Exposiciones en Madrid (10 unread)

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  Exposición del fotógrafo Lewis Hine en la Fundación Mapfre.

  Posted: 28-February-2012, 10:30am CET

  

  
  
  

  La Fundación Mapfre acoge desde el sábado una retrospectiva del fotógrafo norteamericano Lewis Hine, figura clave del documentalismo social. Que podrán visitarse hasta el 29 de abril en la sede de la Fundación Mapfre en el Paseo de Recoletos 23. 

  
  

  Sus series de fotografías de la isla de Ellis -puerta de entrada de la emigración que afluía torrencialmente a los Estados Unidos-, la construcción del Empire State o el trabajo infantil a lo largo de todo el país, forman ya un documento indispensable para entender la historia social de ese periodo.

  
  

  El fotógrafo norteamericano Lewis Hine (Wisconsin, 1874 ? Nueva York, 1940), una de las figuras claves de la estética del documentalismo social. FUNDACION MAPFRE, en colaboración con la George Eastman House (Rochester, Estados Unidos), depositaria del archivo de Lewis Hine, presenta la obra de un fotógrafo que, preocupado por el bienestar de los más desfavorecidos, recurrió a la imagen fotográfica para reflejar la injusticia y la miseria de la época.

  
  
  

  

  
  

  Esta exposición, compuesta por una selección de 170 imágenes ?en su mayoría vintage-, ofrece un completo recorrido por su trayectoria fotográfica, y sitúa la obra de Hine en el contexto artístico, político y cultural de su tiempo, desde sus primeros retratos de inmigrantes desembarcando en Ellis Island (1904-1909, 1926) y niños trabajadores (1903- 1913), hasta su labor en Europa para la Cruz Roja americana a finales de la Primera Guerra Mundial (1918-1919), o su serie sobre la construcción del Empire State en Nueva York (1930-1931). Asimismo, el recorrido se acompaña de documentos y publicaciones de la época, algunos de ellos inéditos recientemente adquiridos por la George Eastman House, con los que Hine impulsó causas sociales como la mejora de la vivienda o la erradicación de los talleres de explotación ilegal.

  
  

  
  

  Vinculado estrechamente a movimientos progresistas e instituciones humanitarias, Hine puso su cámara al servicio de la denuncia y la lucha por dignificar la vida de las clases trabajadoras.

  
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  Exposición "Un paisaje holandés" en la Casa Encendida.

  Posted: 27-February-2012, 6:44pm CET

  

  
  
  

  
  

  Parece que el buen tiempo ha llegado para quedarse en Madrid, un buen momento para venir en alguno de los numerosos vuelos baratos a Madrid, como los de la compañia Ryanair. Pues cuando lleguen no se olviden de visitar la exposición de la Casa Encendida.

  
  

  
  

  Alrededor de cuarenta de obras de una docena de creadores forman parte de un proyecto sobre las grandes transformaciones que sufrió el arte en los años sesenta y las secuelas que han dejado en las nuevas generaciones. No es una muestra sobre el paisaje, pero toma el nombre del género pictórico como metáfora para describir una panorámica concreta del arte realizado en los Paises Bajos en dos momentos determinados. Los años sesenta y setenta, en los que los artistas holandeses jugaron un papel fundamental, y la primera década del siglo XXI, en el que un grupo de artistas jóvenes redefinen el lenguaje conceptual, una estrategia que se ha convertido en uno de los géneros esenciales del arte.

  
  

  Una de las claves de la exposición es ver cómo se interpretan conceptos importados de los años sesenta como la desmaterialización o la autorreferencialidad, o prácticas basadas en repeticiones, permutaciones, sistemas, series... Los artistas de una y otra generación introducen nociones subjetivas contraviniendo las premisas del conceptual más severo. Así, se configura un paisaje en el que se impone lo poético, una lectura de la experiencia cotidiana que incurre con frecuencia en el absurdo y lo irracional a partir del escepticismo y la incertidumbre que depara nuestro tiempo.

  
  

  La exposición presta atención al trabajo solitario del artista en su estudio, sumergido en profundas disquisiciones en torno a la realidad y el modo en que ésta se representa. Estas reflexiones dejan mucho espacio al azar y están trufadas de errores y fracasos que son siempre bienvenidos. Cuando el artista sale al exterior es un flâneur expuesto a las contingencias de lo cotidiano, al accidente, al vacío.

  
  

  La muestra ?Un paisaje holandés? está compuesta por los trabajos de Bas Jan Ader, Feiko Beckers, Gwenneth Boelens, Marinus Boezem, Stanley Brouwn, Jan Dibbets, Sharon Houkema, Martin In?t Veld, Katja Mater, Navid Nuur, Ger van Elk y Marijn van Kreij.

  
  

  
  

  Fuente: Casa Encendida

  
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  Hans Haacke muestra sus "Castillos en el aire" en el Museo Reina Sofía.

  Posted: 23-February-2012, 3:10pm CET

  

  
  

  Ya podemos disfrutar de una muestra de 40 obras de Hans Haacke abierta en el Museo Reina Sofía. El proyecto Castillos en el aire (2012), concebido específicamente para el Museo Reina Sofía, tiene en cuenta la realidad de un barrio del extrarradio madrileño, el Ensanche de Vallecas, donde Haacke encuentra las imágenes de las ruinas que corresponden a nuestra sociedad contemporánea. Junto a las escrituras inmobiliarias de hipotecas, planos, edificios, calles vacías, destaca los nombres de las mismas, dedicados a los principales movimientos artísticos del siglo XX.

  
  

  Hans Haacke ha realizado expresamente la obra ?Castillos en el aire? para escenificar esta exposición. Se trata de una gran instalación de la que forman parte nueve trabajos de otros autores. Hans Haacke (Colonia, 1936) es un destacado representante de la llamada crítica institucional surgida a finales de los años 70; una especie de ?antisistema? pegado el sistema que se ha caracterizado por cuestionar el uso comercial y propagandístico que se ha dado al arte y al artista.

  
  

  La presente exposición se divide en dos ámbitos: una muestra de obras anteriores del artista, análisis y reflexiones sobre mercado y globalización, en que las instituciones contribuyen a alterar el valor económico del arte, neutralizando su potencial subversivo como The Invisible Hand of the Market (2009); la relación entre arte, patrocinio y publicidad en la pretensión de adquirir imágenes corporativas respetables en Thank you Payne Webber (1979), Global Marketing (1986-2011) o Helmsboro Country (1990); o lo espurio del discurso institucional, que percibe el arte como lubricante social para la aceptación de las actuales dinámicas económico-políticas descrito en On social Grease (1975) o Broken R M (1986). El proyecto Castillos en el aire (2012), concebido específicamente para el Museo Reina Sofía completa la muestra.

  
  

  
  

  Hans Haacke (Colonia, 1936) es considerado pionero de la llamada crítica institucional, vertiente del arte conceptual, surgida a finales de los años sesenta. Formado y residente en los Estados Unidos, su obra transita de un puro conceptualismo inicial hacia un discurso crítico. Sus obras cuestionan los mecanismos y funciones de las instituciones culturales, políticas y económicas, que manifiestan ser herramientas activas en la construcción y transmisión de valores identitarios e ideológicos favorables al discurso y expansión de la globalización. Construye sistemas de relación mediante elementos literales tomados del cotidiano, cuyo significado crítico emerge por colisión simbólica al ser yuxtapuestos, procurando, más que denunciar, dejar ver la relación entre arte y comportamiento social.

  
  

  
  

  
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  Noa Lidor en el MUSEO ABC de Madrid.

  Posted: 23-February-2012, 10:31am CET

  

  
  En su primera exposición individual en un museo español, Noa Lidor reúne obra anterior y tres nuevas instalaciones realizadas ex profeso para  las salas del museo madrileño. En su práctica, Lidor utiliza a menudo objetos ya existentes, alterando sus usos previstos para  crear nuevas narrativas. Las obras de la muestra personifican un sentido de paradoja, señalando la diferencia entre lo visual y lo táctil, la superficie y la profundidad, la duda y la creencia, el lenguaje y la experiencia genuina.
  

  
  

  Utensilios de costura, condimentos que salen de la cocina y piezas de ganchillo  son los utensilios con las que la artista dibuja en sus nuevas instalaciones realizadas para  la muestra. En 'Tank', cientos de dedales metálicos estarán incrustados en la pared, dejando  sólo visible su espacio interior, formando un dibujo lineal de un tanque a tamaño real.  Otra instalación, 'And indeed  there will be time' incluirá una pila de doscientas tapetes tejidos a mano y un velador de madera. Y en una tercera instalación titulada 'I have heard the mermaids singing', un texto será convertido  en código braille,  explotado  y recreado con pequeñas montañas de sal fina sobre una mesa de comedor de madera. La exhibición también incluirá  una serie de dibujos en páginas de un libro en braille,  así como una nueva serie de acuarelas llamada ?Doubting Thomas?.

  
  

  De los trabajos anteriores que se podrán  ver destaca la obra de 2010 Field (Andromeda), donde unas campanas de metal están incrustadas en un colchón doble, de forma que exponen  su espacio interior, normalmente oculto. La ubicación  y los distintos tamaños de las campanas corresponden a un mapa estelar que refleja  la constelación de Andrómeda, llamada así por la princesa que, según la mitología griega,  fue encadenada a una roca como sacrificio a un monstruo del mar.

  
  

  El trabajo de Noa Lidor se materializa en forma de dibujo, escultura e instalación. Y destaca por el uso poético y sensual de materiales humildes ?como el papel, el yeso o la cera?,  así como objetos cotidianos en el entorno doméstico ?como el mobiliario de una casa familiar?,  o los instrumentos musicales, que al ser manipulados por la artista, pierden su función original. La temática de su obra
  se nutre de historias míticas y mitológicas que se transforman camaleónicamente adoptando idiosincrasias culturales, integrándose en las tradiciones populares de distintas comunidades aparentemente lejanas y dispares. Los códigos diseñados por el hombre para  facilitar  la comunicación y que, sin embargo, la entorpecen, son metáforas recurrentes que la artista evoca a través de los instrumentos mudos o la utilización del braille.

  
  

  SOBRE LA ARTISTA

  
  Noa Lidor nació en Israel y reside en Londres. Su trabajo de los últimos años incluye encargos específicos para  la Galería de Arte Abbot Hall en Kendal, Reino Unido (2011), la sala ?Members Room? de la Tate Modern en Londres (The Mammals - 2008-9) y el Museo de Arte Haifa en Haifa, Israel (Lighthouse - 2007-8).

  
  

  Su primera exhibición individual en España fue en la galería La Caja Blanca,  en  Palma de Mallorca (In the Chambers of the Sea - 2010), y, en ese mismo año, celebró una exhibición individual en Green Cardamom, Londres (This Dark Ceiling without a Star - 2010).

  
  

  La instalación ?Till human voices wake us? de Noa Lidor, producida por la galería La Caja Blanca y presentada el pasado febrero en JustMad, fue seleccionada como ganadora de la primera edición del Premio  de Dibujo Museo ABC. Con sal, la artista dibuja ?escribiendo en Braille?, un fragmento del poema  ?La canción  de amor  de J. Alfred Prufrock? de T.S. Eliot y evoca la forma de una alfombra. La elección se realizó entre los proyectos participantes en la feria de 2011 en los que el dibujo tenía un papel protagonista. El jurado estaba formado  por Inmaculada Corcho ?directora del Museo ABC de Dibujo e Ilustración?, Giulietta Speranza ?directora de la feria JustMad?, y los comisarios independientes Ana Luiza Teixeira de Freitas, Martí Manen y Javier Duero.

  
  

  Actualmente, trabaja en una instalación site specific para  el Museo Herbert F. Johnson en Ithaca, Nueva York, en la exposición colectiva 'Lines of control' (2012) . Lidor está graduada por la Academia
  de Arte y Diseño Bezalel  en Jerusalén (2001) y tiene un Máster en Bellas Artes por la Escuela de Arte y Diseño de Chelsea, Londres (2004).

  
  

  centro de arte / dibujo / ilustración
  MUSEO ABC

  C/ AMANIEL 29-31

  MADRID

  
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  Realidad y fantasía del artista Alfonso Ruano en el Museo ABC de Dibujo e Ilustración de Madrid.

  Posted: 22-February-2012, 10:02am CET

  

  
  
  

  El Museo ABC de Dibujo e Ilustración de Madrid presenta Primer Recuento, la primera retrospectiva de la obra de Alfonso Ruano, referente esencial en la ilustración de libros infantiles en España. Organizada por la Fundación SM junto a ?i con i?, la exposición recorre tres décadas de creación que trasladan al visitante a un universo particular poblado de historias y emociones.

  
  La muestra, que lleva por título Alfonso Ruano.  Ilustraciones. Primer Recuento, recoge 47 ilustraciones originales realizadas desde 1984 hasta 2010, que aparecen en 11 libros: El Señor Viento Norte, El Caballo Fantástico, Zapatones, El Circo de Paco,  El Guardián del  Olvido, La Composición, El Pequeño Títere, Insomnio, Tiempo de Vuelo, Dunas de Agua y El Hada del Agua.

  
  Se trata de imágenes cargadas de realidad y fantasía, memoria propia y común, búsquedas y encuentros donde el tiempo es a la vez hilo conductor y protagonista. Pasado, presente y futuro transitan entre las figuras y sugieren preguntas que permiten ampliar la mirada. Así, las historias e imágenes saltan del libro y de la carpeta a la pared del Museo, convirtiéndose en un viaje por el proceso creativo de la narración en imágenes.

  
  Además, Primer Recuento es un hermoso ejemplo de la evolución de la edición de álbumes ilustrados en España desde los años 80 hasta ahora, donde  el paseo del tiempo  se puede apreciar en los cambios de tipografía, impresión, colores, composición, materiales, etc.

  
  

  

  
  

  
  Alfonso Ruano ha trasladado a imágenes los cuentos de autores como Michael Ende, Gustavo Martín Garzo, Carmen Posadas o Antonio Skármeta. Con varias decenas de libros publicados, con ediciones en diversos países de Europa, América y Asia y traducidas a múltiples idiomas, el ilustrador ha obtenido algunos de los más prestigiosos premios de ilustración por títulos como:  El Caballo Fantástico (Premio Lazarillo 1985 y Premio Nacional  de Ilustración 1986), El guardián del olvido (Premio Catalonia  1990, seleccionada como una de las cien obras indispensables de la Literatura Infantil española del siglo XX) o La composición (con los premios de la Biblioteca del Congreso de EE.UU y de la Unesco en el 2000). Hoy es un referente para las nuevas generaciones de ilustradores.

  « Una muestra de ilustraciones pide detenerse, mirar y dedicar mayor atención a la forma, a la geometría, a los rasgos y gestos de todo lo representado. Conviene, además, rastrear el reflejo del tiempo en el uso de la secuencia, influencia directa de la historieta y el cine, en el sentido de los encuadres, en la fragmentación y la acumulación, en la influencia del ojo fotográfico y su momento decisivo. Lo que en foto es un instante, en pintura es una parálisis.»

  
  19.01.12 - 04.03.12
  MUSEO ABC
  Amaniel, 29-31
  Madrid
  www.museoabc.es
  Entrada gratuita

  
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  Exposición individual de Eduardo Arroyo en el Círculo de Bellas Artes.

  Posted: 20-February-2012, 4:04pm CET

  

  
  

  Eduardo Arroyo (Madrid, 1937) es sin duda la figura clave de la «nueva figuración española» y uno de nuestros pintores más reconocidos, que sin embargo cobró protagonismo en el circuito artístico nacional tardíamente, a partir de los años 80, después de un alejamiento de dos décadas durante el régimen franquista. En París optó por la pintura figurativa en unos años de claro dominio de la pintura abstracta. De un uso matérico del color, Arroyo pasaría a una técnica más cercana al pop art. Su primer impacto público se produjo en 1963, al presentar en la III Bienal de París una serie de efigies de dictadores, que provocó las protestas del gobierno español. Actualmente, sus obras figuran en los mejores museos españoles e internacionales y su creatividad se extiende también al ámbito de las escenografías teatrales y las ediciones ilustradas, simultaneando las tareas de pintor y escritor.

  Esta exposición se sitúa en el interior mismo de su taller creativo, cuyas fronteras difusas y realidades desordenadas recuerdan a un caótico y laberíntico bazar.

  
  

  Con motivo de la muestra, el CBA ha producido una pieza audiovisual, Arroyo. Exposición individual, de 24 horas de duración, que se proyectará en el Cine Estudio. Se trata de un largo diálogo entre Eduardo Arroyo y Alberto Anaut en el que el artista repasa su vida, expone sus ideas y analiza los conflictos que ha vivido.

  
  

  Hasta el 20 de mayo.
  Horario: de martes a sábados de 11:00 > 14:00 y de 17:00 > 21:00 domingos y festivos de 11:00 > 14:00 lunes cerrado

  
  

  Más información en el blog del CBA: [www.circulobellasartes.com]

  
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  Madrid-Barajas acoge la exposición ?Laugh me?, con obras de Pablo Puyol.

  Posted: 20-February-2012, 1:34pm CET

  

  
  

  El Aeropuerto de Madrid-Barajas continúa fomentando la presencia del arte en sus instalaciones con la inauguración de una nueva exposición que presenta al público obras del artista madrileño Pablo Puyol Cuesta.

  
  El Aeropuerto de Madrid-Barajas sigue siendo un lugar clave para el turismo, os dejo un artículo recientemente publicado sobre vuelos baratos, con los resultados de un Estudio sobre las 50 aerolíneas más baratas del mundo.

  
  Volviendo a la exposición, en esta ocasión, la muestra elegida para ser expuesta en el Aeropuerto recoge, bajo el título de ?Laugh me?, una colección de retratos creada por el artista durante su estancia en Berlín, que se expone por primera vez al público.

  
  

  

  
  Las pinturas, realizadas con pintura acrílica sobre planchas de aluminio o acero inoxidable, recogen primeros planos del rostro de amigos del artista con un estilo y paleta decolores que recuerdan, en cierto modo, al arte pop. La exposición, formada por un total de 20 obras, se completa con una serie de paisajes en gran formato.

  
  La muestra, situada en el pasillo que da acceso a la Terminal T2 del Aeropuerto desde el Metro y el Parking P2, podrá ser disfrutada por pasajeros y visitantes hasta el 31 de marzo.

  
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  JUSTMADRID, IIII Edición de la feria de arte contemporáneo emergente, del 16 al 19 de febrero

  Posted: 19-February-2012, 8:56am CET

  

  
  

  La feria de arte contemporáneo internacional, JustMad celebra su tercera edición en el párking del Hotel Silken Puerta de América de Madrid, entre el 16 y el 19 de febrero. JustMad comenzó su andadura en el Matadero, la edición pasada se celebró en un piso 'okupado' del barrio Salamanca y ahora en el hotel. Esta feria ya se ha erigido con un nombre internacional y ha congregado a un total de 80 expositores en esta edición.

  
  JUSTMAD sigue creciendo, más de 80 expositores entre galerías del programa general y galerías y escuelas de diseño, que ocuparán este año el parking del Hotel Silken Puerta América. Ciudades como Lisboa, Varsovia, Bogotá, Guayaquil y Ílhavo entre otras, serán representadas.

  
  Cada galería cuenta con un espacio de 20 metros y un máximo de tres artistas por cada stand. Siguiendo la línea del año pasado, JUSTMAD3 continua con su reconocido equipo de comisarios formado Rocío Bardin, para el diseño y Javier Duero, Martí Manen, Luiza Teixeira de Freitas y que junto con Giulietta Speranza, directora artística de Art Fairs garantiza la exhibición internacional e innovadora de la feria. JUSTMAD nace como una necesidad fruto de la experiencia de las distintas ferias de arte contemporáneo que tienen lugar a nivel internacional. JUSTMAD3 es una feria pensada para un público tanto conocedor como público nuevo interesado en el arte contemporáneo y emergente. Es un espacio donde las galerías apuestan por los artistas y dan a conocer su trabajo a todos los representantes de instituciones, museos españoles y extranjeros, convirtiéndose en foro abierto para todos los agentes del mundo del arte, donde poder intercambiar y compartir ideas, opiniones y sensaciones, tanto a nivel nacional como internacional.

  Tras el éxito de público y de nivel artístico alcanzado en sus dos primeras ediciones, JUSTMAD3 busca en 2012 consolidar su posición como la principal feria española dedicada al arte contemporáneo emergente. En la primera edición JUSTMAD reunió a más de 7.000 visitantes; en la segunda edición el número creció hasta 18.000 visitantes. Este hecho empuja para seguir apostando en conseguir y mantener un público fiel año tras año.

  
  La selección de galerías no se realiza por ningún tipo de corte de antigüedad de las mismas, sino por la calidad de su trabajo en general y del proyecto que proponen a la feria. Son galerías que apuestan por nuevos artistas y por lenguajes emergentes.

  
  JUSTMAD, no solo apuesta por las ventas sino también por la promoción transformándose en un lugar de encuentro para el descubrimiento del trabajo de los artistas, donde damos la oportunidad a los visitantes de consolidar una interacción de ?tu a tu? con los artistas y así poder conocer mas a fondo su obra en el stand de la galería que le representa.

  
  

  

  
  En esta edición contamos con 70 galerías participantes de las cuales 20 son extranjeras. En la Sección Producers?Desk participarán 12 instituciones de las cuales 5 son internacionales. En el Publishers?Corner podremos descubrir 15 editoriales especializadas de las de las cuales 8 son extranjeras.
  
  Entre las novedades, cabe destacar las visitas guiadas para el público general del crítico y curador cubano Andrés Isaac Santana, que nos llegará de la mano por las obras de los artistas latinoamericanos
   representados por las galerías de programa oficial

  
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  ARCO, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid.

  Posted: 19-February-2012, 9:06am CET

  

  
  La Feria Internacional de Arte Contemporáneo, ARCOmadrid, es una de las grandes citas del mercado del arte de todo el mundo. Coleccionistas nacionales e internacionales han acudido a la Feria, donde se presentan una amplia selección de obras, tanto en cotizaciones como en técnicas, épocas y autores. La 31ª edición de ARCOmadrid se celebra en un momento en el que el mercado del arte está recuperando la confianza y el sector está experimentando crecimiento, como lo demuestran los resultados de las más recientes subastas y estudios.
  
  ARCOmadrid presenta desde obras maestras de los autores más cotizados del siglo XX y XXI, hasta piezas de creadores emergentes, fotografía y obra gráfica, accesible para aquellos que quieran comenzar sus colecciones de arte contemporáneo. Una amplísima oferta que abarca las más diversas tendencias y técnicas, desde las más clásicas hasta las más innovadoras, de la mano de cerca de 3.000 artistas que presentarán las 215 galerías participantes.
  
  Entre las piezas de mayor cotización que estarán presentes en ARCOmadrid se encuentran también varias obras del pintor catalán recientemente fallecido Antoni Tàpies. Además de las piezas de Antoni Tàpies que estarán expuestas en las galerías participantes, ARCOmadrid rendirá un homenaje al pintor a través de un gran muro de mensajes situado en el Pabellón 10. Galeristas, expertos, artistas y visitantes son invitados por la organización del certamen a dejar sus mensajes que serán entregados a la familia del artista al finalizar la Feria. El homenaje se completará con la proyección de un vídeo de RTVE sobre Antoni Tàpies.
   

  
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  La magia de Chagall inunda Madrid.

  Posted: 13-February-2012, 9:27pm CET

  

  
  

  Organizada por el Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid, y comisariada por Jean-Louis Prat, presidente del Comité Chagall, esta exposición será la primera gran retrospectiva dedicada al artista ruso en España. En nuestro país no se había visto bien su obra, unicamente una de 1999 en la Fundación Juan March de Madrid. Pero en esta ocasión podremos más de 150 piezas, de las distintas etapas del pintor, Chagall vivió hasta los 98 años. El principal objetivo de esta exposición es destacar el gran papel que su obra ocupa en la Historia del Arte.

  
  

  Las salas del Museo Thyssen-Bornemisza expondrán trabajos de sus primeros años y de su periodo en París, la capital de la vanguardia en ese momento; también se recogerá su experiencia en la Rusia revolucionaria y en Francia, hasta llegar al exilio forzado en Estados Unidos en 1941.

  
  

  
  

  

  
  

  En las salas de exposición de la Fundación Caja Madrid la atención se centrará en los grandes formatos, la escultura y la cerámica realizados a partir de su retorno a Francia después de la II Guerra Mundial. Llevó sus motivos fantásticos al techo de la ópera de París o sus murales a la Metropolitan Opera de Nueva York.