silenciosa, la suma de muchos de esos pequeños gestos en su apariencia, aunque decididos, honestos y comprometidos en su esencia, pueden igualmente transformarnos. Así fue como, según avanzaba el proyecto, entendimos que no estábamos solos (ni locos, de paso). El ciberespacio nos conectó con otras acciones que caminan en paralelo al movimiento que habíamos iniciado: Las Manuelas forma parte de una nueva corriente en el mundo de la moda donde los valores de frivolidad, ostentación y mera sofisticación (pan nuestro de cada día) son desterrados en favor de una moda con ética y conciencia.

    Por eso, aunque el nuevo mantra en marketing y comunicación es la palabra ?sinergia?, yo prefiero apostar por la unión. Entendida como un tipo de alianza que huye de los márgenes de la eventualidad y la más pura mercadotecnia, la unión supone compromiso y confianza. La confluencia que dio vida al proyecto de Las Manuelas, a priori y en otro contexto, podría resultar cuanto menos curiosa. El triángulo formado por el departamento de moda del IED de Madrid, el movimiento feminista Manuela Ramos y la ONG Economistas Sin Fronteras creó un germen que ha unido concepto y reflexión sobre el diseño actual, compromiso con la cooperación y conciencia por un desarrollo sostenible respectivamente para lanzar una idea de cambio conjunta.

    Por suerte, si las características del contexto influyen decisivamente en la magnitud que estas acciones pueden adquirir, ahora la comunicación ya no es un problema: Internet ha roto todas sus leyes y fronteras, permitiendo expresar libremente nuestras propuestas de futuro; también entrar en contacto con personas, empresas u organizaciones que las comparten, por lejos que se encuentren. Tan solo en lugares como Puno, esa región fronteriza de temperaturas extremas de donde procedía Isabel y en la que aún permanecían Irene Alonso, Rosa Rubio y Carmen Delgado (el grupo de intrépidas alumnas del IED), no es la Red sino un animal el centro de su modo de vida: las alpacas. De ellas se obtiene una de las fibras naturales más cotizadas y exclusivas del mundo, demandada por las grandes firmas de moda. ¿Cuántos jerséis de este material no encontraremos a precios desorbitados en las estanterías de las más conocidas empresas de lujo, donde el fervor por la marca ha relegado al olvido a las mujeres que crían, alimentan, esquilan, hilan, tiñen y tejen las prendas que luego adornarán los guardarropas más privilegiados? Habría sido tan fácil ir a buscar esta exquisita materia prima a los confines del mundo para traerla y adaptarla a las necesidades de Occidente olvidándonos de quienes las crearon.

    En moda, como ahora sucede en otros ámbitos (sea político, cultural, social o económico), muchas de las mejores propuestas no han surgido de sus líderes ni gobernantes. Por lo que no podemos pedirles a los todopoderosos holdings del lujo, quienes propician el olvido de su propio legado, que recuerden a las personas anónimas que hacen posible su sentido de la opulencia: no busques a Yves, Hedi Slimane, Director Creativo de Saint Laurent, ha decidido que el nombre del maestro sobraba para ?recuperar la frescura inicial de la firma y así acercarse al público más joven?. ¿Sabrán esos jóvenes en unos años quiénes eran Yves (Saint Laurent), Pierre (Balmain), Christian (Dior), Jeanne (Lanvin) o Cristóbal (Balenciaga), todos ellos mutilados de su nombre? Surgidos al calor del boom económico de los 90, estos monstruos insaciables no solo han engullido a los grandes mitos de la moda del siglo XX, también a casi todos los creadores independientes, rebeldes o contestatarios que plantaron cara al sistema en aquella época. Tal es el caso de Martin Margiela, Helmut Lang, Alexander McQueen, Yamamoto? Parece que la fórmula de la comunicación contemporánea y futura en moda está basada en una mera reducción de los principios básicos que sostienen nuestra herencia para conectarnos ?supuestamente? más ligeros de peso con el presente. Por ahora parece que, aunque siguen restando pasado para sumarse a la actualidad, los diseños surgidos de estos gigantes económicos, dedicados al regocijo de la pura estética y a las bajas pasiones creativas de los nuevos billonarios, obvios y comerciales en su forma y sin más pasión que el dinero, no consiguen conmover de la forma que lo hicieron los maestros que han sido privados de su nombre.

    Las Manuelas, en plural, sin apellido. En femenino porque son ellas, aguerridas mujeres curtidas en aldeas perdidas de Perú, las que con sus manos obtienen de la naturaleza un tesoro único en el mundo. Liviano en su apariencia y modesto en su ejecución; aunque ambicioso y rompedor por lo elevado de sus ideales. Italo Calvino expresaba que ?en los momentos en que el reino de lo humano me parece condenado a la pesadez [?] he de cambiar mi enfoque, he de mirar al mundo con otra óptica, otra lógica, otros medios de conocimiento y verificación?. Eso es lo que realmente encontramos en Puno, aunque no fuese lo que andábamos buscando? Y si la comunicación no es más que la forma de diálogo establecido entre gobiernos, empresas, marcas y organizaciones con una sociedad cada vez más compleja y global, y una gran parte de la sociedad ha perdido su confianza en todos ellos por saber que su visión de futuro es errónea e incluso injusta, el gran reto actual consiste en reformular este diálogo desde parámetros diferentes, creando un nuevo lenguaje y buscando referentes en lugares inexplorados.

    Aunque el concepto de Las Manuelas podría ser definido como cualquier otro vinculado con la cooperación internacional, el hervidero de ideas que se ha creado a su alrededor parece que va a revolucionarnos más aquí que en el país andino. Si el principal objetivo era la creación de una colección de ropa realizada en punto de alpaca para dar trabajo a decenas de mujeres de Puno, al afrontarlo con una visión ampliada, la percepción varió de inmediato. Isabel Berz se fue de viaje poniendo en duda que ?los países desarrollados seamos los dueños del concepto diseño y que este deba asociarse únicamente a la decisión formal o estética de un producto; luego es lógico preguntarse por qué tiene que ser siempre el profesional occidental el que realice el diseño y por qué el diseño se antepone siempre a la manufactura? [declaraciones concedidas para el reportaje Se busca artesanía, publicado en el nº 63 de la revista S Moda (El País)]. En Las Manuelas partimos de la materia que generan los animales y de la precisa y minuciosa labor de las artesanas; sobre esas dos realidades se definió el diseño formal de la colección. Pero se puede ir un poco más allá, aplicando la idea de diseño a la creación de procesos, y no solo de productos. Procesos que mejoren la calidad de vida de todas las personas que interactúan con él, tanto los que lo generan y realizan como sus usuarios finales, teniendo en cuenta su impacto medioambiental y ciclo de vida, ?para de esta forma garantizar proyectos que sean éticamente legítimos y viables en el contexto global que vivimos?, explicaba.

    Los retos que Las Manuelas planteaban en su concepto de diseño no eran menores al trasladarlos a su comunicación. Poco nos ha importado ?y menos aún lo hemos comunicado? de dónde, de qué forma y qué manos han creado el teléfono móvil desde donde llamamos, la sartén donde cocinamos o la camiseta que nos vamos a poner. Esta falta de conciencia sobre el origen de casi todo lo que nos rodea, sobre su historia y procedencia, nos ha alejado de la enorme responsabilidad que supone consumir. Ahora por fin empezamos a ver el doble filo de esta navaja, que la ropa de usar y tirar tiene como consecuencia remotas e inhumanas factorías, y que produce deshechos que la Tierra ya no es capaz de digerir. Por lo tanto, si el diseño de Las Manuelas no podía referirse tan solo al producto, tampoco lo podía hacer la comunicación. Había que remangarse, hundir las manos en la tierra y llegar hasta la raíz.

     

    Si quieres seguir descubriendo el proyecto Las Manuelas, puedes seguir la lectura de este texto en Cuadernos de Diseño 4: Diseño de procesos.

     

    Álex Carrasco

    Durante más de 15 años ha estado volcado principalmente en su faceta de periodista y crítico de moda en cabeceras nacionales e internacionales como Marie Claire, V Magazine, Yo Dona, Neo2, S Moda, News Fashion Week, Público o El País, entre otras; labor que siempre ha compaginado su trabajo editorial con la comunicación, la consultoría estratégica para marcas y la docencia en escuelas como el Istituto Europeo di Design de Madrid o la Escuela Superior de Moda y Empresa. Miembro del comité de expertos de El Ego de Pasarela Cibeles durante años, ha participado en la dirección de eventos como Pasarela Abierta (Murcia) y South 36.32N The New Fashion Latitude. De este modo, ha obtenido una visión integral del mundo de la moda y la comunicación. Actualmente es director creativo y de comunicación en THE APARTMENT Strategic Communication, una agencia de alta gama decidida a redefinir las pautas de la comunicación contemporánea.

     

    Más información en Editorial IED Madrid

     

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    Arte urbano y anamórfosis

    Posted: 11-August-2014, 4:03am EDT by Pedro Medina

    Arte público, graffiti, culturas urbanas… son términos cada vez más presentes en los medios, aunque no tanto algunas técnicas de los mismos. Descubrimos aquí el uso de la anamórfosis a la hora de realizar graffiti e incluso videoclips.

    El arte urbano, en sus distintas manifestaciones -aunque aquí nos referiremos más al graffiti-, tiene precedentes y orígenes múltiples, desde Basquiat a Banksy, pasando por las derivas vinculadas al hip-hop o el skate, por citar algunas. Cada vez está más presente en nuestro entorno y hace ya décadas que ha dejado su influencia en todo el ámbito audiovisual. Sobre este fenómeno ya se ha escrito mucho y es por todos vivido en primera persona. A las manifestaciones físicamente cercanas -todos tenemos algún graffiti en las inmediaciones, realizado con mayor o menor gusto-, cito un par de ejemplos por proximidad que hacen más evidente su influencia y presencia: la exposición Del muro a la tabla de skate, que sobre todo profundizaba en las derivas gráficas de la firma del autor del graffiti a nuevas formas de tipografía y motion graphics, especialmente en colectivos vinculados al mundo del skate, o Inkmap, proyecto de arte urbano por todo Turín, que aún hoy puede contemplarse en su gran mayoría.

    Además, llevados por la progresiva influencia de este lenguaje en nuestra cultura visual, han aparecido nuevas muestras de arte urbano, en este caso online, como el ya notorio Street Art Project creado por Google, que pretende preservar estas obras por lo general efímeras. Dentro del Art Project de Google, que da acceso desde 2011 a más de 40.000 fotografías pertenecientes a 400 museos e instituciones culturales, aparece ahora esta necesaria colección que aúna a la difusión, la conservación de estas piezas; siendo muy notable la destacada presencia de obras situadas en América Latina.

    Pero aquí vamos a tratar brevemente una corriente menos conocida, en parte por la complejidad y laboriosidad de su ejecución, que se basa en el efecto conocido como anamórfosis. En realidad, el término “anamórfosis” (del gr. ???????????, literalmente una “forma reconstruida”) se aplica a la ilusión óptica que permite ver una imagen completa y uniforme desde una posición concreta. Este recurso viene utilizándose desde el Renacimiento, a veces incluso para esconder significados alternativos dentro de una obra, como en Los embajadores de Hans Holbein, y se ha ido extendiendo a otros ámbitos como el cine, el teatro y la publicidad.

    Dentro del arte urbano no es muy común contemplar ejemplos de esta técnica, aunque hay algunos sobresalientes, como es el caso de los italianos Truly Design, presentes ya en el citado Inkmap y especialistas en anamórfosis y en todo tipo de usos del graffiti para revalorizar espacios públicos. Uno de sus “anamorfismos” más conocidos es su Medusa, realizada en 2011 y que, como Perseo, nos obliga a mirar a la Medusa solamente en un sentido. Este caso ilustra perfectamente aquello de lo que estamos hablando y ya anuncia los distintos y sorprendentes usos que podemos hacer de este efecto.

    TrulyDesign_Medusa_Anamorph1
    TrulyDesign_Medusa_Anamorph2
    TrulyDesign_Medusa_Anamorph3
    TrulyDesign_Medusa_Anamorph4

    Otros ejemplos en los que también podemos apreciar el proceso de trabajo son Global Warming, llevado a cabo en 2012 en el zoo de Turín, o Vanitas, que fue realizado por petición de la Polytechnic Federal School de Lausana para la exposición Art on Science en 2014.

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    Proyectos como los que nos aporta Truly Design nos introducen en nuevas experiencias con múltiples y sorprendentes aplicaciones, como podemos imaginar. De ello, han sido recientemente conscientes aquellos que podemos considerar los reyes del plano-secuencia único en los videoclips de los últimos años: OK GO. Disfrutad de su último vídeo: The Writing’s On the Wall.

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    Design Thinking ? Design Thinking

    Posted: 6-August-2014, 3:11am EDT by Pedro Medina

    Edwin Gardner establece en los Cuadernos de Diseño 4 varias aclaraciones en torno a las especificidades del diseño y sus procesos, especialmente sobre los trasvases teóricos e ideológicos del ámbito del diseño a otros campos de saber a la hora de generar innovación, que hoy entendemos como ?Design Thinking?.

     

    El diseño siempre ha tenido la aspiración de ser universal. Un deseo latente de crear una pieza clásica y eterna, un plan urbanístico que dé forma a la sociedad perfecta o un edificio renacentista que nos haga recordar nuestra unión con el universo a través de sus formas geométricas y proporcionadas.

    Más recientemente los procesos de diseño se han erigido como portadores de una verdad absoluta: el diseño entendido como un método universal para la solución de problemas y como forma para innovar en los negocios, el diseño de ciudades, continentes o proyectos de ingeniería climática.

    OMA (Office for Metropolitan Architecture) presentó una solución para los problemas de demanda energética de toda Europa, mientras Bruce Mau planteaba la transformación de un país entero[1]. Desde Businessweek, a través de Bruce Nussbaum, predican el Design Thinking; la revista Volume, desde su número inaugural, busca expandir la influencia de la inteligencia arquitectónica. Los procesos de diseño son útiles no solo para dar forma a elementos físicos, sino que están tomando mayor importancia a la hora de dibujar lo que hay detrás de esos objetos, en una escala que va más allá de lo visible y que influye en el imaginario de las cosas. El diseño está en todas partes o, parafraseando a Bruce Mau en su libro Massive Change: ?No trata sobre el mundo del diseño, sino sobre el diseño del mundo?.

    Por ello ahora, por la insignificante cantidad de 9.500$, Stanford está formando ejecutivos para que se conviertan en Design Thinkers en un fin de semana y que puedan descubrir el poder de los procesos de diseño para ponerlos en práctica en sus empresas. Esto es lo que dice el folleto:

    ?Design Thinking Boot Camp: desde su comprensión hasta la aplicación en la innovación ofrece a los ejecutivos la oportunidad de aprender Design Thinking ?un proceso para innovar centrado en las personas y basado en la fabricación de prototipos que puede ser aplicado al diseño de productos, servicios y negocios. Creemos que la innovación es necesaria en todos los aspectos de un negocio y que esta se puede enseñar. Te invitamos a que te unas aquí en el Hasso Plattner Institute of Design, cariñosamente llamado ?d.school?, a una experiencia que potenciará tus habilidades para innovar en tu empresa?[2].

    A priori estoy de acuerdo con esta posición[3]. Me reconforta la idea de que el diseño es algo más que estética y se ha establecido como algo cotidiano, pero me preocupa el resultado de confiar ciegamente en los poderes creativos de los métodos de diseño. Las virtudes del diseño son, a día de hoy, definidas en la mayoría de ocasiones en términos de progreso, cambio, transformación e innovación. Nuestra vida debe ser mejorada y los problemas resueltos: el diseño es la solución. El diseño puede solucionar cualquier problema, un método universal que puede ser aplicado en cualquier campo.

    Existen dos afirmaciones problemáticas en estas tesis. La primera es la proclamación de su naturaleza universal y la segunda la aceptación de que el diseño soluciona problemas. Me gustaría hacer referencia a ambos a través de ejemplos, ya que afirmaciones similares se hicieron también durante los años 60 y 70. El protagonismo que actualmente han adquirido los procesos de diseño los tuvieron en su día los métodos rigurosos y de optimización de procesos introducidos por las disciplinas científicas, convirtiendo así el diseño y otras muchas disciplinas en falsas ciencias o ciencias de lo artificial, es decir, una ciencia del diseño hecha a semejanza de las ciencias naturales. El mantra consistía en que, mientras las ciencias estudiaban cómo ?es? el mundo, el diseño se ocupaba de ?cómo debería ser? el mundo[4]. Sin embargo, este ?cómo debería ser el mundo? no convendría dejarlo en manos de artistas-arquitectos, con sus caóticos procesos creativos y su culto al genio artístico.

    ?

    Si quieres seguir descubriendo este análisis crítico en torno a lo que consideramos Design Thinking, puedes seguir la lectura de este texto en Cuadernos de Diseño 4: Diseño de procesos.

    [1] ¡GuateAmala!, [www.guateamala.org]

    [2] Stanford Graduate School of Business, executive education program, [www.gsb.stanford.edu] [accedido el 30 de agosto de 2010].

    [3] Edwin Gardner: ?Exploding Practice?, en Volume, nº 7, 2006, p. 12.

    [4] Herbert Simon: The Sciences of the Artificial, Cambridge, MIT, 1969.

     

    Edwin Gardner

    Investigador independiente, arquitecto y teórico. Actualmente tiene un puesto como investigador en la Academia Jan van Eyck y es consultor editorial y colaborador habitual de la revista Volume, entre otras publicaciones. En 2009 fundó el blog de investigación en curso Action!, que reflexiona sobre la creación de conocimiento a través de la práctica y en 2012 inició el proyecto de investigación Still City sobre ciudades y sociedades post-crecimiento. También es miembro del colectivo Monnik.

     

    Más información en Editorial IED Madrid


     

  • Permalink for '21 adagios de Franc?Pairon'

    21 adagios de Franc?Pairon

    Posted: 23-July-2014, 2:18am EDT by Pedro Medina

    Presentamos otro fragmento de Cuadernos de Diseño 4, ahora de la diseñadora de moda Franc’Pairon, que nos transmite sus personales premisas para el proceso creativo, un inspirador manifiesto en forma de 21 adagios, que reflexiona sobre los inconvenientes y las posibilidades de todo momento de creación. Un verdadero estímulo, especialmente para todo el que se inicia en el mundo del diseño y para quien le enseña.

     

    Introducción a los 21 adagios

    Formada en arquitectura de interiores, he dedicado mi vida al diseño de moda. ¡El colmo! Porque aunque la moda se beneficia del movimiento, le falta en cambio una base fundamental: ¡la perspectiva! Partiendo de esa base, decidí enfrentarme a esa desventaja. ¿Cómo conseguir que mis estudiantes piensen en la perspectiva? Por eso pensé en proyectos que les enfrentasen continuamente a sus barreras, a sobrepasar sus límites, que les sacasen de su zona de comodidad.

    La Cambre y el Institut Français de la Mode me dieron carta blanca. A lo largo de los años, viviendo de cerca los procesos creativos, pude experimentar sin límite dando forma a una pedagogía en continua evolución. Ese aprendizaje se completó con talleres intensivos en África y Asia donde trabajé con jóvenes creativos ?talentos en bruto?, en ocasiones sin ningún tipo de equipamiento o incluso sin ningún tipo de conocimiento técnico. Me veía obligada a inventar continuamente, a innovar.

    Conocimiento, apertura, curiosidad, capacidad de escucha, inventiva, energía, convicción, entusiasmo, honestidad, capacidad de reacción, firmeza? son las aptitudes propias de todo pedagogo digno de mención. Por mi parte, completé la lista con las ?herramientas? indispensables. Comenzaré por el temporizador, es fundamental. Decreté el estado de emergencia y arrastré a mis estudiantes a concebir una idea y formularla dentro de un tiempo establecido. Fue tonificante. Además del tiempo, introduje el parche. Ellos pensaban que enmarcar la mirada les reducía su espacio de visión, pero todo lo contrario, abría su visión a la abstracción y estimulaba su imaginación. A continuación faltaba conseguir las carpetas y las bolsas de basura. De hecho, la creación y sus procesos no son más que ?¿poner un poco de orden en las estrellas fugaces??.

    De ese trabajo de campo en Europa, en África y Asia nacieron los adagios. Ahora os presento 21. Son como mis secretos de fábrica. He aquí lo que transmiten estos adagios:

    1. Encontrar la fuente de la creatividad, dejarla surgir.

    2. Estimular la movilidad del espíritu.

    3. Definir el terreno.

    4. Llevar hasta el absurdo los límites del oficio.

    5. Poner entre uno mismo y su trabajo una distancia saludable para el EGO.

    6. Favorecer la ruptura, salir del callejón sin salida.

    7. Improvisar.

    8. Asumir la diferencia entre el uno mismo interior y el exterior.

    9. Desarrollar la percepción de la tercera dimensión.

    10. Salir de las referencias conocidas. Exagerar.

    11. Atreverse a cometer errores técnicos y después superarlos.

    12. Relacionar con perspectiva el tiempo pasado y el resultado obtenido.

    13. Reivindicar. Reforzar la claridad del mensaje.

    14. Comprender las diferencias que componen un mensaje, un objeto, una prenda.

    15. Vivir la libertad de la ?carta blanca? y ensalzar las obligaciones.

    16. Expresarse pase lo que pase. Rechazar las excusas.

    17. Sacar a los objetos de su función. Cambiar de escala.

    18. Aceptar lo inesperado, lo imprevisible.

    19. Arriesgarse siempre.

    20. Aprender a vivir la soledad. ¿La libertad?

    21. Ir más allá de los límites. El muro? el mar.

     

    Si quieres seguir descubriendo el particular manifiesto creativo de Franc’Pairon, puedes seguir la lectura de este texto en Cuadernos de Diseño 4: Diseño de procesos.

     

    Franc?Pairon

    Fundó en 1986 el Atelier de La Cambre-Mode en Bruselas, y en 1999 creó el Master en Diseño de Moda y Accesorios del Instituto Francés de la Moda. Innovar, experimentar y dar energía son sus consignas; además, garantiza la transmisión de nuevas ideas con los profesionales a través de las salas de audiovisuales Decosit e Indigo. Como parte de sus funciones en el IFM, en 2004 y 2005 estableció talleres creativos en Vietnam con el apoyo de la Embajada de Francia, participando también en el diseño de un programa de construcción en Tailandia con el FIT de Nueva York y Polimoda en Italia. Invitada como jurado en numerosos concursos internacionales, ha sido examinadora externa en la Central St Martins de Londres.

     

    Más información en Editorial IED Madrid


     

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    La ocupación del límite

    Posted: 21-July-2014, 2:57am EDT by Pedro Medina

    Vídeo del proyecto realizado por el Máster de Escenografía del IED Madrid en el Espacio Trapézio, donde se reflexiona poéticamente sobre la idea de frontera.

    En Estudios de historia del pensamiento científico Alexander Koyré confesaba: “En la palabra poética el hombre se hace cargo de la experiencia fronteriza de la existencia. Lo real no es sino el residuo de lo posible”. No es ahora la palabra poética la que cobra forma, pero sí la sugerente palabra “límite” y la necesidad de pensar lo posible frente a la realidad que nos ha tocado vivir. Este espíritu está en la base de este proyecto, que pretende encontrar otras formas de comunicar cuestiones decisivas hoy, buscando no en la palabra sino en un lenguaje instalativo “una representación poética de lo que significan las fronteras” -como explica la profesora que ha dirigido el proyecto, Andrea Santamarina.

    Siempre es básico analizar el contexto sobre el que actuar, en este caso el espacio Trapézio, que en sus pocos años de vida tiene ya un destacado elenco de proyectos que se han enfrentado valiente y experimentalmente al entorno inmediato, cuestionando crítica y constructivamente nuestro presente. Siendo así, y partiendo de un grupo de estudiantes mayoritariamente extranjero, parece más que pertinente pararse a pensar un concepto como el de “frontera” en este espacio arquitectónico concreto, optando por una solución expositiva orientada a establecer con el espectador una relación más emocional que narrativa acerca de una condición que a todos nos afecta.

    Como de costumbre, este proyecto es concebido con el objetivo de generar una práctica completa para el estudiante, pasando del papel al espacio real, experiencia que es posible gracias a la colaboración con instituciones como el Espacio Trapézio y con empresas como FINSA. Soluciones en madera y Tableros Martínez, a los que agradecemos que hayan hecho posible este proyecto tan enriquecedor para nuestro alumnado.

    Proyecto coordinado por Saskia Bostelmann del IED Madrid y Miriam Estrada del Espacio Trapézio.

     

  • Permalink for 'ROOM Design Magazine'

    ROOM Design Magazine

    Posted: 15-July-2014, 2:51am EDT by Pedro Medina

    No son pocas las revistas que se han pasado al mundo digital, sobre todo en el ámbito del diseño y la arquitectura. Aparece ahora ROOM Design Magazine para iPad.

    En efecto, sobre todo en el mundo de la arquitectura, dentro del que tiene cada vez más presencia el universo del diseño (especialmente el de producto e interiores), ha habido una revolución digital, como en todo el panorama editorial. Aun así, es cierto que muchos de estos tránsitos al mundo digital no lo son tanto, intentando mantener una composición gráfica, contenidos y modelo de negocio muy similares a los que ya tenían en papel, como si lo único que interesara es su potencial de distribución y reducción de costes. No obstante, cada vez es más frecuente descubrir revistas más cuidadas gráficamente, que sí hacen uso de los recursos expresivos y sociales específicos del nuevo medio.

    Por citar algunos ejemplos, merece la pena bajar las cuidadas aplicaciones y los números de The Plan, Domus o las distintas publicaciones de arquitectura de Edition29, mientras sabemos que otras revistas clásicas están preparando su salto digital, como es el caso de Il Giornale dell’Architettura, y otras que han sido durante mucho tiempo publicaciones de referencia, como Volume, aún se resisten a ir más allá de la web y no prueban aún a tener su versión para tableta.

    La última que ha dado el paso es ROOM Design Magazine, que combina clásicos del diseño, la arquitectura y la creación contemporánea, como James Turrell, con novedades en estos ámbitos, como el reportaje sobre el Museo Marítimo de Dinamarca. De hecho, la arquitectura es su centro, dando también bastante protagonismo al interiorismo como campo específico y no supeditado a la arquitectura, y a otras formas del diseño, sobre todo de producto, pero sin olvidar la ilustración y el diseño de moda.

    Como ocurre con tantas revistas que tardan en salir, hay algunos temas que quedan un poco desfasados, como hablar ahora del pasado ARCO, celebrado en febrero, pero en general son contenidos de bastante calidad y vigencia, que hacen un uso pertinente y eficaz de los elementos “hipermedia” para transmitir mejor los contenidos, como se disfruta en artículos como el presente sobre Ryochi Kurokawa. A destacar, otros muchos, como la entrevista al diseñador de producto Arik Levy o el citado museo a cargo del omnipresente Bjarke Ingels.

    Este primer número es de descarga gratuita y prometen que pronto estará también disponible para Android. Seguiremos atentos a su evolución y esperamos que disfrutéis de estas publicaciones.

  • Permalink for 'Entre el objeto y la imagen'

    Entre el objeto y la imagen

    Posted: 13-July-2014, 3:38am EDT by Pedro Medina

    El ciclo Encuentros a conciencia de la Fundación Canal contará el 14 de julio de 2014 con la presencia de dos figuras tan destacadas del panorama artístico internacional como Daniel Canogar y Antoni Muntadas.

    Estos dos artistas, conocidos por su carácter experimental y analítico sobre el actual estatus de la imagen y su valor social, así como instalaciones que reflexionan sobre la recepción de la imagen y su uso en los medios de comunicación, ofrecen una extraordinaria ocasión para pensar las formas de un encuentro, el del objeto y la imagen en la actualidad.

    María Pallier, directora del programa Metrópolis, será la encargada de presentar y conducir este encuentro.

    Este evento se halla dentro de las actividades en torno a la exposición Metrópolis, 30 años de vanguardia.

    Aforo limitado. Es necesario confirmar la presencia al 915451507 o a aconciencia@fundacioncanal.es

    Horario: 14 de julio de 2014 | 19:30
    Lugar: Mateo Inurria, 2
    28036 Madrid
    fundacioncanal.com

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