Asi se fundo Carnaby Street (10 unread)

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  scott schuman, la moda contra el estilo

  Posted: 7-February-2012, 4:35pm CET by Javier

  
  
  Para todos aquellos que puedan estar interesados en temas realcionados con la moda, el estilo y el coolhunter, he traducido al castellano la entrevista que Another Mag hizo a Scott Schuman, editor del blog The Sartorialist. Entrevista publicada en versión original el 30 de enero, 2012. La entrevista complementa algunos post publicados en Así se fundó Carnaby Street: Del coolhunter on-line y otras derivaciones fotográficas (I), Del coolhunter online y otras derivaciones fotográficas (II), Estilo, El estilo como manufactura y otras tantas que pueden localizarse en el interior del blog. En cualquier caso, la visión de Schuman supone una perspectiva interesante en la que reseña la diferencia entre moda y estilo.
  
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  Scott Schuman es el fundador y editor de blog de moda The Sartorialist, creado en 2005. Ha logrado una considerable influencia con sus fotografías realizadas en las calles. Una selección de su trabajo fotográfico ha sido editado en formato libro por Penguin, en 2009. Aparte de su trabajo para The Sartorialist, Schuman ha contribuido en campañas publicitarias de marcas como Burberry y Gap.
  
  ¿Cómo conectarías moda y elegancia?La elegancia es una cierta gracia. Doré Garance y yo estuvimos hace poco hablando de las personas más elegantes que hemos conocido y ella mencionó un par de nombres. Le dije: "Sabes, es interesante. Yo sabía que de todas esas personas, pero no sé si podemos llamar a todos ellas gente con estilo". Lo que todas ellas tenían en común era sus buenos modales. Eran muy gentiles, muy bien educadas, gente cortés. Muchas de estas cosas son lo que la mayoría de la gente entiende por elegancia. La elegancia, en realidad, se expresa a través de las acciones propias.
  
  ¿Cuál es el papel de la historia y la historia del arte en tu concepción de la moda?¿No fue Chanel quien dijo una vez "las personas que desconocen la historia están condenados a repetirla"? Me encanta la historia del vestido y la historia de la moda. Es fascinante, especialmente para alguien como yo, que hace un blog. Tiene tal interacción con una audiencia más amplia, no necesariamente lectora de revistas de moda. Mis fotografías dicen algo sobre el estilo y la moda. Pero también son sólo retratos, buenas fotografías. Mucha gente dirá "es una locura, nadie podría vestirse así fuera de Nueva York". Pero la gente se vestía así en el Renacimiento. Se puede apreciar a través de la historia de la moda. Eso nos proporciona un contexto.
  
  ¿Podría describirse la moda como un lenguaje y un discurso, tal como Barthes hizo?Ahora, más que nunca, la moda se está convirtiendo en conversaciones. Antes, se expresaba principalmente a través de las revistas de moda y la fotografía. Ahora, con Internet, una fotografía de moda publicada en mi blog, o en cualquier otro blog, puede ser comentada por cualquier persona. Se crea una conversación en dos direcciones, sobre el estilo y sobre la moda, mucho más abierta que nunca.
  
  El término "intelectual" fue acuñado en un momento de grandes dificultades políticas. ¿Tiene la moda un papel político? En qué sentido?Quizá no tanto la moda como el estilo: tiene un papel político en el sentido de que las implicaciones sociales van en consonancia con la forma de vestir. Ningún candidato político se vestiría en Rick Owens. Para la mayoría de la gente eso no significa ?poder político y estabilidad?. Ellos se visten en el armario que dice ?poder político, estabilidad política?. Esas personas no están expresando quienes son a través de la moda. En realidad se ocultan bajo la idea de lo que el poder político debería parecer.
  
  
  
  
  ¿Cómo relacionas el concepto de moda con el de estilo?He pensado mucho sobre esto. La moda y el estilo son como las ruedas de un reloj. La moda funciona con mayor rapidez. Y como en un reloj, la rueda más pequeña hace el trabajo más grande. Así que mucha gente le gusta decir "el estilo es eterno, pero la moda es temporal". Lo que tienes que hacer es repasar la historia de la moda y ver que, incluso en ropa de hombre, una chaqueta azul marino de 1970 se ve totalmente diferente de una chaqueta azul marino de 2010. Aunque la mayoría de la gente dice que la moda va cada vez más rápido, mi libro de hace tres años, que continúa vendiéndose muy bien, todavía inspira a la gente. Ciclo de la moda puede haber girado, pero la forma en que la gente quiere cambiar su aspecto no.
  
  ¿Qué tienen que ver la moda con lo intelectual?Para mí la cuestión debería estar más centrada en el estilo que en la moda. La moda no tiene nada que ver con lo intelectual, a menos que seas diseñador y tengas la capacidad para combinar elementos de inspiración distintos. Alguien como Dries van Noten realmente congenia ideas separadas de diferentes culturas, diferentes conceptos. El estilo está más directamente relacionado con el intelecto: todo el mundo utiliza su estilo para encajar en el grupo social del que quiere formar parte. Nadie viste diferente de lo que quiere ser. Cuando los chicos llevan atuendo deportivo quieren parecerse al típico chico, no quieren expresar las mismas cosas que cuando llevan chaqueta y corbata. Las expectativas son diferentes. El estilo es diferente. Ellos usan su intelecto para encontrar la manera de encajar.
  
  Tomas fotografías de gente en la calle. ¿Cuál es la razón que te impulsa a hacerlo así?Hay dos partes. En primer lugar, como me encanta la moda, las revistas de moda, los desfiles, salir a la calle no trataba de reemplazar a las revistas y las pasarelas, era más un complemento. El libro llega en algún punto entre los desfiles y lo que está en la calle. Es fácil para mí encontrar revistas y desfiles que me gusten, pero muy difícil encontrar en la calle instantáneas inspiradoras. Así que lo hice yo mismo. Y cuando empecé la gente pesaba que ?en la calle? significaba los looks más extravagantes, gente con mohawks, etc. Yo no me visto alocadamente, sólo un poco mejor que la media. De tal forma que decidí fotografiar a aquella gente que era mucho más sutil en su estilo, igual de fuerte, igual de bueno, pero más sutil. Y al mismo tiempo yo estaba enamorado de la fotografía. Mi padre era fotógrafo, productor, y él trabajaba en un estudio. Pero a mi me encanta la espontaneidad de una instantánea en la calle, el desafío que supone utilizar ese contexto.
  
  El impacto de los blogs y la importancia de la fotografía de calle parece indicar que la moda se está convirtiendo de alguna manera en algo democrático. ¿Crees que es así? El medio es ahora tan económico: es tan barato hacer una revista, tomar fotografías. Eso significa que más gente puede producir, que existen más opciones. Se puede elegir a quién quieres escuchar. No creo que el auge de Internet haya hecho daño a Condé Nast, pero ahora, en lugar de tres voces en la moda, es como la televisión: están las grandes ?majors?, y muchos otros canales para elegir. La gente quiere un canal internacional, como una revista de Vogue o Harper?s Bazaar, y algo local vinculado a lo que la gente es. Hay más de eso, y la gente puede elegir. La gente quier algo bueno.

  
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  antoni tapies (1923-2012)

  Posted: 6-February-2012, 9:27am CET by Javier

  
  Pintura. Nº XXXV, 1956
  
  Podemos explicar al hombre. No la obra. La obra la explica el tiempo. Pero en el caso de Tapies su recorrido artístico ensancha y condensa la línea del tiempo hasta hacer del propio lienzo el primer y último lugar donde uno quisiera vivir.

  
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  reivindicacion de rafael sanz lobato

  Posted: 4-February-2012, 10:49am CET by Javier

  
  
  
  En Así se fundó Carnaby Street no es costumbre copiar articulos ajenos, pero en esta ocasión me parecía importante contribuir con un post a la reivindicación del fotógrafo español Rafael Sanz Lobato. La cuestión es que en demasiadas ocasiones caemos en la tiranía de la inmediatez y perdemos el hilo de aquellos nombres propios que hicieron una contribución brillante y relevante en su disciplina o campo de creación. La fotografía documental, antropológica, debe mucho a Sanz Lobato, que dedicó parte de su vida a realizar no sólo un registro visual de la España rural, sino la radiografía de un mundo en transformación, una cultura, un marco social. Angeles García publica en El País un articulo sobre Sanz Lobato que le coloca en su justo lugar, en las alturas del arte forográfico. Si vivimos un tiempo en que la inmediatez y el inmenso caudal de información y contenidos terminan por borrar las fuentes, es justo que hagamos el ejercicio de volver atrás, recapacitar el lugar donde empieza todo, revisar las vías que han hecho que al arte fotográfico (en este caso) obtenga un beneficio estético concreto.
  
  Artista casi legendario entre la gran familia de los fotógrafos españoles, creador semiclandestino por culpa de mil y un avatares, Rafael Sanz Lobato (Sevilla, 1932) acepta salir de un ostracismo de años solo rasgado por el Premio Nacional que le fue concedido el año pasado ?por su forma de contar la trasformación del mundo rural tradicional y su influencia en el fotoperiodismo contemporáneo?, según razonó entonces el jurado. Cristina García Rodero le reconoce como uno de sus grandes maestros. Él no duda en asegurar que ella es la mejor fotógrafa española del siglo XX. Pero mientras que la obra de García Rodero ha sido justamente reconocida y aplaudida, la suya ha sufrido un castigo de oscuridad tan severo como injusto.
  
  Sanz Lobato vive solo en un tercer piso sin ascensor, lleno de goteras, del centro de Madrid. Es el mismo que ha ocupado durante las últimas décadas y en el que mantiene el estudio en el que ha retratado a una buena parte de la clase política española para lo que él llama sus trabajos de supervivencia. Con los dos ojos afectados por una enfermedad degenerativa, el fotógrafo se ayuda de unas potentes lupas y de un aparato instalado por la ONCE para leer y distinguir detalles de algunos de sus trabajos. Las paredes de su casa estás llenas de esas series realizadas a lo largo de su vida y que en muy contadas ocasiones han sido expuestas: la Semana Santa en Bercianos de Aliste, las viejas de las Hurdes, los toreros y los maletillas o las series más recientes, inspiradas en Man Ray o Morandi.
  
  
  
  
  En ese ambiente de aislamiento profesional, que no personal, Rafael Sanz Lobato, republicano de izquierdas y sin pelos en la lengua, reflexiona sobre el olvido y relegamiento que su obra ha sufrido a lo largo de décadas. Mientras habla, con música barroca de fondo, fuma un cigarrillo tras otro de tabaco de pipa. ?Moriré con un porrito de estos en la boca y tras haber cenado un buen plato de judías del Barco. Así me gustaría acabar?, dice.Sin temor a exagerar, puede decirse que su obra se ha movido casi en las sombras de la clandestinidad. ?Las causas son muchas?, explica. ?En el fondo hay una sucesión de historias, todas desafortunadas. Mi primer conflicto fue en Arte Fotográfico, la revista que dirigió la vida de la fotografía española hasta 1980, único reducto para ver otro tipo de fotografía. En ella mandaba la Real Sociedad Fotográfica de Madrid, en la que entré en los 1962 y no tuve más que desencuentros con personajillos como Gerardo Vielba [presidente de la Real Sociedad Fotográfica desde 1964 hasta 1992], que me vetó una y otra vez. La fotografía española ha estado siempre dejada de la mano de los dioses. Luego, en los 80 surgieron otros centros para ver fotografía creativa.
  
  Seguir leyendo el artículo en El Pais

  
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  subvirtiendo al pato donald

  Posted: 31-January-2012, 11:00am CET by Javier

  
  
  Ultimamente, ante el repaso de algunos cómics del underground primigenio español, aquellos que caían del lado de los Tebeos del Rollo, El carajillo Vacilón, El Sidecar, A la Calle, y otros como Nasti de Plasti o las diferentes entregas de Rock Comix, llego a la conjetura de que el cómic español no habría sido nada sin ellos, o sea, sin Max, Montesol, los Hermanos Farriol, Nazario, Mariscal, aquellos que comandaron El Rrollo Enmascarado allá por el año 73. Y llego por esa vereda hasta la revista que editó Producciones Editoriales después de la disolución de Star: Bésame Mucho, también dirigida por Juan José Fernández. Es más que probable que esta revista todavía no haya sido suficientemente ponderada en el entramado del comix español, quizá porque la importancia de El Víbora desde su mismo nacimiento, en 1979, eclipsaría a muchas otras que intentaron proseguir esa misma vía de continuidad, la del improperio transgresor por la línea chunga.
  
  Lo que sigue son cuatro portadas de Bésame Mucho en las que (estamos en los primeros trazos de los años 80) se procede a una capitalización de algunos personajes emblemáticos del cómic internacional por medio de aquellos temas que habían sido recurrentes en el underground de mediados de los 70, el sexo y la droga, una subversión del aparato iconográfico infantil trasladado a la lectura irrevente de aquello que se llamó cómic para adultos. Quién podría imaginarse a Tintín follándose a una muñeca hinchable, a Olivia y Popeye dejándose arrastrar por sus más oscuros deseo sadomasoquistas... Bien pudiera ser que el Pato Donald hubiera encontrado su verdadero lema vital entre las filas marginales y gregarias de Makoki, pero lo que se trasluce es el estado de rebeldía contra el aparato de consumo masificado. Si la Castafiori decide enseñar las tetas, por qué no decir también que la sociedad española, a expensas de una corriente subterránea, iba a dar todavía con los signos de otros cambios más profundos. Esa misma sensación ya se había vivido en las Ramblas barcelonesas cuando Ocaña y Nazario, personajes fundamentales para entender las filias y fobias del periodo de la Trasición Democrática, salen de paseo, travestidos, para devolver a la luz de la calle lo que había permanecido oculto durante 40 años. Esas portadas de Bésame Mucho, arriesgadas en el mismo grado que otras tantas que habían supuesto el cierre temporal para la revista Star, también suponen la práctica de una provocación. Y si se quiere, de pervertir los términos de la cultura de masas.

  
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  la vanguardia es el mercado

  Posted: 23-January-2012, 9:55pm CET by Javier

  
  Miquel Barceló, Mapa de carne, 1982
  
  Breve extracto de La Luna de Madrid: la expresión periodística de la movida madrileña y la formación iconográfica del cambio cultural a principios de los años 80. Ese texto, compuesto por 171 folios y un apéndice visual, es la base de un ensayo más amplio sobre el que estoy trabajando en la actualidad.
  
  Miquel Barceló, otra de las figuras-emblema de La Luna de Madrid, rápidamente desvinculado del contexto de la movida madrileña por su expansión en los circuitos de arte internacional, será el paradigma de lo que otros muchos deseaban alcanzar rebasado el primer momento, entre 1978 y 1982, cuando aún se actuaba, si no desde el underground, al menos bajo unos parámetros poco desarrollados y espontáneos. O por decirlo de otro modo, la orientación social y cultural de la movida hizo pensar que en algún momento podría efectuarse su internacionalización, es decir, su prolongación publicitaria y mercantil en espacios internacionales, discurso que en parte fue promovido por Paloma Chamorro en La Edad de Oro. La Luna de Madrid, en ese sentido, estaba más centrado en la ubicación de Madrid como espacio creativo sin renunciar, por supuesto, a cierta solvencia en el mercado. La figura de Barceló viene a cumplir esa expectativa cuando en el número de diciembre de 1984 (No. 13), a propósito de una serie de artículos referidos al arte y a su obra, Paco morales titula uno de ellos ?La vanguardia es el mercado?, con una fotografía del pintor ilustrando el fondo:
  
  Hoy el arte es un cocktail que combina con habilidad un poco de esto y un poco de lo otro, apurando el matiz hasta el manierismo, haciendo mundos del más leve descubrimiento. Blend Art. Arte de la mezcla. Sin embargo parece gozar de buena salud, e incidir en capas cada vez más amplias de la sociedad. Los pintores se consagran muy jóvenes...
  
  
  Mique Barceló, Giorgione a Felanitx, 1984
  
  Efectivamente, la crisis de las vanguardias puesta en la palestra desde mediados de los 70 y el regreso a lo pictórico, a lo figurativo, permite reestablecer la base sobre la que el arte podría encontrar su mercado. Miquel Barceló vendría a representar esa vanguardia en la medida en que su introducción en el mercado a un nivel nunca conseguido por un pintor joven se hace factible. Desde el contexto específico de la movida, en 1984 ya se piensa en términos de mercado, lo que no había sucedido con anterioridad, al menos no de un modo tan rotundo al promulgar esa identificación entre vanguardia y mercado. Las claves que Paco Morales expone como fórmula irrefutable dejan de estar únicamente en los elementos estrictamente artísticos, se incorpora la necesidad de un comercio estable:
  
  El comercio del arte se apoya en las posibilidades de la información, teje sus conexiones a través de los contactos con museos, instituciones y coleccionismo de élite. Incide en la crítica y se va atreviendo paulatinamente con la publicidad directa fuera de los canales minoritarios de los medios especializados. Ha llegado a convertirse en la bisagra cada día más engrasada y eficaz que articula la obra de un artista con el público.
  
  
  Miquel Barceló, Big Spanish Dinner, 1985
  
  El ascenso de Barceló desde principios de los 80 (con su aparición en la Documenta de kassel, 1982) deja patente que la segunda generación de pintores figurativos iba a imponerse como modelo triunfante en el interior al sintonizar con las corrientes europeas. La Luna de Madrid apuesta por la pintura figurativa. Uno de sus máximos emblemas había aparecido en el primer número de la revista, Guillermo Pérez Villalta, un pintor de enorme calidad y prestigio que podría ser considerado como el pintor-bisagra entre la generación de los 70 y aquella que empieza a establecerse en los 80. Otros pintores serán visualizados en La Luna de Madrid dentro de las ofertas de lo figurativo: Carlos Alcolea, Miguel Mansanet o Costus (Enrique Naya y Juan Carrero), aún teniendo bagajes pictóricos distintos, viven también la experiencia de la figuración como un signo de los tiempos, al igual que lo harán otros creadores que procedían del ámbito del cómic y terminarán haciendo pintura (Ceesepe, Moncho Algora, Mariscal, El Hortelano, Javier de Juan, Ana Juan, etc.). A través de la nueva figuración madrileña surgida a mediados de los 70 se produce en los 80 un encuentro de trayectorias dispares, de ámbitos de creación diferentes que confluyen sin esa necesidad urgente de delimitar con exactitud donde empieza la pintura y dónde la ilustración. No obstante, en este punto, resulta apropiado señalar que un pintor como Miguel Mansanet cuestionaría el crédito de pintor a artistas como Ceesepe o El Hortelano, siendo de la misma generación. Esa cuestión se dio, desde luego, en el campo del arte, pero no en el contexto de la movida madrileña. De hecho, Ceesepe tardaría en ser aceptado como pintor una vez diluido el contexto.
  
  (Citas: Paco Morales, ?La vanguardia es el mercado", La Luna de Madrid, No. 13, diciembre 1984)

  
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  think small 1959

  Posted: 21-January-2012, 8:49pm CET by Javier

  
  
  La campaña de Volkswagen para desacreditar a los tres grandes (Ford, Chrysler y General Motors) que hizo Doyle Dabe Bernbach (DDB) empezó en 1959, pinchando el mítico globo de los coches norteamericanos el mismo año en que los coches de GM presumían de sus alerones más ostentosos. Como han observado miles de redactores publicitarios a lo largo de los años, los anuncios de DDB desafiaban las convenciones de la publicidad automovilística de los años cincuenta prácticamente de todas las formas posibles. Mientras los fabricantes de automóviles estadounidenses retocaban las imágenes para alargar los coches, DDB reducía fotográficamente el Volkswagen.
  
  Los primeros anuncios se hicieron en blanco y negro, y eran de un minimalismo extraordinario: los coches aparecían sobre un fondo monótono, sin transeúntes ni pasajeros; el texto se limitaba a ocupar tres pequeñas líneas la parte inferior de la página. Siempre se construían a partir de un juego de palabras o una broma, algo sumamente insólito en aquel momento, sobre todo porque el juego de palabras o las bromas parecían que se mofaban de la forma característica del coche, del hecho que no tuviera alerones, de que le faltara atractivo o de que sólo estuviera ligeramente cromado, todo lo cual lo convertía e un coche feo. En lugar de buscar el impacto con una fotografía en technicolor, el material gráfico de la campaña de Volkswagen cometió extrañas herejías, como incluir una minúscula fotografía en la esquina superior izquierda de una página prácticamente en blanco.
  
  Dejando aparte el grafismo distintivo de estos anuncios de Volkswagen, el rasgo que más comentarios suscitaba era la honestidad del texto, y ciertamente, vista en su contexto (la publicidad tradicional de los años cincuenta), constituye su característica más sorprendente. Atrás quedó la cháchara insustancial con la que los norteamericanos habían aprendido a identificar la publicidad; atrás quedaron los típicos neologismos de moda, las fotografías excesivamente retocadas y los dibujos idealistas. Su lugar lo ocupó un discurso de otro tono, sencillo, sin adornos, sin fotografías a color ni bonitos topos de letras. Pero lo que realmente distinguía a aquellos anuncios de Volkswagen era la manera en que se dirigían al público. El estilo publicitario de los cincuenta había mostrado un profundo menosprecio hacia la inteligencia del consumidor, que era consciente de ello. Tras la publicación de The Hucksters y Las formas ocultas de la propaganda, de varios escándalos en concursos televisivos y de las diferentes demandas por publicidad fraudulenta presentadas en la Comisión de Comercio Federal, el escepticismo del consumidor hacia la publicidad alcanzó las más altas cotas de la historia. La genialidad de la campaña de Volkswagen, como la de muchas otras firmadas por BBD, fue que supieron aprovecharse de este escepticismo y lo integraron en el discurso de sus anuncios. Estos trataban a los consumidores como a unos seres inteligentes, capaces de ver más allá de toda la palabrería que emanaba de Madison Avenue.
  
  Ahora bien, el rasgo más destacado de aquellos anuncios de Volkswagen (y que puede encontrarse en toda la obra de DDB) fue su conciencia y su profunda comprensión de la crítica de la sociedad de masas. Se diría que los autores de los anuncios de DDB habían leído títulos como Las formas ocultas de la propaganda, Los artífices del derroche y The insolent chariots. Aún más, como si estuvieran decididos a hacer esa clase de discurso, pues se burlaban co sarcasmo de los monstruos cromados de Detroit y vendían los Volkswagen como símbolos de desmarque de las costumbres de una sociedad cuyos emplemas eran los alerones de los coches y las urbanizaciones de casas con garaje para dos plazas.
  
  (Fragmento de Thomas Frank, La conquista de lo cool. El negocio de la cultura y la contracultura y el nacimiento del consumismo moderno, 1997, edición española 2011)

  
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  kribi heral, mas allá del pop (beyond-pop)

  Posted: 31-December-2011, 5:02pm CET by Javier

  
  Clonic nanotech machine, 2009
  
  Entrevista realizada por José Luis Micó "Lou" para la revista cultural 200 días en Sing-Sing. Lou, amigo personal y gran conocedor de la obra de Kribi Heral, se adentra en el mundo de un artista que ha reinventado la plástica del pop.
  
  Cualquier atisbo de enraizar plástica y cultura pop inmediatamente es incluida en el séquito del Pop-Art. Esta idea, tan extraña al paraíso, ha triunfado bajo el método de la divulgación, mientras Andy Warhol vendría a colocarse como el paradigma de todas las superficies. Sin embargo, el abastecimiento de la iconografía popular no pasa unicamente por el filtro-Warhol. Otras materias son susceptibles de embadurnar esa mitología, lo mismo que el factor irónico no ha dejado de estar presente en la intentona de distanciarse precisamente de la sombra del pop-art. Kribi Heral, pintor de sustancia y formas aparentemente vinculadas a esa tradición, se revuelve contra esos conceptos. Asimila la técnica para sobrepasar las limitaciones conceptuales del pop hasta convertir su arte en materia interpretable desde el umbral de sus posibles significados
  
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  Kribi Heral ha sido clasificado en algunas ocasiones como un artista pop.Hay veces que los críticos hablan de mi obra como pop. Esto produce en mí, como acto reflejo, una reacción contraria de posicionamiento anti pop. Pero en cierto modo es comprensible porque hay matices , que yo llamo accidentales debido a la utilización de ciertos materiales, tintas planas o la serigrafía, que es una técnica muy asimilada por el pop, pero también utilizo algo tan poco pop como son las texturas densas, oscuras y abruptas que son la antítesis y rompen con el pop y curiosamente nadie habla de expresionismo o de Kandinsky, que realmente es lo que a mí me enchufa desde el principio.
  
  
  Paseo por el bosque, 2009
  
  ¿Y cuando fue el principio?A los doce años tuve mi primera conciencia del arte. Aún conservo el bloc de dibujo de entonces. Años más tarde, una frase de Arnold Schoenberg , que era un músico en la órbita de los expresionistas del Jinete Azul, decia ?El arte nace por necesidad? (por cierto, también fue autodidacta). Entonces me dí cuenta que esto era lo mío. Yo creo que el arte tiene que ser reflejo de su momento. El pop-art es de hace 40 o 50 años, inevitablemente ahora estamos en otra cosa. Me gustaria que la gente encontrara otra manera de definir esto.
  
  Definir toda una obra requiere una vida entera.La base de mi trabajo siempre ha sido la experimentación a todos los niveles y sobre todo desde un posicionamiento más vital que teórico. Sin embargo, en estos momentos en mi trabajo, el marco teórico es igual de importante que el formal y esta basado en las nuevas tecnologías, en la nanotecnología y los avances científicos, es algo que ha calado en mi de manera importante. Hay cosas increibles, esta vertiente de la ciencia aporta posibilidades realmente inimaginables y abren un campo inmenso que me parece realmente apasionante. Es cierto que la tecnología es lo mejor que ha pensado la mente humana y creo que en el futuro puede dar la verdadera libertad al ser humano o quizas al ?post-humano? , no sabria decirte si en cientos o miles de años en este caso el tiempo es un parametro imprevisible, pues en los últimos 30 años, quizás se haya avanzado más que en los últimos 300, por decirte algo,y en los próximos 10 quien sabe.
  
  
  
  Equilibrio, 2008 / El último árbol, 2008
  
  ¿Como se concreta todo esto?En 2004 empecé ha trabajar con termografías, y poco a poco he ido interesandome y trabajando con material de investigación científica, desarrollando dibujos celulares y estructuras ensambladas con las que intento reconstruir una nueva vision del ?cuerpo humano?. En base a los avances de la nanotecnología, me permito plantear la siguiente hipótesis: ?Si una nanomaquina se puede introducir en un vaso sanguíneo para tratar una célula dañada mi planteamiento es que en un futuro se podran manipular y transformar las células, si esto se aplica simultaneamente con todas las células de nuestro cuerpo, obviamente nuestro aspecto general se transformaria a nuestro antojo?. Bueno, esto puede parecer una ida de olla, pero el trasfondo de esto es que los avances tecnológicos están dando visos de que la evolución del ser humano puede que ya no sea biológica, o que pueda romper los cánones de la naturaleza, trascender de nuestro cuerpo. Hay teorías incluso donde entra el concepto de Dios. Es un mundo fascinante aunque la iglesia y la moral digan que el hombre no debe entrar ahíla religión es como una opresora de la inteligencia, sobre todo porque se basa en el poder. Es castraste.Yo creo en eso de que, el futuro del ser humano pasa por la superación de nuestro propio cuerpo físico, entre otras cosas porque la tierra tiene fecha de caducidad, y con este cuerpo no salimos, cuando esto suceda la tierra no existirá pero tendremos la capacidad de la virtualidad o algo que será parecido. Por eso recreo en mis cuadros, paisajes, bosques y campos, que en realidad son espacios virtuales, arqueología nostálgica. Al fin y al cabo, la naturaleza es lo mejor que tenemos. Por muy urbanita que se sea siempre hay un momento en el que uno disfruta de la naturaleza.
  
  En tus polípticos aparecen textos ilegibles, con números y consonantes, figuras humanas combinadas con otras más abstractas, objetos y naturaleza.Estos textos los trato como objetos estéticos, me agradan y me parecen bonitos y sobre todo me seduce el hecho de pervertir el lenguaje sin que pierda el poder de comunicación, en este caso comunican sensaciones, que en realidad es el proceso estético, en esto sobrevuela la idea de ?el signo como intermediario entre la imagen y el concepto? de Levi-strauss. Por otra parte, en los polípticos trato de aglutinar la visión de una sociedad diversa y caleidoscópica, donde la sobreinformación se acumula en un ente de archivos, redes y conexiones, creando un coctel heterogéneo. Por otra parte siempre he tenido en cuenta la fluctuación como algo intrínseco del ser humano, nuestro modo de ver y de sentir cambia constantemente con mayor o menor intensidad, pero se produce.
  
  
  In the garden, 2009
  
  ¿Se puede ser coherente en un tiempo tan cambiante?Hay muchos artistas que cogen una línea y tiran por ahí, algo que respeto totalmente y creo que tiene su importancia. En mi caso, la constante es el material, lo demás fluctúa entre lo figurativo, lo abstracto. Intento no ponerme ninguna cortapisa cuando pinto. Para mi es muy importante ese concepto de libertad cuando trabajo. Estoy seguro que si hubiera hecho bellas artes no hubiera llegado a esto. A mi no me gusta estudiar, a mí me gusta experimentar. He aprendido más cuando dejé de estudiar, que estudiando. Cuando llegas al mundo, te dicen que tienes que estudiar y trabajar, cuando lo que deberian decirnos es ser felíces por encima de todo, aunque sea trabajando.
  
  Tu estudio a lo mejor refleja esta sensación, pero también un ambiente de trabajo.Al mundo no has venido para trabajar, hemos venido para ser lo más felices posible: vamos a serlo! Intentemos vivir bien, sufrir lo menos posible: nos han dicho que trabajando y subordinándonos a los demás, vamos a encontrar la felicidad , y está claro que no. Trabajar si, pero por placer. Estos cuadros llevan muchas horas, paso realmente jornadas largas en el estudio pero cuando estás a gusto la sensación de esfuerzo se diluye. Me encanta no estar pendiente del tiempo. El sistema te marca las pautas. Por eso creo que cada uno tiene que plantearse la vida como individuo y adaptarse al contexto en el que vive, pero siempre desde un punto de vista individual. Esto no quiere decir desde un punto de vista egoísta. Si tú no sabes lo que puedes dar, hasta dónde y cómo.
  
  
  What and What, 2008
  
  ¿Tu crees que la gente es siquiera consciente de eso?¿Tú sabes cual es el problema de la sociedad? El miedo. Todos acojonaos. El miedo es la base del control, te lo meten desde pequeño, te hace seguir los cauces de otros. Entonces ahí no te puedes reconocer como tú mismo, siempre estás pendiente de una visión del bien y del mal que en realidad no es la tuya y tú no eres un criminal. A priori, esto chirría.
  
  ¿Y Cómo se vence el miedo?Lo vences tú.

  
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  samsung galaxy note, ¿hacia una nueva categoría?

  Posted: 30-December-2011, 10:30pm CET by Javier

  
  

  
  
  

  Desde el lanzamiento del iPad en 2010, la industria de dispositivos digitales ha estado intentando readaptarse a las nuevas formas de consumo, y, por tanto, reinventarse a marchas forzadas en base a las expectativas creadas por Apple en el universo de las tablets. Para llegar al nuevo dispositivo de Samsung, Galaxy Note, hay que reparar primero en la convulsión producida por el iPad y su forma de construir una nueva categoría. En una primera fase, Apple ha producido dos efectos complementarios: 1) el iPad restituye la relevancia de las tablets, y 2) crea un espacio de mercado entre el smartphone y el netbook. En una segunda fase el iPad se convierte en un competidor privilegiado de dispositivos como el e-reader, el DVD portatil, el iPod Touch, etc., provocando un desplazamiento del netbook hacia un mercado residual. Ese contexto también podría explicar la canibalización paulatina de algunos dispositivos, pero la cuestión de fondo siempre tiene más de una respuesta: la dinámica del mercado intenta reflejar los cambios en las motivaciones del usuario.

  Esa dinámica nos dice que la tendencia mayoritaria se ha resituado en la centralización de todas las actividades digitales en un unico dispositivo y en una experiencia integral de uso basada en la ubicuidad. Ante ese nuevo escenario, Samsung ha diseñado un dispositivo que intenta sintetizar el comportamiento del usuario (y sus necesidades adquiridas en los últimos años) reuniendo en un único dispositivo los beneficios y funciones que anteriormente permanecían dispersos en diferentes aparatos móviles. Quizá sea pronto para concretar si el Galaxy Note argumenta la construcción de una nueva subcategoría digital, sin embargo todo apunta a que el foco de su dinámica podría situarse entre el smartphone y el iPad.

  Esa subcategoría digital podría resumirse en una proposición de valor que tiene en cuenta movilidad y creatividad, es decir, una maximización de las prestaciones digitales volcadas en la necesidad del usuario de expresar su creatividad y entorno relacional sin aminorar su capacidad de movilidad.

  Post patrocinado por Samsung

  
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  peggy sue's (II)

  Posted: 28-December-2011, 11:07pm CET by Javier

  
  
  
  
  Fotografia: Javier M. Reguera. Pinchar en la imagen para ampliarla.
  Localización: Alicante

  
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  pelicula - waldorf astoria

  Posted: 27-December-2011, 11:12pm CET by Javier

  
  
  En la década de 1930, cuando se está construyendo el segundo Waldorf, el hotel se convierte en el tema favorito de Hollywood. En cierto sentido, esto libera al guionista de la obligación de inventarse una trama.
  
  Un hotel es ya una trama: un universo cibernético con sus propias leyes, que genera unos enfrentamietos fortuitos entre seres humanos que nunca se habrían conocido en otro sitio. El hotel ofrece una fecunda sección transversal de la población, una interrelación ricamente tejida entre las castas sociales, un campo para la comedia de costumbres en conflicto y un fondo neutro de operaciones rutiarias para dar relieve dramático a todos los incidentes.
  
  Con el Waldorf, el propio hotel se convierte en una película, en la que se presenta a los huéspedes como estrellas y al personal como un discreto coro de extras con frac. Al ocupar una habitación del hotel, el huésped compra su pase para un guión en continua expansión, adquiriendo así el derecho a usar todos los decorados y a aprovechar las oportunidades prefabricadas de interactuar con todas las demás estrellas. La película empieza en la puerta giratoria, símbolo de las ilimitadas sorpresas de la casualidad. Luego se provocan tramas secundarias en los oscuros recovecos de las plantas inferiores, que se consuman -tras un episodio en el ascensor- en las zonas altas del edificio. Sólo el territorio de la manzana enmarca todas las historias y les proporciona coherencia.
  
  (Fragmento de Rem Koolhaas, Delirio de Nueva York, 1978)