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CaixaForum: La escuela Yi. Treinta años de arte abstracto chino,

Posted: 3-June-2008, 9:47am CEST by Livio Drusillo

EXPOSICIÓN: La escuela Yi. Treinta años de arte abstracto chino
(Del 4 de junio al 17 de agosto)
CONFERENCIA INAUGURAL (Martes 3 de junio | 18.00 h) por Gao Minglu, comisario de la exposición
i-dissabtes CXF:
Sábado | 7 de junio. 21.00 h: Moda + Peformance/ Txell Miras y Sònia Gomez
Sábado | 14 de junio. 21.00 h: John Foxx/ Tiny Colour Movies

www.lacaixa.es/ObraSocial
EXPOSICIÓN
La escuela Yi. Treinta años de arte abstracto chino
Del 4 de junio al 17 de agosto
Por primera vez, una visión exhaustiva de conjunto del arte abstracto chino contemporáneo, que hasta ahora ha permanecido en la penumbra, podrá verse fuera de China. La muestra traerá unas ochenta obras en distintos soportes ?pintura, escultura e instalación? creadas por más de 40 artistas de diferentes épocas durante las tres últimas décadas.

El objetivo de la muestra es dejar constancia de cómo han respondido los artistas chinos al cambio social y cultural, dando paso a una especie de ?arte abstracto? o ?modernidad? de raíz alternativa y china, que combina la filosofía y la estética tradicionales de este país, el budismo zen, la modernidad occidental y el arte conceptual contemporáneo.

Por todo ello, la muestra se enfoca partiendo de los temas siguientes: la definición y la interpretación del ?arte abstracto? chino no puede basarse en las dicotomías entre objetividad y subjetividad, entre obra de arte y artista, entre forma y significado, sino que el ?arte abstracto? chino es la expresión de un estado concreto de apertura y una metáfora de la realidad vivida. A finales de la década de 1970 y principios de la de 1980, las autoridades consideraban la forma abstracta en sí misma como una producción burguesa. Por otro lado, el arte abstracto chino tuvo un papel político durante aquella época. En la segunda mitad de la década de 1980, gracias a la influencia de la modernidad y la posmodernidad occidental, muchos artistas de vanguardia del Movimiento 85 se comprometieron a crear una especie de arte metafísico oriental, combinando los símbolos culturales tradicionales y el surrealismo occidental.

Desde 1990, este arte abstracto chino ha reflejado profundamente la realidad de la globalización y la urbanización, no se ha limitado a producir composiciones abstractas simplemente metafísicas, sino que ha significado una actividad de meditación inspirada en el zen, un flujo diario continuo de ?arte de acción? que ha implicado a la realidad urbana. El aspecto ?moderno? de estas obras es sólo una máscara, y el fenómeno ?abstracto? en el arte contemporáneo chino es un desplazamiento de la modernidad, en un contexto que rezuma contemporaneidad y en el que la naturaleza estética y la forma social son indivisibles e intercambiables.

Los artistas: Zhao Wenliang, Zhu Jinshi, Wang Luyan, Gu Wenda, Yu Youhan, Ren Jian, Zhang Jianjun, Yang Zhilin, Huang Yali, Shang Yang, Li Huasheng, Zhang Yu, Wang Tiande, Liang Quan, Zhou Yangming, Ding Yi, Meng Luding, Zhu Xiaohe, Lei Hong,
Tan Ping ... entre otros.

CONFERENCIA INAUGURAL
Martes 3 de junio | 18.00 h
a cargo de Gao Minglu, comisario de la exposición
Actividad gratuita. Plazas limitadas

i-dissabtes CXF
Sábado | 7 de junio. 21.00 h
Moda + Peformance
Txell Miras y Sònia Gomez

Binomis presenta en esta ocasión un espectáculo en el que la moda adquiere una dimensión escénica singular. Utilizando la capacidad interpretativa de la performer Sònia Gomez y sus colaboradores, la diseñadora Txell Miras exhibe sus modelos más arriesgados a partir de un espectáculo en el que se contraponen los mundos interiores de estas dos creadoras catalanas.

Sábado | 14 de junio. 21.00 h
John Foxx
Tiny Colour Movies
Formato: Super 8 digitalizado.
Año: 2006
Duración: 48?.
Aunque se le recuerda como el fundador de Ultravoxx durante la década de 1970, John Foxx ?nombre artístico de Dennis Leigh? también trabaja en otros campos y disciplinas.Foxx es un artista esencialmente moderno.

Trocear, reensamblar, reinterpretar, reciclar: el lenguaje audiovisual rompe las ataduras del largometraje autocontenido y se adentra en los territorios del hipertexto. Cuando el artista británico tuvo la oportunidad de contemplar la colección privada de películas en Super 8 de Arnold Weizcs-Bryant ?desde pruebas de color de viejas películas de Hollywood hasta tomas de una autovía de Los Ángeles? comprendió de inmediato su potencial estético y emocional. Así nacía Tiny Colour Movies.

Precios
4,00 ?
Socios Mediateca entrada gratuita
LKXA, Club Estrella,
Carnet Jove y Carnet +25: 2,00 ?
Venta de entradas (En ServiCaixa, hasta 1 hora antes de la actividad; y en Internet y por teléfono hasta 3 horas antes)
Taquillas de CaixaForum
Adquisición de entradas con tarjetas ?la Caixa? 50% de descuento

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Pamplona, CAM y Matadero ponen mas de 300.000 Euros en ayudas a la creación

Posted: 3-June-2008, 9:43am CEST by Livio Drusillo

Premio: XI Bienal de Artes Plásticas Ciudad de Pamplona - Más info

Convoca: Ayuntamiento de Pamplona

Fecha entrega de obras: hasta el 29 de agosto de 2008

Dotación: 42.000 Euros en compra de obra para la Colección de Arte Contemporáneo municipal.

Premio: Becas Colección CAM Artes Plásticas - 6ª Convocatoria 2008 - Más info

Convoca: Caja de Ahorros del Mediterráneo (CAM)

Fecha entrega de obras: entre el 17 de noviembre y 5 de diciembre de 2008

Dotación: hasta seis becas en cualquiera de las disciplinas de pintura, escultura, dibujo, fotografía, vídeo y técnicas digitales, dotadas con entre 14.000 y 24.000 Euros/año.

Premio: Ayudas a la movilidad internacional de creadores. Matadero Madrid - Más info

Convoca: Área de Gobierno de las Artes - Ayuntamiento de Madrid

Fecha entrega de solicitudes: antes del 20 de junio de 2008

Dotación: hasta 150.000 Euros en becas de 18.000 Euros cada una.

Premio: 10 Convocatoria de Tentaciones 2008 - Más info

Convoca: Feria Estampa

Fecha entrega de obras: antes del 1 de julio de 2008

Dotación: se realizará una selección entre 8 y 10 proyectos artísticos que se presentarán en la feria.
Galería María Prego: Rafael Cidoncha

Posted: 30-May-2008, 8:34am CEST by Livio Drusillo

Exposición Rafael Cidoncha
Inauguración jueves 24 de abril de 2008 - A partir de las 19 horas
24 de abril ? 12 de junio
Galería de Arte Contemporáneo María Prego
Luís Taboada 21 2ºIz
36201 Vigo
[www.galeriamariaprego.es]

Bernard-Henri Lévy afirma que la pintura de Rafael Cidoncha es el triunfo del arte sobre la naturaleza, de la ilusión sobre el encanto. Y es que sus obras parecen transportarnos a unos escenarios más reales que los naturales. Sus temas son cotidianos y muchos autores han querido ver en ellos naturalezas muertas. Es cierto, Cidoncha nos presenta, flores, árboles, techos de la ciudad, columnatas, cactus? pero con un carácter personificado, casi retratístico. Los rostros de los retratados están presentes, son verdaderos senderos de luz de la exposición. De nuevo en palabras de Lévy su obra es el principio de la luz humana y de la verdadera belleza que habla de las almas y con las almas.

Para enfrentarse a la pintura de Cidoncha es necesario agudizar el oído dado que se trata de lienzos que nos hablan, nos susurran, nos describen, nos transportan a una realidad en la que, a modo de trampantojo, identificamos los años que han pasado, el tiempo perdido y el recuperado, lo irreversible y lo inconsecuente.

A pesar de lo que podría parecer la obra de Rafael no rivaliza con la realidad si no que juega con ella y ésta se hace más presente y más viva si cabe en sus pinturas. Se trata de una realidad transfigurada, ennoblecida por el paso del caballete.

Rafael Cifoncha nace Vigo en 1952. La exposición que le dedica la galería María Prego será la primera oportunidad para ver una muestra del artista en la ciudad que le vio nacer y en la Comunidad en la que desarrolló su infancia.

El artista trabaja principalmente con la Galería Marlborough cuyas diferentes sedes le han dedicado sendas exposiciones individuales. Ha expuesto además en centros y galerías como el Museo de Arte Extranjero de Riga (Letonia), el Centro Cultural de Arte Contemporáneo de México, la Galería Guillermo de Osma (Madrid), la Galería Félix Gómez (Sevilla), la Galería Ignacio Várez (Madrid), la Galería Estampa (Madrid), la Galería Artheme (Bourdeaux), la Galería Oliva Mara (Madrid), la Galería Rafael Ortiz (Sevilla) la Galería Alfred Wild (Bogotá y Medellín), o en el Spanish Institute de Nueva York.

Ha participado en exposiciones colectivas organizadas por centros como la Galería Ansorena, la Galería Juan de Amiano (Pamplona), Alejandro Sales (Barcelona), Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Nerva, Galería Marieschi (Milán), en el Museo Guggenheim (Bilbao), Galería Sandunga (Granada), Centro Cultural Conde Duque (Madrid) o el Centro cultural de la Villa (Madrid). Ha participado en múltiples ediciones de ARCO (Galería Marlborough Nueva York) y de la Feria de Arte Contemporáneo de Miami (Galería Ansorena y Martínez).

Colecciones de de España, Francia, Estados Unidos y Sudamérica tienen obra del artista. Destacamos las colecciones de los Duques de Alba (Madrid), Colección Baron de Guy de Rotschild (Paris), Colección Baron de Rede (Paris), Colección David de Rosthchild, (Paris), Colección Príncipe Loewenstein (Inglaterra), Colección Patinño (Paris), Colección Yves Saint Laurent (Paris), Colección Forbes (EEUU), Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Colección Museo de Baltimore (EEUU), Colección Fundación Pedro Barrié de La Maza (A Coruña), Colección Ministerio de La Presidencia (Madrid), Colección Ministerio de Medio Ambiente (Madrid), Colección Ayuntamiento de Sevilla, Colección Valentino Garavani (Francia), Colección College de France (Paris), Colección Juan Abelló (Madrid), Colección Biblioteca Nacional (Madrid), Colección Palacio de La Zarzuela (Madrid).

Varios autores han publicado textos sobre Cidoncha de los que cabe destacar a Juan Maneul Bonet, Calvo Serrraller, Humberto Pasti, Román Padín, José Marín Medina, Carlota de Alfonso, Soledad Puértoas, Fuencisla Muñoz, Marc Fumarola, Virginai Villalobos o Rosario Pérez entre otros críticos de prestigio.
La memoria de la ciudad Marcelo Fuentes. Galería Antonio Machón.

Posted: 27-May-2008, 2:59pm CEST by Livio Drusillo

La obra de Marcelo Fuentes dejará indiferentes a quienes busquen espectacularidad, colorines y fuegos de artificio, pero entusiasmará a quienes hayan entrado en el mundo de la pintura y sus discernimientos afectivos, a quienes sepan dialogar con ella en su lenguaje. Igual que el poeta elige a sus lectores, el pintor elige a sus espectadores entre aquellos capaces de establecer complicidades sensoriales, intelectivas y emotivas con sus creaciones.

Desarrollando las enseñanzas de Hopper y Morandi, la pintura de Marcelo se ha ido despojando de los afanes descriptivos a favor de una mayor esencialidad en la potencia abstracta de la propia pintura. NO obstante, persiste en la necesidad de seguir observando el mundo que habitamos, los escenarios exteriores por donde la vida interior se proyecta y discurre. Los seres humanos nunca aparece y, de ese modo, como espectadores podemos transitar en solitario los espacios pintados, enigmáticos lugares que se resisten a hacer distinciones entre naturaleza y artificio, porque bajo la acción de los pinceles, montañas y edificios pueden compartir una misma sustancia promover semejantes experiencias estéticas.

Desde sus pequeños formatos, los dibujos de Marcelo nos hablan en voz baja, casi en silencio, sin estridencias, sin alardes ni pretensiones de decir grandes palabras o verdades trascendentes, pero diciendo a la postre, a través de la insistencia mesurada, por medio un inacabable tejido de sutiles repeticiones y variaciones, diciendo o más bien sugiriendo eso que puede decir la pintura y loa poesía, más o menos que la realidad es fecunda, infinita, inconmensurable, fuerte inagotable de enseñanzas y de vida, y en cualquier rincón imprevisto se encierra el universo entero si sabemos dedicarle una mirada atenta.

Explicaba Joan Margarit en el Epílogo a su libro Cálculo de estructuras, que la poesía se distingue de la prosa por la concisión y la exactitud. Las pinturas de Marcelo poseen ambas virtudes: ni falta ni sobra nada en ellas, son estructuras compactas, coherentes, ejemplos de justeza y precisión en la composición, en los tonos, en las formas, en la densidad de la materia y en la dirección de las pinceladas. En ellas pervive además un tiempo silenciosos que se queda indiferente a los afanes productivos y ala prisa, el tiempo que se acumula y condensa en el hacerse cada cuadro (una temporalidad que no se deshace en la sucesión de instantes), el tiempo que necesitamos para aprender a ver, para mirar, una y otra vez, sucesivas veces, hasta llegar a ver algo.

Jose Saborit
En las nubes - Fernando Castro Flórez

Posted: 27-May-2008, 2:54pm CEST by Livio Drusillo

Escribía María Zambrano que el dibujo pertenece a la especie más rara de las cosas: «A aquella que apenas si tiene presencia: que, si son sonido, lindan con el silencio; si son palabras, con el mutismo; presencia que de tan pura, linda con la ausencia; género de ser al borde del no-ser». Tenemos que entender el dibujo como una estructura compleja de problemas diferenciados, una forma con la que vencer los acontecimientos o la posibilidad para volver a tener presente la imagen que tenemos de ellos; advirtamos la equivalencia que se puede establecer entre dibujar y pensar, siendo ambos casos procesos que dan cuerpo a una realidad conflictiva.
Juan José Gómez Molina advertía en el libro Las lecciones del dibujo que la acción de dibujar nos representa a nosotros mismos en la acción de representar, clarifica los itinerarios de nuestra conciencia, haciéndose evidente ante nosotros mismos: Dibujar es fundamentalmente definir ese territorio desde el que establecemos las referencias. Representar es, por tanto, un acto controlado y difícil de evocaciones y silencios establecidos por medio de signos que somos capaces de descifrar por su preexistencia en la memoria histórica.

Obsesiones humorísticas. Oriol Vilapuig ha desarrollado un concepto de «pintura dibujística» en el que da rienda suelta a sus obsesiones con un inequívoco sentido del humor. Desde que vi en alguna edición de ARCO -en el stand de Fúcares- sus obras, me convertí en un admirador de su peculiar universo en el que lo esquemático o incluso las alusiones al dibujo infantil son el soporte de una tensión cultural y poética extraordinaria. Ahora expone maravillosas obras sobre papel, utilizando principalmente tinta y gouache, en la galería La Caja Negra. La serie «De la naturaleza de las cosas», que remite al memorable poema de Lucrecio, plantea una sutil reflexión sobre la experiencia del estar en el mundo, de la fragilidad del hombre y de la turbulencia de sus deseos.

En otras series, tituladas «Desplazamientos» y «Trabajos y días», Vilapuig sedimenta lo íntimo, en un tiempo que está marcado por las migraciones, la incertidumbre y la muerte. Sus dibujos, realizados sin prepotencia, mostrando una dimensión lúdica excelsa, presentan, por ejemplo, un corazón que es tan sólo una línea o el Pteropus, un esqueleto que vuela en la oscuridad. Mantiene su pasión por la literatura, y, así, aparece Malone muere, la desértica novela de Beckett, o referencias a los ensayos de Montaigne y los aforismos de Kafka.

Todos hemos tenido que dibujar y seguramente recordamos los esfuerzos infantiles para encajar una figura o para sombrear un cuerpo. En todo dibujo se llega a un punto de crisis, cuando lo visto no corresponde a nada fijado en el papel y, sin embargo, lo que estamos haciendo se torna sumamente interesante. Comprobamos que la mirada y la mano establecen una coordinación extraordinaria; la representación fluye como si no tuviera nada que ver con el orden de lo categórico, e incluso da la sensación de que remite más a todo lo que desconocemos que a aquello que teníamos aparentemente atrapado. «El dibujo -apunta Yves Boneffoy- es en la pintura la mandorla de lo invisible, no la quintaesencia, por suprema que sea de formas inteligibles». Digamos «esa pintura no tiene dibujo», como ya decimos «esas formas carecen de vida». Dibujamos lo que falta acaso porque lo que tenemos no nos satisface plenamente. Sentimos la necesidad de un discurso jubilatorio, de algo que nos entusiasme y aparte del pantano de la mediocridad. Vilapuig dota al dibujo de una soltura completa. Así convierte el territorio asiático en unas manchas de tinta de colores muy diluidas o nos recuerda que las nubes fueron el territorio evanescente en el que comenzamos a imaginar lo que no teníamos al alcance de la mano.

Hace bien Oriol Vilapuig al remitir al libro de Gombrich Art and Ilusion, particularmente, al análisis de la sombra producida por figuras geométricas. Podemos retornar de nuevo al origen mítico del dibujo, a ese gesto que intenta atrapar la sombra, ese testimonio de la ausencia que ya he nombrado y que es también deseo del retorno, confianza en que la pasión no puede perderse nunca. La mano tiene su propia sabiduría, como esa mirada que descubre la musculatura del mundo y, al concretarse en el espacio bidimensional, nos revela la extraordinaria experiencia de lo imaginario como un estar corporalmente en lo real.

Por oculto e imperceptible. Si, por un lado, Vilapuig da cuenta en sus obras de lo cotidiano, también atiende a lo oculto e imperceptible. En un papel arrugado leemos: «Es en nosotros donde el mundo es enemigo del mundo». Tal vez lo que suceda es que sigamos atrapados, como pensara Nietzsche, en la tela de araña de la gramática y nos cueste encontrar otras formas para dar cuenta de lo que (nos) pasa. Vilapuig, lector del Pesanervios, de Artaud, sabe de sobra que, aunque pretendemos tener las cosas muy claras, en realidad nuestra comprensión del mundo es puramente metafórica.

Este artista que redibuja la firma de Durero convierte la naturaleza en un marasmo de trazos negros que pueden sugerir un árbol en la noche o todo aquello que no somos aún capaces de definir. Su Vanitas no está atravesada de amarga melancolía, acaso porque aprendió en los Aforismos de Zürau que existen tantas posibilidades de salvación como escondites. «Existe una meta -apunta Kafka-, pero no un camino; lo que llamamos un camino son vacilaciones». Aunque sobre el hombre, reducido a unas líneas esquemáticas, tumbado sobre la cama, se cierne un negro nubarrón. El deseo demencial del arte es el de seguir dibujando lo que pasa, esas raras formas del aire que nadie puede, aunque lo intente, gobernar.

Originalmente en abcd
Critica: Zhu Ming, diario de un performer

Posted: 27-May-2008, 2:46pm CEST by Livio Drusillo

Light boxes and photographs Galería Estiarte. Almagro, 44. Madrid. Hasta el 11 de junio. De 7.500 a 15.800 E.

Nadie se resiste ya en el mundo del arte a la fuerza de Oriente, fundamentalmente de China. Las galerías contratan o intercambian muestras de artistas, museos e instituciones les dedican exposiciones monográficas o colectivas, los coleccionistas se inclinan por sus producciones... De tal modo que ya se nos han hecho familiares algunos nombres: Cang Xin, Shao Yinong & Mu Chen, Zhang Huan, Liang Yuanwei, Li Wei y otros. Ahora se añade a los anteriores el de Zhu Ming (Changsha, Hunan, 1972), al que Estiarte dedica una exposición que recoge ejemplos de su trabajo de los años 2000 a 2006.

Ming pertenece a la generación de los años noventa ?la del East Village de Beijing, barrio en el que trabajaron también Zhang Huan, Cang Xin y Ma Liuming?, la que afronta los cambios económicos y sociales más profundos en la sociedad china, la que descubre la importancia y la consideración de la identidad individual ante el aparato del Estado, la que viaja, por su creciente presencia, fuera de las fronteras de la nación y traba contacto con artistas occidentales. Todos los citados comparten una misma actitud, que luego ha sido levemente modificada por el tiempo y los acontecimientos: son performers, artistas de la acción, para los que la fotografía y el vídeo funcionaban, en un primer momento, como registro de lo sucedido y sólo posteriormente se han convertido en elemento creativo autónomo.

Las performances que Ming ha realizado desde 2002 hasta ahora juegan todas con un mismo y único elemento central, un globo de plástico de grandes dimensiones, en el que, casi siempre, se introduce el artista y bien surca en su interior las aguas de un río, o se adentra en el mar; bien lo cubre, a manos limpias, de pintura, volviéndolo opaco para restablecer luego su transparencia; bien, no me pregunten cómo, enciende un fuego y llena el improvisado habitáculo de humo; bien mete en ellos distintos animales domésticos, que conforman un curioso zoológico rural; bien, por último, se embadurna de pintura fluorescente y brilla en su seno como un ser de luz.

Estas mínimas descripciones no hacen ni pueden hacer justicia al impacto de sus imágenes ni a la cantidad de analogías que surgen en el transcurso de la acción, desde la fragilidad corporal del artista, niño que retorna al seno materno, enfrentándose desnudo a la fuerza del mar o el curso del río, hasta la situación medioambiental en China, en una ceremonia en la que él mismo se envuelve en humo en los adentros de un bosque limpio, pasando por la reivindicación del pensamiento espiritual tradicional en su cultura, ahora convertido en tabú. Ming fecha sus trabajos y explicita la situación o el lugar geográfico en el que transcurren: Laoshan, China, 26 de julio de 2002; Sidney, Australia, 9 y 16 de marzo de 2003; Tate Liverpool, 9 de septiembre de 2006...

Me importa señalar, además, que, tanto lo que podemos considerar el contenido de sus events, como la belleza que emana de los lugares y confrontaciones que provoca, son el resultado de un método cuyo planteamiento es de una absoluta sencillez ?su materialización es generalmente simple? y que se asienta en un soporte esencial: el arte como experiencia personal. Un proyecto que, como demuestra la documentación de sus trabajos precedentes, remonta sus raíces al arte conceptual de los años sesenta en Occidente y a ciertos reflejos de las propuestas del grupo japonés Gutai. Así, Ming dice: ?El cerebro es donde realmente se producen mis obras sin los condicionamientos de la realidad exterior. Es el mundo más sencillo en el que trabajar con total libertad. Pensar es gratis, actuar es relativo?.
Mariano NAVARRO
Casi 300.000 Euros en premios y becas

Posted: 24-May-2008, 12:05pm CEST by Livio Drusillo

Esta semana se han convocado las becas Cajastur (80.000 Euros), las de la Fundación Pilar i Joan Miró (32.000 Euros), además de las ayudas a la creación visual promovidas por la Fundación Arte y Derecho (otros 150.000 Euros), que, junto a otros premios menores, elevan a casi 300.000 Euros el dinero disponible para premiar la creación artística en los últimos 7 días.

Premio: Propuestas 2008 - XII Convocatoria de Ayuda a la Creación Visual - Más info
Convoca: Fundación Arte y Derecho
Fecha entrega de obras: entre el 1 de marzo y 30 de junio de 2008
Dotación: 150.000 Euros destinados a la financiación de proyectos y a la divulgación de obras ya creadas.

Premio: Premio Biennal d'Art Ciutat d'Amposta - Más info
Convoca: Ayuntamiento de Amposta
Fecha entrega de obras: entre el 1 de mayo y 30 de junio de 2008
Dotación: Primer premio de 4.000 Euros, además de una exposición del artista ganador, a realizar el año 2009. Se podrán otorgar, entre los seleccionados, tres premios-compra con una dotación de 1.200 Euros para cada uno de ellos, patrocinados por parte de tres empresas.

Premio: Premio y Becas Pilar Juncosa 2008 - Más info
Convoca: Fundación Pilar i Joan Miró a Mallorca
Fecha entrega de solicitudes: antes del 7 de septiembre de 2008
Dotación: 8.000 Euros para el Premio Pilar Juncosa a la innovación, 6.000 Euros para la Beca Pilar Juncosa para un proyecto educativo, y 5 Becas de formación en los talleres de obra gráfica de Miró con 1.500 Euros adiccionales de bolsa de viaje, y otras 5 becas en colaboración con centros nacionales e internacionales por un importe total de 10.500 Euros.

Premio: Becas Cajastur para Artistas 2008 - Más">[www.arteinformado.com:80] info
Convoca: Obra Social y Cultural de Cajastur
Fecha presentación de solicitudes: antes del 20 de junio de 2008
Dotación: 8 becas con una dotación económica de 10.000 Euros cada una.

Premio: II Certamen de pintura "Villa de Cistierna" - Más info
Convoca: Ayuntamiento de Cistierna
Fecha entrega de obras: entre el 18 de agosto y 1 de septiembre de 2008
Dotación: primer premio de 1.200 Euros y segundo de 600 Euros.

Premio: Certamen de pintura rápida Villa de Getafe - Más info
Convoca: Ayuntamiento de Getafe
Fecha celebración: 1 de junio de 2008
Dotación: 6 premios de 2.500, 1.500, 1.200, 900, 900 y 700 Euros respectivamente.
El Jardín Botánico de Nueva York exhibe una gran muestra de esculturas de Moore

Posted: 24-May-2008, 11:53am CEST by Livio Drusillo

El Jardín Botánico de Nueva York exhibe desde hoy y hasta el próximo 2 de noviembre la mayor muestra al aire libre de esculturas del artista británico Henry Moore realizada hasta ahora en Estados Unidos.

En pleno esplendor primaveral, el Botánico neoyorkino exhibirá una colección de 20 obras que se ubicarán a lo largo de sus cerca de mil metros cuadrados de terreno, dispersas por el medio centenar de jardines que alberga ese centro.

Además de las esculturas se expondrán varias maquetas, herramientas y objetos fundidos del estudio que el artista tenía en Perry Green, cerca de Londres, que ofrecerán una idea más completa del proceso creativo de quien se considera uno de los escultores más importantes del siglo XX.

Henry Moore (1898-1986) es conocido por sus grandes esculturas de mármol y bronce, generalmente figuras humanas desproporcionadas, con las que ayudó a introducir su particular forma de Modernismo en el Reino Unido, donde realizó su primera exposición en solitario en 1928.

La monumentalidad de sus esculturas responde a la intención del artista de que sus obras se ubicaran en amplios paisajes para que la gente pudiera apreciarlas desde distintos ángulos, con variedad de luces y en diferentes estaciones del año, además de acercarse a ellas y tocarlas.

La primera gran retrospectiva fuera de su país tuvo lugar en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York en 1946, y desde el final de la Segunda Guerra Mundial sus esculturas, principalmente de figuras femeninas reclinadas y deformadas, están expuestas por todo el mundo.

Aunque los principales trabajos del escultor se encuentran en su Inglaterra natal, entre el instituto que lleva su nombre en la localidad de Leeds y la fundación ubicada en Hertfordshire, la colección pública más grande del mundo con los trabajos de Moore está en el Museo de Arte de Ontario (Canadá).

En Estados Unidos las obras de este artista están repartidas por Chicago, San Francisco, Washington, San Diego y Nueva York, donde desde 1965 se ubica una gran escultura de Moore en el Centro Cultural Lincoln.

El escultor británico también destacó en otros campos artísticos, como el textil, en el que realizó un gran número de diseños en telas.
Manuel Sáez y la poesía del objeto inútil

Posted: 22-May-2008, 2:26am CEST by Livio Drusillo

Dibujos
Comisaria: Ana de Miguel. Sala Parpalló. Alboraia, 5. Valencia. Hasta el 15 de junio

Desde que a principio de la década de los ochenta Manuel Sáez (Castellón, 1961) iniciara su actividad expositiva, su trabajo manifiesta una extrema coherencia y rigor. Interesado por el objeto, no ha dado tregua a su inquisitiva representación; un escrupuloso ejercicio de análisis de cuanto le rodea que, compendiado en el objeto, alcanza dimensiones sorprendentes en sus cuadros y papeles. Combinados al principio en insólitos ensamblajes en los que se evidencia su reojo surrealista, cuando no pop, estos objetos fueron afianzando una inquietante autonomía visual. Desde los juegos combinatorios magrittianos hasta los acoplamientos warholianos, su obra se empleaba en reinventar la realidad. Echando mano de una apagada gama cromática en los inicios, Manuel Sáez fue progresivamente dejando intervenir al color hasta llegar a una saturación cegadora en obras de las que el IVAM dio cumplida muestra en el año 2000. Con posterioridad, Sáez planteaba un trayecto a la inversa, la figuración impecablemente respaldada por el color, fue gradualmente encubierta en superficies monocromas. Las paradojas conceptuales se fueron sucediendo, enlazando ingeniosas composiciones en las que se ponía a prueba la percepción del espectador. Surgieron el humor y la poesía y toda suerte de evocaciones que no hacen sino aligerar el peso de la realidad más inmediata y medir la grandeza de lo cotidiano.

En los trabajos que ahora presenta hay algo de clínico, cuando se observa la quirúrgica exploración de objetos, pero también lo ascético y monacal alcanza cierta relevancia espiritual encadenando una sucesión de letanías de lo cotidiano. Así, ha compuesto un políptico de 50 obras entre dibujos y acuarelas, escrupulosamente ordenado en una seriación apenas salpicada por alguna nota de color, dispuesta para poner de relieve los infinitos matices del banco y el negro. Con ello, inútiles objetos como brochas de afeitar, teléfonos y picaportes, junto a modélicos paisajes y desnudos, se metamorfosean en imágenes insólitas cuya trascendencia se sitúa al margen de su paradójica estandarización y medida en el marco de la pintura. Desde un apenas invariable y obsesivo acercamiento a la definición y medida de las cosas, Manuel Saéz manipula la genética de sus usos y funciones para trasladarlos a un espacio de desencuentros, paradojas y poéticas evocaciones.

José Luis CLEMENTE
CaixaForum Madrid: Alphonse Mucha

Posted: 22-May-2008, 2:22am CEST by Livio Drusillo

Alphonse Mucha (1860-1939)
Seducción, modernidad y utopía
30 abril - 31 agosto de 2008
CaixaForum Madrid
Paseo del Prado, 36
28014 Madrid
[www.obrasocial.lacaixa.es]

Alphonse Mucha (1860-1939) fue uno de los artistas más conocidos de su tiempo, creador y divulgador del estilo Art Nouveau, pionero en la aplicación del arte a la publicidad y uno de los padres del diseño gráfico moderno. Sus carteles y pinturas causaron admiración en París y contaron con imitadores en todo el mundo. El arte de Mucha aspira a la belleza. Sus elaboradas composiciones ponen en juego elementos teatrales y alegóricos, y crean una atmósfera de misterio cercana a la poética simbolista.

Esta exposición presenta todas las facetas del arte de Alphonse Mucha a partir de cuatro grandes temas fundamentales -teatro, belleza, misterio y modernidad-, y también presta atención a otros cuatro aspectos particulares que permiten comprender mejor el alcance de su obra: la metrópolis como escenario; la fotografía como medio y como arte; la epopeya eslava, una visión, y la difusión del «estilo Mucha», para el que se toma como ejemplo el modernismo en Madrid y Barcelona.

Esta es la primera vez que se presenta en España una gran exposición dedicada a Alphonse Mucha, que es fruto de la colaboración entre la Fundación ?la Caixa? y la Mucha Foundation, entidad que vela por la conservación y divulgación de la obra del artista.