El Periódico del Arte

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  PORTADA

  Posted: 19-January-2009, 12:10pm CET by El Periódico del Arte

  
  
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  ESTÉTICA

  Posted: 5-January-2009, 9:16pm CET by El Periódico del Arte

  LA BELLEZA
  
  Bajo un roble dormía Begoña. La tarde discurría en un otoño amable y, entre unas pocas nubes, el sol la despertó. Abrió sus ojos. La luz atravesaba las hojas del roble preñándolas de magia y Begoña, todavía amodorrada, en lugar de hojas vio un banco de peces ocres, amarillos y cristalinos que parecían caramelos. Entonces se ancló, inmóvil, sin atreverse siquiera a pestañear para no romper la inesperada sensación que irrumpía en su siesta campestre, aunque todavía no había decidido si era una visión real o el final de algún grato sueño.
  
  El árbol agitó sus hojas acompañando un soplo de aire fresco y los peces se transformaron en barcas oscuras zarandeadas en un luminoso mar, cegador a contraluz. Begoña empezó a sospechar que estaba despierta, tumbada, mirando embobada a un árbol excéntrico que hacía cosas raras; ella realmente nunca se había detenido a observar con atención ningún árbol. Estaba abrigada, cómoda, no tenía prisa alguna; así que permaneció quieta y alerta, retando al árbol a continuar con nuevos espectáculos.
  
  
  El árbol pareció aceptar el reto. Al poco surgieron de alguna parte tres ardillas revolviendo hojas y curvando ramas, disputándose una bellota, mientras que Begoña se creía en un circo viendo trapecistas rasgar el aire. Se disponía a aplaudir con los párpados para no distraer al árbol, pero éste aún no había terminado su actuación. Tras la batalla de las ardillas docenas de hojas se desprendieron y comenzaron a caer. Las hojas bailaban en zigzag y en espiral. Unas sacaban cadera cuando planeaban, otras destacaban la cintura al revolotear. Muchas estiraban brazos. Algunas parecían deslizarse y otras tropezar. Pero todas ellas, con su halo luminoso, hicieron que Begoña se planteara si eran hojas ?santas? o ?hadas?.
  
  Permaneció ensimismada, abstraída en divagaciones, hasta que una bellota cayó en su rostro arrebatándola de su placer. Entonces se incorporó y el roble quedó en silencio. Ahora, de pie, se daba cuenta de que había gozado de una manera especial con sólo unas pocas hojas. Se había recreado con la versatilidad de formas de unas simples hojas, todas ellas iguales, pero cada una poseída por un baile propio. Las imágenes que había vivido bajo el roble nunca antes las había percibido, aunque en muchas ocasiones se había recostado debajo de árboles. En ese momento se preguntó si cada árbol tendría su propia colección de posturas fantásticas, y miró al tronco con afecto.
  Con un peculiar impulso de agradecimiento hacia el roble, se levantó y rodeó el tronco con los brazos pero no llegó a culminar su abrazo; todavía quedaba una sorpresa más. En la corteza había grabada una inscripción que decía: ?la belleza es gesto, la fealdad es gesto?.
  Texto e ilustración de Pilo Gómez-Baquero.
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  CONTRAPORTADA

  Posted: 1-January-2009, 12:27pm CET by El Periódico del Arte

  Obra del mes
  Obra del mes es una invitación a explorar y profundizar
  en los significados de un conjunto de obras escogidasde la Colección a través del diálogo y la participación,incentivando la diversidad de las miradas.
  
  Cada mes habrá presentaciones en salas de la obra
  escogida y en la página web podréis encontrar un
  resumen con la información más relevante.
  
  Febrero: El caballero cubista, 1973 de Luis Gordillo.
  
  Las presentaciones corren a cargo de un grupo de alumnos
  de la Universidad Complutense que han realizado unainvestigación de las obras seleccionadas, cuyo fruto serácompartido con los visitantes del Museo, mes a mes,hasta junio.
  
  Fechas: del 7 de enero al 29 de junioDías y horas: lunes (17.30 y 19.00), miércoles (12.00 y 13.00)y sábados (12.00 y 13.00)Lugar: Punto de encuentro del edificio Sabatini (planta baja)Asistencia libreColabora: Universidad Complutense de Madrid
  
  PROGRAMAS EDUCATIVOS
  Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
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  DESCUBRE OTROS MUSEOS

  Posted: 4-January-2009, 10:13pm CET by El Periódico del Arte

  MUSEUM OF FINE ARTS DE BOSTON
  
  

  Situado en el número 465 de Huntington Avenue, en la zona de Back Bay, se encuentra el Museum of Fine Arts de Boston. Abierto los siete días de la semana (sólo permanece cerrado en Año Nuevo, Navidad y Acción de Gracias, además de los días de la Independencia y de los Patriotas), ofrece a los visitantes una impresionante colección que abarca desde piezas de las grandes civilizaciones de la Antigüedad hasta obras de artistas contemporáneos.

  
  El museo abrió sus puertas al público el 4 de julio de 1876, aunque no fue hasta el año 1883 cuando se estableció cual sería el lugar que definitivamente ocuparía. Se buscaba crear un punto estratégico en la ciudad, para lo cual se eliminó una calle, creando Copley Square, donde el visitante aparece arropado por algunos de los edificios más importantes de Boston: el propio museo, la Trinity Church y la White´s Boston Public Library. El diseño del edificio fue realizado por el arquitecto Guy Lowell, quien ideó una construcción cuyas formas remitían al estilo Beaux Arts (el centro neurálgico del museo, una rotonda que divide y organiza los accesos a las diferentes partes de la colección, está decorado por espectaculares murales del pintor John Singer Sargent).
  
  El Museum of Fine Arts de Boston, posee la segunda mayor colección permanente del mundo, después del Metropolitan Museum de Nueva York. La procedencia de las obras es muy diversa, y aunque podemos afirmar que buena parte de la colección se creó a partir de adquisiciones y donaciones, el recorrido de las obras hasta su llegada al museo puede ser más peculiar, como por ejemplo en el caso de los restos egipcios, que hoy encontramos en Boston, por las excavaciones arqueológicas llevadas a cabo por el museo y la universidad de Harvard entre 1905 y 1942.
  
  Dentro de esta magnífica colección destacan las piezas de arte asiático. Prácticamente desde su fundación, se creó un Departamento de arte japonés, con el fin de controlar los trabajos reunidos por tres famosos personajes del momento: Edward Morse, Ernest Fenollosa y William Sturgis Bigelow, que hicieron de este museo, la institución con la mejor colección de arte japonés, fuera del país nipón. También son fundamentales las obras de arte chinas (parte de la colección que aumentó considerablemente con la gestión del director Kojiro Tomiza en 1931), además de fabulosas piezas indias (de pintura india hay en estos momentos una espléndida muestra, que se puede ?visitar? virtualmente a través de la web del museo), islámicas, coreanas, etc.
  
  Tampoco podemos olvidar destacar las obras impresionistas y postimpresionistas, además de los trabajos de artistas europeos de la Edad Moderna como Velázquez o El Greco, piezas que, no cabe duda, son uno de los grandes atractivos del museo.
  
  En la actualidad, la visita al museo puede resultar un tanto incómoda, ya que en el edificio se están llevando a cabo diferentes obras de remodelación y ampliación, aunque esto no impide que el museo sea una visita obligada si pasamos por Boston.
  
  Mª Carmen Flores.
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  MUÉVETE2

  Posted: 9-January-2009, 2:16pm CET by El Periódico del Arte

  CARL EINSTEIN Y EL NACIMIENTO DE LAS VANGUARDIAS
  
  Carl Einstein, sobrino del afamado físico Albert Einstein y uno de los más importantes historiadores del arte del siglo XX, fue además novelista, poeta, ensayista, dramaturgo y crítico literario. A pesar de todo ello sigue siendo una figura casi desconocida para el gran público.
  El MNCARS ha querido recuperar y dar a conocer su obra dedicándole la primera exposición monográfica de Carl Einstein celebrada en todo el panorama internacional. En ella los principales tratados teóricos del historiador alemán se acompañan con numerosas creaciones de los artistas que desarrollaron su arte durante la primera mitad del siglo XX y con los que Einstein mantuvo estrechas relaciones, convirtiéndose en el principal tratadista, además del más innovador, del los recién nacidos movimientos de vanguardia.
  
  Introdujo el conocimiento del arte y la escultura africana, que tanto interés despertó en artistas del momento, gracias a la publicación de los escritos Negerplastik (Escultura Negra) en 1915 y posteriormente Afrikanische Plastik (Escultura Africana) en 1923, algo que se ilustra en la exposición a través de una amplia representación de estatuillas, máscaras e ídolos de madera de diferentes culturas africanas que fueron estudiadas por Einstein e incluso formaron parte de su colección particular.
  
  Otro de los ámbitos de la muestra se centra en labor de Einstein como editor y creador de la revista Documents que vio la luz entre 1929 y 1930 en la que muestra su apego al movimiento surrealista. Su activismo político queda también representado en la exposición a través de diferentes obras de artistas españoles como Dalí, Miró o Picasso ligados al desarrollo de la Guerra Civil española en la que Eistein decidió participar activamaente apoyando al bando republicano adhiriéndose a la Columna Durriti en 1936. Esto le llevó como a muchos intelectuales a ser perseguido, arrestado e internado en un campo de concentración del que escaparía en 1940. Perseguido de nuevo por alemanes, decidió acabar con su vida ese mismo año.
  
  Pero por encima de toda su labor, la obra que le encumbró a la fama fue Die Kunst des XX. Jahrhunderts. (El arte del siglo XX) publicada en 1926, en la que hace. un recorrido crítico por a historia del arte desde 1900, una brillante síntesis que desemboca en las aportaciones de las nuevas estéticas del cubismo y del surrealismo. Para entender la mirada visionaria de Eisntein en esta revolucionaria obra, la exposición muestra en las diferentes salas creaciones de los artistas más destacados del momento, a los que Eistein conoció y sobre los que teorizó como George Braque, Pablo Picasso, Joan Miró, Max Beckmann, Otto Dix, André Masson o Paul Klee.
  
  Esta extensa muestra permite adentrarse en el nacimiento de la Vanguardia y de sus principales creadores tomando como referencia los escritos de Carl Einstein conociendo así su aportación a la historia del arte desarrollada en los convulsos años iniciales del siglo XX.
  
  ?La invención del siglo XX. Carl Einstein y las vanguardias? se mantendrá en las salas del edificio Nouvel del museo Reina Sofía hasta el 16 de febrero de este recién estrenado año 2009.
  
  Laura de la Falla.
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  ESTE MES

  Posted: 2-January-2009, 2:12pm CET by El Periódico del Arte

  
  DIONISIO RODRÍGUEZ, MILLÁN
  ¿Artista o artesano?
  Sótano del Museo del Prado. Zona de la puerta de Murillo abandonada a los pocos espectadores que logran encontrarla, guarda un tesoro, el Tesoro del Delfín. Flanqueas la puerta acorazada y bajas los escalones. A mano izquierda unas vitrinas. Trabajo con piedras duras, emulan vistas de paisajes bucólicos. Entre obras llenas de historias, iconografía y mensaje, el espectador concienciado y sensible sucumbe ante estas exquisitas manifestaciones que apelan a algo que la mayoría compartimos; el placer que experimentamos ante las cosas bellas. Sencillamente hermosas, que nos recuerdan las manos prodigiosas que convivieron entre nuestros antepasados y que conviven hoy en día. El ser humano capaz de manipular la naturaleza y encerrarla en objetos lujosos que nos alegran el sentido que más usamos en este siglo, el de la vista.
  
  Dionisio Rodríguez (Casas de Millán) reflexionó un día sobre el valor de los materiales que nos acompañaban día a día y decidió descontextualizarlos para crear algo novedoso. La base está también en la piedra, pero no se trata de mesas palaciegas aunque sí de vistas idílicas y paisajes reconocibles.
  
  Nos enfrentamos a un fenómeno que se ha ido fraguando a lo largo del tiempo, y que hunde sus raíces en el siglo XVIII. Por una parte, la creación consciente de Millán (nombre artístico de nuestro protagonista) y por otra, la democratización y difusión del arte que ha provocado el surgimiento de nuevos artistas. Esto se constata en la figura del pintor Millán. ¿Pintor? Sí, porque usa diferentes materiales pero al final es la pintura la que da el manto de homogeneidad a su obra.
  
  Antes de trasladar su actividad a Barcelona, ya había realizado incursiones en el mundo de la pintura. Pero como no podía ser menos fue al llegar a esta ciudad abierta al mar y a las nuevas ideas donde encontró la inspiración para seguir con esa pulsación que latía en su mente. En una fábrica una máquina devastaba la piedra, y fue en ese momento en el que Millán decidió adaptar la fría técnica de la industria a sus manos artesanas.
  
  Paisajes de muy diferente tipo, aquello que Millán almacenaba en su cabeza debía salir, pero no podía ser de cualquier forma. No era un mero artesano que desease crear un recuerdo fuera de lo común, buscaba algo, ser original.
  
  Una enciclopedia de arte y los consejos de un doctor artista también, le llevaron a indagar sobre las posibilidades de esta técnica. Emprendió una nueva fase en su proyecto. Luego llegaron los libros sobre la perspectiva y color, libros al alcance de muchos pero que son desaprovechados. Millán, se denomina como autodidacta, pero tal posición no sería posible sin el proceso previo, algo de lo que hablamos en la introducción y que tiene que ver con la democratización del arte.
  
  Pero antes de seguir con lo que es la técnica en sí y su evolución me gustaría que reflexionemos sobre la intencionalidad, aquello que hace del arte, arte, y no un mero objeto. Ante la pregunta de qué es el arte, Millán contesta ?El arte es como un acontecimiento rico y complejo de intensa vitalidad que ofrece tantas facetas como una piedra preciosa? Piedras?¿cuál fue la motivación?, la afirmación del artista es rotunda ?Yo realizo estas obras para mí, porque disfruto con ellas. Si el público también disfruta, alcanzamos el segundo nivel?. Tras meses de trabajo minucioso es comprensible que Millán sienta su obra como algo muy personal y diferente. Puede dedicar a una de sus piezas hasta nueve meses. ¿Hemos perdido esto en el arte actual?
  
  Sus manifestaciones no plantean interrogantes, no suponen un reto intelectual, se complacen en sorprender y agradar de una forma sencilla.
  
  Susana García Flórez.
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  MADRID

  Posted: 3-January-2009, 1:48pm CET by El Periódico del Arte

  LA ORDENACIÓN URBANA DE INDALECIO PRIETO
  Dentro del barrio de Chamberí, en el cruce entre las calles Joaquin Costa y Raimundo Fernández Villaverde con una de las principales arterias de la ciudad (la Castellana) se dispusieron a lo largo de los años 30 y 40 algunos de los principales ministerios del gobierno español: el de Fomento, de la Vivienda y el de Medio Ambiente.
  
  El conjunto que se denominó ?Nuevos Ministerios? se situó en la manzana comprendida entre el Paseo de la Castellana, la plaza de San Juan de la Cruz y las calles Raimundo Fernández Villaverde y Agustín de Bethencourt, y es uno de los proyectos de Ordenación Urbana de Madrid llevados a cabo en la década de los 30, entre los que estaban también el Plan de Prolongación de la Castellana, Enlaces y Acceso a la capital. La primera piedra se colocó el 15 de abril de 1933, y su construcción tuvo lugar en los terrenos sobre los que se alzaba el antiguo hipódromo, derribado con el fin de alargar la ciudad hacia el norte mediante la prolongación del Paseo de la Castellana.
  
  El entonces ministro Indalecio Prieto encargó el proyecto a Secundino Zuazo y, sin suministrarle ningún programa para su ejecución, le pidió que creara un conjunto de edificios monumentales para albergar diversos departamentos oficiales, los cuales se encontraban dispersos por la ciudad. El conjunto de edificios se llevó a cabo en granito de grandes proporciones, y los varios ministerios se dispusieron entorno a un sistema de terrazas ajardinadas con dos pequeños estanques. Este amplio espacio se abría a su vez al Paseo de la Castellana mediante una gran galería porticada situada sobre la estación abovedada subterránea del ferrocarril, ideada y construida en 1934 por el ingeniero Eduardo Torroja.
  
  
  
  El proyecto se inspiró, según Zuazo, en el Monasterio de San Lorenzo del Escorial (en cuya conservación participó el propio arquitecto), y su lenguaje tiene continuidad con su anterior edificio construido, la Casa de las Flores.
  
  En la esquina formada por las calles Joaquin Costa y el Paseo de la Castellana, e intentando consolidar la zona con la prolongación de la arteria de la ciudad y los recién construidos Nuevos Ministerios, José Tomás Alarcón ideó para ese emplazamiento un edificio que albergara usos administrativos, públicos y sociales: el actual Ministerio de la Vivienda.
  
  El arquitecto proyectó en 1948 un edificio de planta cuadrangular con un amplio patio central ajardinado, y una pequeña torre que se alza sobre la calle Joaquin Costa. Las fachadas repiten todas el mismo modelo en alzado, a excepción de la planta baja y la primera, las cuales poseen unos vanos de mayores dimensiones.
  
  Lo realmente peculiar de este edificio es la manera en la que consigue integrar otras artes en la arquitectura, ya sea en los espacios exteriores como interiores. En este sentido son reseñables los cuatro altorrelieves que decoran la fachada y que representan las cuatro estaciones del año, obra del escultor Ángel Ferrant. Asimismo, en el interior del edificio hay notables obras pictóricas como la imagen de San Isidro en el patio interior (obra de Antonio Cano), o las pinturas murales sobre piedra del pintor Manuel Rivera, situadas en la escalera principal.
  
  Se trata, en definitiva, de un conjunto arquitectónico que modernizó y agrandó un barrio que actualmente se encuentra entre los puntos claves de la ciudad de Madrid.
  
  Umberto Castillo Biscari.
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  LITERATURA

  Posted: 6-January-2009, 1:15pm CET by El Periódico del Arte

  
  TODOS LOS LIBROS TIENEN UNA HISTORIA
  El regalo de Reyes
  
  Todos los libros tienen una historia. Digo esto no pensando precisamente en el contenido, sino en las cosas que asociamos a los libros. Estos quedan impregnados del momento de nuestra vida en el que lo leímos; del momento en el que cayó en nuestras manos; de la persona que nos lo regaló; de aquella a quién después se lo hemos contado?
  
  Mi mejor regalo de Reyes ha sido el Diccionario de las vanguardias en España de Juan Manuel Bonet; ¿por qué? Porque ha cerrado la Navidad como debía ser cerrada. Mi Navidad ha sido volver a Madrid, estar en casa, volver a amigos viejos y a las pasiones que comparto con ellos, la cultura en general y la literatura en particular ?que a menudo me gusta con ellos más que con otros-. Madrid significa también (y como parte de lo anterior) motivarme y recordarme que sigo siendo estudiante, como la mitad de ellos, y que va siendo hora de ponerse a recopilar información para las asignaturas que he elegido este año, una sobre los géneros literarios de finales del s. XIX y principios del s. XX ?no me puedo permitir muchas por aquello del exilio voluntario-. En esta línea, Madrid ha significado ?hacer acopio de vanguardias literarias?.
  
  
  
  Durante estos días he leído Los detectives salvajes de Roberto Bolaño, que me ha hecho reír por la inocencia o por la sinceridad de alguno de sus personajes; me ha acomplejado por el despliegue de erudición del que hacen gala sus protagonistas; me ha hecho enfadar, por una primera impresión de inverosimilitud de tamaño conocimiento en gente tan joven ?luego me han explicado que antes todo era así: acumular lecturas sin orden ni concierto pero con mucha memoria, voracidad y pasión. Y hablar de ellas, hablar mucho de ellas.-; y que por último, además de insertarme de lleno en los movimientos literarios postvanguardistas sudamericanos, en el ansia de la poesía joven mejicana (joven, cuando mis padres eran jóvenes), me ha brindado estupendas discusiones literarias con gente a quien tengo en alta estima y me ha motivado a seguir escribiendo, si es que había empezado.
  
  Los detectives salvajes, está, como toda la Navidad, lleno de vanguardias ?para mí también lleno de Madrid-. El estudio metódico (ya he dicho que yo también tengo que preparar exámenes) de las vanguardias me lleva a una de mis hermanas, primera persona de referencia a quien acudir en busca de información inicial sobre un tema como este, -amigos, hermanos, claros de amor y bienestar ¿no?-.
  
  Después un paseo por la Cuesta de Moyano, a ver qué me encuentro y qué puedo traerme a las Alemanias, cualquier buena excusa que me aleje de las obligaciones de mis tardes de invierno: Los días en rojo, textos y declaraciones colectivas del Grupo Surrealista de Madrid, primera edición de 2005, conmemoración de sus veinte años de publicaciones y actividad ininterrumpida. Quizás para muchos es un descubrimiento inocente, yo ni lo intuía, por eso lo comparto con una sonrisa.
  
  Finalmente, cuando ya todo estaba acabando: la buena vida, las cañas tamaño caña, las charlas sobre literatura, teatro, cine, revistas, cotilleos absurdos pero divertidos, problemas personales, etc., llegó la Reina Maga cargada de más vanguardias y una nota preciosa ?Esta obra desmiente del todo que España haya sido la ?reserva espiritual? - así la llamó el franquismo- de Europa. Las inquietudes artísticas y culturales fueron las mismas. ¡Qué lo disfrutes!?. Cuando lo desempaqueté y la abracé sonriendo añadió: ?qué suerte tenéis?.
  
  Beatriz Talaván Paniagua.
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  CON LUPA

  Posted: 9-January-2009, 12:49pm CET by El Periódico del Arte

  LA DELGADA LÍNEA DEL PODER
  
  
  Decía Victor Hugo que la palabra Fatalidad, encontrada entre los muros de Notre Damme, le inspiró para escribir su novela homónima del XIX. Si miramos bien el fotomosaico de Joan Fontcuberta descubriremos los secretos más terribles de este término. En 1975 Pasolini los paseó por la cinta de Saló o Los 120 días de Sodoma. El director dejó plasmado el sello del Marqués de Sade en una película en la que un grupo de oligarcas supervivientes del régimen fascista someten a un grupo de adolescentes a las torturas más infames que existen.
  En una fortaleza una serie de hombres uniformados practican la sodomía o la coprofagia, con unos jóvenes que la mayor parte del tiempo aparecen desnudos. Los dominadores son seres monstruosos revestidos por el aura de poder que otorga la vestimenta uniformada al que la lleva puesta. El juego de roles entre quien domina y quien es dominado se ve fortalecida por eso que parece tan banal y etéreo como es la vestimenta. Esta dominación potenciada por el uniforme llega a convertirse en una fuente de placer sexual para el que abusa del poder que ejerce y que está relacionado con la idea de violencia.
  Por otro lado los uniformes nos dan las pistas de la función social de cada una de las personas en nuestra sociedad. Si nos encontramos ante un incendio sabemos que los que nos van a ayudar son los que van vestidos o vestidas con el uniforme de bomberos, o si hemos sido víctimas de un atraco confiamos en el hombre o mujer que lleva el traje de policía sin pararnos a realizar ningún examen a dicho sujeto, cuestionando su bondad o profesionalidad. Pero ¿Qué ocurre cuando se invierte el código social del sujeto uniformado? ¿Y si el policía uniformado se convierte en el ladrón, o mejor, y si el qué debe asegurar qué se repelan los actos violentos se transforma él mismo en un violento sádico y fetichista? La respuesta es clara, contundente y atiende a un nombre de dos palabras: Abu Ghraib.
  
  En la cárcel iraquí se volvió a jugar con el término Fatalidad, la de los horrores allí practicados fue recogida como testimonio del sadismo en la instantánea de una fotografía. Una como la que te puedes llevar de recuerdo de tus vacaciones en lugares exóticos -quizás así se la llevaron estos soldados-, como las de esos viajes al paraíso de la libertad, la misma que se atreven a decir algunos expresidentes americanos que es producto de Dios. Fruto de esta ?libertad? existe ahora un informe que se puede consultar en Internet, se trata del Final Report of The Independent Panel to Review DoD Detention Operation de 2004. El fotomosaico de Fontcuberta fue realizado utilizando diez mil imágenes disponibles en la Red. Estas se localizan introduciendo en Google los nombres de las personas y cargos citados en dicho informe.
  
  Al ver la fotografía de cerca y examinar cada una de estas 10.000 imágenes nos encontramos con algo parecido a un archivo de los horrores. Uno similar al de Crhistian Boltanski y su Reserva de Suizos Muertos. Un testimonio de una demanda contra la violencia para la que no se ha tenido que utilizar sino sólo una imagen que tiene el poder de denuncia y testimonio de diez mil instantáneas. Diez mil personas con nombres y apellidos a los que arrastra esta soldado inmiscuyéndoles en un caso para el olvido. Estos son como el hombre desnudo e indefenso que tiene atado por el cuello y tirado sobre el suelo. Esta fotografía nos recuerda la delgada línea que separa la posición de los roles entre el dominador y el dominado, pues su adjudicación es sólo una cuestión de oportunismo.
  
  Luis Cáceres Cantero.
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  MUÉVETE1

  Posted: 9-January-2009, 4:15pm CET by El Periódico del Arte

  "ENTRE DIOSES Y HOMBRES"
  
  ?Entre dioses y hombres? es una exposición del Mueso Nacional del Prado que alberga 46 de las obras más destacadas del Albertinum de Dresde (Alemania) de escultura clásica por primera vez en España. La exposición, que ocupa diez salas del edificio Villanueva, constituye un acontecimiento inédito, al ofrecer la posibilidad de contemplar dos conjuntos escultóricos frutos del coleccionismo barroco y neoclásico y en los que se integran magníficas versiones romanas de obras griegas y helenísticas, además de originales griegos con policromía antigua y un núcleo excepcional de retratos. Entre la selección podremos disfrutar también del disco de Teodosio de la Real Academia de la Historia, única obra de la exposición ajena a las colecciones de Dresde y del Prado.
  
  La historia de la colección de Dresde tiene muchos paralelos con la del Museo del Prado. Durante el reinado de Federico Augusto II (1670-1733) llegaron varias colecciones muy importantes de Roma a Dresde: en 1726 la colección de bustos antiguos de Giovanni Bellori como regalo del rey Federico Guillermo I de Prusia a Augusto II; dos años más tarde la numerosa colección del príncipe Agostino Chigi y la exquisita colección del cardenal Albani. Finalmente en 1736 fueron adquiridas de la herencia del príncipe Eugenio las tres Diosas de Herculano. Otro interesante grupo de obras son esculturas originales griegas y helenísticas, adquiridas por el Albertinum durante los siglos XIX y XX. Hasta mediados del siglo XIX, el Albertinum de Dresde albergaba la colección más prestigiosa de esculturas clásicas de Alemania. Por el bombardeo de Dresde y el siguiente traslado a la Unión Soviética (1946-1958), la colección, hasta ahora no publicada dignamente, quedó un poco olvidada.
  
  La religión fue un eje fundamental en la creación de la propia identidad del pueblo griego, un panteón enormemente complejo lleno de dioses con actitudes bastante humanas, sirvió en un principio también como base en sus artes.
  
  La exposición se divide básicamente en tres etapas:
  
  1. Los dioses clásicos. Una vez absorbidos los modelos escultóricos orientales, la escultura griega evolucionó hacia un mayor naturalismo y movilidad, este es el comienzo de la exposición, donde vemos figuras de dioses que buscan la perfección formal, idealizados y en actitudes reposadas. Hay un enorme culto a la belleza y a la juventud a la vez que se transmite solemnidad divina y eternidad. Avanzando un poco más en la muestra observamos como las figuras comienzan a mostrarse cada vez más humanas, expresando el carácter antropocéntrico de la civilización helena. Ya no se limitan a representar dioses, ahora son simples efebos, atletas, muchachas...reproducciones de escultores como Fidias, Policleto o Praxíteles no dejan indiferentes.
  
  2. Arte helenístico. Las figuras se tiñen de un aire mucho más festivo, y ya no sólo se decantan por plasmar la belleza y la armonía sino que lo deforme, lo decrépito, lo feo..., todo aquello que induzca a demoler los cánones preestablecidos, cobrará protagonismo. Uno de los temas que ofrecía ejecutar esta posibilidad eran las represtaciones de las fiestas báquicas y así la muestra nos ofrece obras como la famosa Ménade de Dresde (20 a.C.), que se retuerce sobre sí misma provocando juegos de curvas y contracurvas, o bien, el Isleño con odre de vino (70/110 a.C.), figura gorda y ebria que evoca bien el espíritu helenístico. La importancia que se le dio al teatro (dedicado a Dionisio también) se marca en la muestra con las numerosas máscaras de teatro que se exponen.
  
  
  3. Los retratos romanos. El retrato romano es una de las manifestaciones más típicas de esta civilización, aunque estuvo muy influido por el retrato griego con la costumbre (entre muchas otras) de erigir estatuas en honor a sus dirigentes en espacios públicos y privados y dedicarles estatuas votivas en los santuarios. Incluye el Museo retratos femeninos e infantiles de enorme realismo para acentuar la individualidad del personaje retratado.
  
  La exposición es mucho más completa e incluye muchos otros aspectos de interés pero a mí me parece que esto es lo fundamental, estará hasta el mes de Abril así que sino habéis ido aún, aprovechad, que vale la pena!!
  
  Victoria-Ana Elunku Asanqono.