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  Tete Álvarez presenta la exposición Topografías

  Posted: 27-January-2012, 6:11pm CET by Ana Rico-Bornay

  Hasta el 29 de Febrero 2012

  Galería Arte21
  Manuel María de Arjona, 4
  14001. Córdoba. España

  El interés por los sistemas de representación no es nuevo en la obra de Tete Álvarez, la asunción del espacio público como territorio de negociación le ha llevado a desarrollar un trabajo que investiga sobre las tramas urbanas y las derivas, la representación del territorio a través del mapa y de dispositivos de geolocalización. En Topografías, la muestra que presentamos en Arte21 a partir del 20 de enero, Tete Álvarez (Cádiz,1964) ofrece tres series fotográficas Transurbancias, Ciudades Líquidas y Vértices que responden a estos intereses.

  La transurbancia es el método que propone el colectivo de investigación urbana Stalker para atravesar, recorrer y mapear los terrain vague. En Transurbancias, Tete Álvarez propone cartografiar una configuración urbana construida a partir de lo que Castells denomina ?una nueva lógica espacial basada en flujos de información, frente a la lógica de la organización social arraigada en la historia de los lugares y territorios locales inmediatos?. Otra cartografía que permita realizar una deriva que gracias a los flujos nos desplace, por ejemplo, desde el barrio porteño de Mataderos hasta el sevillano del Tiro de Línea. Sobre un collage formado por numerosos fragmentos de imágenes satelitales – de tramas urbanas de diferentes lugares del mundo como paradigma de la calidad heterotópica del espacio urbano moderno – se superponen mapas de distintas épocas y procedencias, en alusión al tiempo de la historia, y planos sobreimpresionados de sistemas de comunicaciones, flujos de transportes, líneas de metro, etc. que tienen que ver con la nueva espacialidad de los flujos. Estos flujos forman parte de un sistema global y determinan un tiempo distinto, el de la atemporalidad, el de la aceleración y la simultaneidad, frente al tiempo de las estaciones o de la historia. Los espacios de conexión, vías de transporte o puntos de intercambio telemático son los verdaderos soportes de la identidad metropolitana. Mapas ácronos y heterotópicos y al igual que los de los situacionistas, ajenos a las fronteras administrativas de las ciudades que homogeneizan el espacio.

  La metáfora de lo líquido y del fluir define la experiencia urbana actual. Tanto es así que está minando todos los resortes de la ciudad haciendo que la propia idea de urbe se desmorone y sea sustituida por núcleos de población más o menos informes. Lo más interesante de este proceso hacia lo líquido es que está afectando incluso a las viejas ciudades. Mientras la memoria de los lugares se fija cada vez más gracias al fenómeno turístico, la realidad de estos lugares se diluye cada vez más rápido. Ciudades líquidas toma como punto de partida imágenes satelitales de cascos urbanos de ciudades históricas para metamorfosear su trazado y convertirlo en un líquido denso pero a la vez fluido. Como apunta Pérez Villén en el texto editado con motivo de la muestra, ?el proceso comienza con la elección de una determinada ciudad histórica ? Estambul, Córdoba, Jerusalén- para centrarse en la herida que representa su trama. El tiempo se cobra la recompensa de su lento discurrir y facilita la emergencia de un tatuaje, siempre luctuoso. A la vez que se objetiva una imagen del caos ?ese retrato a contraluz que representa la cicatriz de la historia- de forma paulatina fermenta la impresión de que los lugares ya no importan y que los límites no marcan pues todo se desborda. La ciudad se extralimita y sólo consigue transpirar la imagen líquida de lo que fue su pulso.

  Las redes geodésicas están formadas por un conjunto de puntos materializados sobre el terreno, los vértices geodésicos, de los cuales se ha medido su posición con una gran precisión y que se han materializado sobre el terreno con hitos o señales. Esta materialización se hizo, por lo general, con cilindros de 1,20 metros de altura sobre un dado de hormigón cilíndrico o cuadrangular. Encima de la señal se instalaba el instrumento topográfico para hacer las mediciones necesarias, y desde cada una se deben ver varias, por lo que están situados en los lugares más altos y despejados. Vertices trabaja en el orden de interrogar acerca de la percepción del espacio, del territorio que permanece en la época del fin de la geografía, cuando las distancias han quedado reducidas por la instantaneidad de los flujos de comunicación en tiempo real. Para Pérez Villén estos Vértices conforman ?una suerte de paisajes involuntarios. Y lo son porque cada fotografía de la serie ?las imágenes incorporan las coordenadas exactas de su localización- además de señalar la aleatoriedad de la elección y el caprichoso artificio que otorga a cada lugar la singularidad y la virtualidad de la naturaleza, se debe en exclusiva al precepto de informar sobre la contingencia de un dispositivo determinado de la trama topográfica?.

  Tete Álvarez realiza desde principios de los noventa obras en las que toma como soporte la instalación, el vídeo y la fotografía. Desde entonces ha realizado exposiciones individuales en las galerías Cavecanem (Sevilla), Trama (Barcelona y Madrid), Valle Ortí (Valencia) y T20 (Murcia), además de instituciones como el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Sevilla) y el Centro de Fotografía de la Universidad de Salamanca. Desde 1998 sus trabajos han estado presente en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid, así como en exposiciones colectivas en distintos países de Europa y América. Seleccionado por Okwui Enwezor para participar en la II Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Sevilla, sus trabajos han podido verse entre otros en el Salón Internacional de Fotografía, Paris Photo de la mano de la galería T20. Cuenta con obra en museos y colecciones como la Ordóñez-Falcón, la colección Testimoni de La Caixa, el Centro de Fotografía de la Universidad de Salamanca o el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo. La exposición en la galería Arte21 supone la primera ocasión en la que se pueden contemplar los trabajos de Tete Álvarez en una galería privada de Córdoba, ciudad en la que habitualmente reside. Con motivo de la muestra se ha publicado un catálogo con una edición limitada de cincuenta ejemplares con texto a cargo del crítico de arte y comisario de exposiciones, Ángel Luis Pérez Villén.

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  Carles Taché. Miguel Ángel Campano en la Galería Carles Taché: Campano

  Posted: 27-January-2012, 6:17pm CET by Ana Rico-Bornay

  Hasta el 2 de marzo de 2012.

  Desde el próximo 12 de Enero y hasta principios del mes de Marzo, la Galeria Carles Taché presentará la exposición ?Campano?, novena muestra del artista Miguel Ángel Campano (Madrid, 1948) en la galería.

  La muestra consta de una docena de obras y traza, mediante una selección de pinturas de diferentes épocas y formatos, un recorrido por algunos de los momentos artísticos más destacados del artista desde la década de los ochenta, años en que Campano fue reconocido como uno de los grandes exponentes de la renovación de la pintura española.

  Pintor profundamente heterogéneo, Campano ha afirmado en alguna ocasión hallarse en un permanente no estilo que ha hecho de su trayectoria algo muy alejado de la cualquier idea de linealidad. En esta muestra se reconoce a un artista poliédrico que rehúye de toda pertenencia a alguna escuela, sistema o método.

  Tratando de mostrar la diferencia entre los distintos momentos de la extensa y prolífica trayectoria de Campano, la galería ha seleccionado una sola pintura representativa por cada etapa, proponiendo así ?saltar? de un periodo a otro sin la necesidad de articular suavemente los momentos de cambio o transición que anuncian las diferentes fracturas que se irán produciendo en su pintura.

  Mediante una relación de contraste entre las diferentes pinturas que integran la muestra, se hace patente la maestría de un pintor lleno de matices, modulaciones, giros y, sobretodo, una profunda libertad, conseguida por el hecho de trabajar atendiendo solamente a la coherencia interna de la propia pintura y dejando de lado otros factores ajenos a ella como pudieran ser, por ejemplo, la fidelidad a un estilo. Campano se caracteriza por moverse, ante todo, por un profundo interés en la propia esencia pictórica.

  Miguel Ángel Campano obtuvo el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1996 y su gran retrospectiva en El Palacio Velázquez de Madrid en 1999 fue la confirmación de su relevancia dentro del panorama del arte contemporáneo español.

  Galeria Carles Taché
  Consell de Cent 290
  08007 Barcelona
  T +34 93 487 88 36
  galeria@carlestache.com

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  Ignacio Fortun en la Galería Antonio de Suñer: Pintura y memoria

  Posted: 27-January-2012, 6:23pm CET by Ana Rico-Bornay

  

  Hasta el 6 de marzo de 2012.

  El proceso creativo de Ignacio Fortún (Zaragoza, 1959) empieza ante una plancha metálica, con su resplandor mate intacto. Aluminio o zinc. Sobre su opacidad se pueden proyectar imágenes para comprobar cómo el metal degrada los colores, los absorbe, como si raspara los brillos de la realidad para transformarla en pasado. Recuerdan las sombras bajo los vasos que nadie contempla en los viejos mostradores de zinc de las tabernas. El metal digiere mal las imágenes, las refleja en otro tiempo que no siempre se comprende. La plancha sujeta al bastidor sufre pequeñas ondulaciones en los bordes que muestran su rigidez. Donde la luz la alcanza, se abre un boquete ciego, informe. Nada hay en el metal sobre el caballete que signifique. Y sin embargo, qué inquietud por destapar las formas que su tiniebla oculta.
  Con un buril el pintor realiza incisiones y rayados sin ninguna orientación previa sobre toda la plancha. Se diría, desde fuera, que estropea su prestigio de acabado industrial. Con este gesto adecúa el modo anodino de expresar que tiene el metal a las necesidades del arte, empieza a darle expresión. Reproduce, a continuación, un pequeño boceto, figurativo, realizado en papel mucho antes de seleccionar la plancha, y en otro lugar, lejos del taller. En el bosquejo objetos y figuras eligen un volumen, una situación, un campo. Son poco más que un trazo. A partir de este momento se inicia el arduo trabajo pictórico. Ignacio Fortún reelabora las formas hasta conseguir la perfecta integración de las incisiones expresionistas con el dibujo figurativo. Ha de poner de acuerdo también, en los colores del cuadro, la drástica absorción de la luz que realiza el metal con las exigencias cromáticas de la imagen. Se diría que la composición no renuncia a ninguna tradición artística.

  A este intenso proceso plástico Fortún le añade otra secuencia paralela. Escritor de texturas, cada pieza implica una reflexión lírica sobre lo que el metal refleja, una indagación biográfica y geográfica, en la que no se reconocen citas, ni nombradías; la auténtica notoriedad del lugar la otorga el sujeto, su memoria. Como pintor memorialista, huye de la costumbre y aspira a la representación simbólica del destino. Muchos de sus cuadros enuncian una frontera, un tránsito, un interregno quizá. Se ven las últimas construcciones de un suburbio junto los primeros arrebatos de un terreno agreste. Son suturas a la vista, cicatrices. Imágenes que evocan, que narran. Que encarnan. Sin esta escritura de las formas, el cuadro no se consideraría acabado, y al mismo tiempo, como un poema clásico, se reabre ante quien lo contempla para recibir otros recuerdos, nuevos significados.

  La chapa de aluminio o de zinc carece de hondura, es solo una superficie átona en la que el pintor ha desembozado la perspectiva con trazos en conflicto que las manchas van suturando. También es quien dota de memoria a la imagen que, sin ella, no sería nada. Y cuando el cuadro parece concluido sobre una pared, aún queda todo por decidir; lo que los ojos contemplen se conjugará con la luz. Hay luces que oscurecen zonas de la plancha o que las resaltan; unas veces subrayan líneas que parecen no estar, otras las modifican como si el cuadro, según la claridad, alterara su respiración.

  JOSÉ ÁNGEL CILLERUELO

  Galería Antonio de Suñer.
  Barquillo 43
  Madrid.

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  Javier Duero. El Espacio Trapézio presenta: SÓLO VÍDEO

  Posted: 27-January-2012, 6:27pm CET by Ana Rico-Bornay

  SÓLO VÍDEO es una aproximación al formato videográfico a través de los diferentes artistas que se presentaron a la convocatoria del Concurs d’Arts Visuals Premi Miquel Casablancas 2010 utilizando este registro. Un ensayo visual y narrativo que explora las afinidades y las relaciones existentes entre piezas y artistas sin la necesidad de fijar una temática cerrada. En definitiva, una aproximación flexible al rol que el video-arte plantea desde los contextos de arte emergente.

  SÓLO VÍDEO es un proyecto que funciona a un doble nivel. Por un lado, como presentación pública en diferentes instituciones del estado español; por el otro, como consumo privado a partir de su edición en DVD.

  Artistas participantes: Inés García, Ricardo Trigo, María Pérez, Daniel Silvo, Iván Gómez, Jesús Monteagudo, Oriol Nogues, Esther Achaerandio, Enric Montejano, Lidia González, Beatriz Sánchez, Xavier Ristol, Mercedes Mangrané, Tamara Kuselman, Miquel García, Antonio Gagliano, Ana Moreno, Gerard Ortín.

  SÓLO VÍDEO
  Un proyecto de David Arlandis y Javier Marroquí
  Producido por San Andreu Contemporani

  Miércoles 1 de febrero: inauguración exposición y actividad, 20:00 horas.
  Martes 7 de febrero: presentación del proyecto Sólo Vídeo con David Arlandis y Javier Marroquí, 20:00 horas
  Imagen (portada del DVD)
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  work in

  Ante el contexto actual de cambio, de iniciativas de creación conjunta, de trasvase de disciplinas y de generación de nuevas inercias productivas. espacio trapézio propone un lugar donde la colaboración se ve favorecida por un entorno de trabajo abierto. work in es un punto de encuentro profesional de carácter temporal, un espacio agradable para trabajar conectado mientras degustas un té o un café en un ambiente productivo.

  Un lugar dedicado a todos aquellos colectivos, profesionales y personas, que en su día a día, desarrollan un trabajo creativo y colaborativo y que necesitan de espacios puntuales de encuentro para la elaboración de proyectos realizados desde el disfrute.

  Con la colaboración de:
  IED
  Nolens Volens
  A*Magazine
  e-Flux

  Horario provisional:
  De lunes a domingo de 11 a 20h
  Conexión WI-FI gratuita

  espacio trapézio
  Mercado de San Antón, 2ª planta,
  Calle Augusto Figueroa, 24. Madrid

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  Norberto Dotor: Ruben Ramos Balsa en la Galería Fúcares de Madrid: El lago vertical

  Posted: 26-January-2012, 8:21pm CET by Ana Rico-Bornay

  Inauguración: 28 de enero de 2012.
  Hasta el 3 de marzo de 2012.

  La Galería Fúcares presenta en su espacio de Madrid la segunda exposición individual de Rubén Ramos Balsa (Santiago de Compostela, 1978).

  Discusión entorno a La estructura ausente de la apariencia desnuda.
  El lago vertical
  Notas para una introducción al problema.

  Umberto Eco abre la discusión entorno al problema. Cuatro contertulios atemporales discuten alguno aspectos del asunto:

  - comunicar dos aparatos mecánicos-

  (Eco) Si todo fenómeno cultural es un acto de comunicación y puede ser explicado mediante los esquemas propios de cualquier acto de comunicación, será conveniente individualizar la estructura elemental de la comunicación donde ésta se produzca -o, mejor dicho- en sus términos mínimos. Es decir, al nivel en que se produce un paso de información entre dos aparatos mecánicos.

  (Arnheim) Si no se sitúan simétricamente uno del otro, se favorecería su fusión y potenciaría el todo, y de tal manera invertidos. Esta coincidencia de ser simultáneamente todo y parte es otro aspecto de la interacción no representable en una formulación discursiva.

  (Derrida) Sería fácil mostrar que el concepto de estructura e incluso la palabra estructura tienen la edad de la episteme, es decir, al mismo tiempo de la ciencia y de la filosofía occidentales, y que hunden sus raíces en el suelo del lenguaje ordinario, al fondo del cual va la episteme a recogerlas para traerlas hacia sí en un desplazamiento metafórico.

  (Paz) En el arte lo único que cuenta es la forma. O más exactamente: las formas son las emisoras de significados. La forma proyecta sentido, es un aparato de significar.

  - estructura y centro-

  (Arnheim) Percibir un objeto o suceso cualquiera significa verlo como configuración de fuerzas, y el tener conciencia de la universalidad de tales configuraciones es parte integrante de toda experiencia perceptual.

  (Derrida) la estructura, o más bien la estructuralidad de la estructura, aunque siempre haya estado funcionando, se ha encontrado siempre neutralizada, reducida: mediante un gesto consistente en darle un centro, en referirla a un punto de presencia, a un origen fijo. Este centro tenía como función no sólo la de orientar y equilibrar, organizar la estructura -efectivamente, no se puede pensar una estructura desorganizada- sino, sobre todo, la de hacer que el principio de organización de la estructura limitase lo que podríamos llamar el juego de la estructura. Indudablemente el centro de una estructura, al orientar y organizar la coherencia del sistema, permite el juego de los elementos en el interior de la forma total. Y todavía hoy una estructura privada de todo centro representa lo impensable mismo.

  (Arnheim) La mente no puede sustentar dos organizaciones estructurales diferentes del mismo esquema a la vez: no puede hacer otra cosa que subordinar la una a la otra. En consecuencia, la mente aporta la jerarquía necesaria concediendo alternativamente el predomino a cada una de las estructuras. En un instante dado prevalece el todo, al siguiente las partes. Tal oscilación hace que sea posible presentar la identidad sin mengua de la dualidad.

  - Fuerza y movimiento -

  (Da Vinci) Observa cómo el movimiento de la superficie del agua se asemeja a la de los cabellos, los cuales tienen dos movimientos; de ellos, uno depende del peso del pelo; el otro, de la dirección de los bucles. Así también forma el agua sus torbellinos, de los cuales una parte atiende al ímpetu del curso principal; la otra, al movimiento incidente o reflejo.

  (Arnheim) Un borde circular siempre está en tensión, como la piel de un globo, que soporta la presión centrífuga del interior y genera una contrapresión centrípeta por su resistencia a la expansión

  (Paz) El cuerpo de la realidad, su apariencia, es el resultado de dos fuerzas: atracción en el espacio y distracción en la extensión. La apariencia se extiende y se aleja de su punto de atracción: nosotros, espejos que la reflejamos. El mismo movimiento se despliega en el tiempo: su cuerpo goza de una libertad alternativa con respecto al centro de gravedad. Durante ciertos intervalos, el cuerpo es libre y no obedece a la atracción; durante otros está determinado por ésta. Mientras duran eso intervalos, el cuerpo está fuera del tiempo. Al menos fuera del tiempo lineal. La apariencia se fuga entre las manecillas del reloj: es un péndulo visto de perfil.

  (Arnheim) Los dos elementos se complementan mutuamente a todos los niveles del circulo. Allí donde uno es estrecho el otro es ancho, y así a lo largo de toda la gama de proporciones.

  (Da Vinci) Así como la piedra que al agua fue arrojada se hace centro y motivo de numerosos círculos y así como el sonido se difunde en círculos a través del aire, así también un cuerpo dispuesto en el aire luminosos se expande circularmente y colma a las partes circundantes de sus infinitas imágenes, pareciendo completo en el todo y completo en la menor de sus partes.

  (Arnheim) El todo no es una entidad que exista separadamente de las partes y sea anterior ellas, ni tampoco las partes existen separadamente del todo ni son anteriores a él. Las dos familias de vectores, la que desciende desde el todo y la que asciende desde las partes, se constituyen en relaciones lineales artificialmente aisladas entre entidades separadas, estáticas.

  (Da Vinci) Si un solo punto situado en un círculo puede ser origen de infinitas líneas, y el límite de las infinitas línea que divergen de tal punto lo constituyen infinitos puntos que, sumados, vuelven a ser uno, concluiremos que la parte es igual al todo.

  (Paz) la persecución de un objeto que se aleja infinitamente implica un movimiento igualmente sin fin. Este movimiento metafísico, a diferencia del material, no puede ser sino perpetuo y, por tanto, circular. Una carrera en la que el sujeto alcanza a su objeto sólo para desprenderse de él y correr de nuevo en su busca.

  (Da Vinci) 1. La superficie es el límite del cuerpo. 2. El límite del cuerpo no es parte de ese mismo cuerpo.4.el límite de un cuerpo es principio de otro cuerpo. 3. Lo que no es parte de cosa alguna nada es. Nada es lo que nada ocupa.
  (Paz) la condenación de ver se convierte en la libertad de la contemplación.

   

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  (Eco) ECO,Umberto. La estructura Ausente. Introducción a la semiótica. Pág 36. Arranque del primer capitulo El universo de señales de la sección A La señal y el sentido.
  (Arnheim) ARNHEIM, Rudolf. Hacia una psicología del Arte., Capítulo Un análisis perceptual de un símbolo de la interacción. Pág. 208-226. 1996.
  (Derrida)  DERRIDA, Jaques. la Estructura, el signo y el juego en el discurso de las ciencias humanas. 1966. Pag. 2, 3.
  (Paz)  PAZ, Octavio. La apariencia desnuda. La obra de Marcel Duchamp. 1973. Comentarios sobre el gran Vidrio.
  (Da Vinci) Leonardo Da Vinci. Tratado de Pintura.

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  Isabel Durán comisaría la exposición de José Bedía: Entre dos Mundos

  Posted: 26-January-2012, 8:24pm CET by Ana Rico-Bornay

  El viernes 27 de enero José Bedia (Cuba) ofrecerá una charla a las 19:15 horas antes de inaugurar la exposición. El artista hablará de pautas creativas y las bases fundamentales que centran su trabajo.

  Fechas de la exposición: Del 27 de enero al 18 de marzo de 2012.
  De lunes a sábado de 11:00h a 20:00h.
  Domingos y festivos de 11:00h a 15:00h.
  Salas Frida Khalo y Diego Rivera.

  El pintor cubano José Bedia presenta en Casa de América su última muestra con más de 30 dibujos en los que las tradiciones afrocubanas, la influencia indígena y los choques culturales son los protagonistas.

  Considerado como uno de los artistas contemporáneos más importantes de Latinoamérica, Bedia trae por primera vez a Madrid un sugerente viaje plástico entre culturas.

  Como los grandes artistas, José Bedia (La Habana, 1958) construye espejos en los que nos podemos ver con muy diferentes aspectos y así aprender un poco más de nosotros mismos. No es aventurado llegar a decir que su objetivo se sitúa en enriquecer a las personas ayudándolas a comprender que hay muchas formas de vida diferentes y que de todas se aprende a construir seres humanos en plenitud.

  Bedia basa su trabajo en un tratamiento crítico y antropológico de pueblos y culturas con orígenes ancestrales en su mayoría. Muchas de sus obras están inspiradas en tradiciones afrocubanas vivas actualmente en su país, pero también estudia y trabaja sobre culturas de origen amerindio como los siux, yakis, cheroquis u originarias de América Latina, Australia u Oceanía. Esto es, sobre culturas no occidentales.

  En muchísimas ocasiones Bedia convive con estas personas tratando de empaparse verdaderamente de todo tipo de detalles que conforman su ?manera de vivir?. Es una suerte de trabajo de campo, con el rigor que establece la ciencia antropológica, pero que no busca ningún orden científico posterior. Su finalidad es la creación de una estructura de reflexión artística.

  Lo que Bedia quiere sacar ?de ellos? es el conocimiento profundo del por qué de sus costumbres y creencias, comprender los procesos de desarrollo de otras formas de vivir. Es una especie de ?estar y ?vivir? allí? con ellos, para luego terminar en un ?vivir aquí?, entre nosotros, parafraseando al antropólogo estadounidense Clifford Geertz.

  El atractivo formal del trazo de su dibujo fortalece intensamente la eficacia de esa reflexión. La forma plástica escogida por Bedia es particularmente eficaz. En el caso concreto de esta exposición, la mayoría de las piezas tienen como soporte un papel que remite a lo originario por estar hecho a mano o tener un carácter muy poco industrial. Sobre este ?sencillo? soporte se plasman las ideas. Él dice: ?Los materiales deben ser sencillos como las ideas. No me gustan las decoraciones innecesarias ni los barroquismos?. Pues bien, con esa incisiva sencillez usa el carbón, el óleo, el acrílico? aplicado muchas veces directamente con las manos como en una especie de transmisión directa de la voluntad de estar verdaderamente dentro de la obra.

  Así, sencillamente Bedia nos interpela. Nos llama. Y, ¿qué pasa? Que nos enseña lo que hay de verdad, sin ruido, sin el trastorno de lo que no vale la pena. Así es su obra: un terreno despejado que nos deja ver los dos mundos entre los que él dibuja y nosotros vivimos.

  Comisaria: Isabel Durán.

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  Guillermina Caicoya. Illán Argüello en la Galería Guillermina Caicoya: Theredproject.

  Posted: 23-January-2012, 4:18pm CET by Ana Rico-Bornay

  Hasta el 23 de febrero de 2012

  Illán Argüello. Madrid, 1968

  La obra de Illán Argüello se basa en la arquitectura como elemento cotidiano de nuestro entorno, en donde se desarrolla el ochenta por ciento de nuestra actividad diaria. Su obra se caracteriza por una iconografía austera en la que destacan los elementos geométricos y los artefactos inverosímiles. A través de dichos iconos invita a reflexionar sobre cómo es posible conciliar el contexto arquitectónico, llevándonos a observar y a reelaborar nuestro entorno habitual, desnaturalizado y aséptico. Sus edificios y paisajes se convierten en referentes de limpieza cristalina, casi transparentes, en espacios que se configuran como una estepa de fondo infinitesimal. El artista lo concibe como una simultaneidad de estados de ánimo. En el proceso de la creación de una imagen, lo primero que pasa por la mente del pintor es fabricar una sensación que determine una totalidad atmosférica donde conecten varios planos, como se da en la métrica de un poema.
  Posee obra, entre otras colecciones, en el Museo Municipal de Arte Contemporáneo de Madrid, la Fundación Wellington, la Fundación Alberto Jiménez-Arellano Alonso, Valladolid, y en la Colección Unión Fenosa.

  La exposición está compuesta por un total de 25 obras de formatos regulares 81x100cm. y 65x81cm. y una serie de pequeño formato.

  GUILLERMINA CAICOYA GALERIA
  Asturias, 12.
  Oviedo
  T +34 985 242 503
  info@galeriacaicoya.com

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  Marina Nuñez en el Espacio Marzana de Bilbao

  Posted: 23-January-2012, 4:29pm CET by Ana Rico-Bornay

  

  Hasta el 9 de marzo de 2012.

  Marina Nuñez presenta obras de reciente producción, infografías y dibujos, la mayoría realizadas específicamente para esta exposición, que exploran diversos tipos de metamorfosis que convierten cráneos humanos en mutantes humanoides.

  Las cabezas deformadas, sometidas a fuerzas internas y ajenas que las transfiguran, pueden sugerir experimentos fallidos, malogradas tentativas frankensteinianas, aunque su inconsistencia, su fluidez, no tienen por qué entenderse como un proceso de declive, también pueden evocar cambio y regeneración.

  Los rostros se tensan, se disgregan, se rompen, explotan, se derrumban y se yerguen reconvertidos sus rasgos en otros, monstruosos según el canon dominante, excitantes si se plantean como un territorio ignoto capaz de dejar atrás viejas servidumbres. Porque los límites de la piel simbolizan los límites de las personas, pueden verse como representaciones de firmeza y coherencia, pero también como armaduras o camisas de fuerza que nos inmovilizan y asfixian.

  Marina Núñez ha expuesto individualmente en centros públicos como el Espacio Uno del Reina Sofía, la sala La Gallera de la Comunidad Valenciana, la Fundación Pilar y Joan Miró en Palma de Mallorca, la Iglesia de Verónicas en Murcia, el Centro de Arte de Salamanca, la Casa de América en Madrid, el Instituto Cervantes en París, La Panera en Lleida, el Musac en León, el Centre del Carme en Valencia o la Sala Rekalde en Bilbao.

  Su obra figura en colecciones de varias instituciones, entre las que podemos nombrar el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Artium de Vitoria, el MUSAC de León, el Patio Herreriano de Valladolid, el TEA de Tenerife, la Fundación ?La Caixa?, o la Corcoran Gallery of Art de Washington DC.

  ESPACIO MARZANA
  Muelle Marzana 5.
  48003 Bilbao
  94 416 75 80 -
  espaciomarzana@yahoo.es –

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  Pilar Serra. Pablo Genovés en la Galería Pilar Serra: Cronología del ruido

  Posted: 23-January-2012, 4:36pm CET by Ana Rico-Bornay

  Inauguración: 24 de enero de 2012
  Hasta el 17 de marzo de 2012

  Tras Prec ipitados, primera individual de Pablo Genovés en la galería Pilar Serra, se presenta ahora Cronología del ruido, exposición en la que retoma su particular proceso de resignif icación de espac ios simbólicos de la cul tura occidental desde la combinación de medios y signos, y del gusto por el contraste y lo inesperado.

  ?¿Es posible la renovación, cuando la catástrofe se erige ante nosotros como el estado
  natural y eterno de las cosas? En las imágenes de Pablo Genovés, la destrucción
  transgrede las leyes del tiempo y establece su propia cronología. Los símbolos y
  ficciones de nuestra cultura sucumben aparentemente ante la irrupción de lo
  indomable: naturalezas mecánicas, monumentales en su desmesura y ya fuera de
  todo control. Pero tras esta agresión se esconde un pacto secreto de avenencia. Lo
  preexistente y su final se ofrecen conscientes el uno al otro, al calor de una intimidad
  histórica. En esta Cronología del ruido, los espacios de representación ?museos,
  teatros o iglesias? se revelan como enormes aparatos de ingeniería: maquinarias de
  generación de mitos que al resquebrajarse muestran sus tripas de acero. En sus
  imágenes, Genovés ubica nuestros mitos y valores en un arco de tiempo y los tensiona
  hasta su límite, hasta el momento inmediatamente anterior al desgarro, necesario
  para la percusión. Como el metal que, al ser golpeado, reproduce fielmente un ruido
  de tormenta?.

  Lucia Carballal

  En este texto de la escritora Lucía Carballal se pone de manifiesto la fuerte complejidad de la obra de Pablo Genovés. Un trabajo lleno de cambios y de tiempos. Tiempos históricos, cronológicos y climáticos que se entremezclan y sobreponen de una forma alquímica para construir un significado ?otro? de la realidad, más allá de la apariencia, que pretende desenmascarar la unívoca identidad de ciertos símbolos: pasados y presentes. Así, palacios, bibliotecas o catedrales, reflejos respectivamente del poder, el saber y la religión de una época, son invadidos violentamente por elementos ajenos, que los modifican y pervierten ?no sabemos si de forma perpetua? en un momento suspendido ?el que retrata Genovés?, fin e inicio de algo, que supura el silencio que precede y sigue a las grandes catástrofes. Y en todo ello juega un papel central el espectador, que presencia desde un lugar privilegiado estas sinergias de otros mundos; y que, situado en el medio de este ?escenario?, se convierte en el protagonista e intérprete obligatorio de un nuevo saber en este comienzo de era.

  Expuesta en toda España, la obra de Pablo Genovés ha sido además presentada (individual y colectivamente) en Francia, Alemania, Inglaterra, Argentina, Brasil y EEUU. Sus fotografías forman parte de colecciones nacionales e internacionales tan relevantes como la Fundación Coca- Cola, Circa XX, Banco Spirito Santo, Patio Herreriano, CAC Málaga, Museo de la solidaridad Santiago de Chile, etc.

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  Gema LLamazares. Gabriel Truan en la Galería Gema LLamazares: anomia

  Posted: 23-January-2012, 5:10pm CET by Ana Rico-Bornay

  

  Gabriel Truan

  Hasta el 16 de febrero de 2012.

  He olvidado aquella palabra que significa las posibilidades de una figura geométrica inscrita en
  el mundo. Un vistazo a mi alrededor me confirma la existencia de una extensa variedad de estilos; el
  aislamiento es forma tan estática como estética; la pintura registra el instante por el que se filtran las
  ideas, no siempre certeras, la mayoría de las veces con la única vocación de relacionarse entre sí.
  Una nota de Scelsi, un cuervo, nubes, encuentros y desencuentros, un perro veneciano, la costa
  bretona, montañas de Asturias, landas y tramas, un escudo, la llamada atenta del contrasentido, una silla
  de ruedas, un dibujo de Holbein, polaroids, la pared, muerte y pesadillas, la vigilancia de aquello con lo
  que hemos de vivir.
  Esta serie comenzó tal vez en la plaza de San Giacomo dall?Orio, en Burdeos o en Basilea, se desarrolló
  en capítulos, con la necesidad del homenaje que implica hoy toda pintura; luz y sombra de frágiles
  límites, territorio acuciado por el error y la verdad, por el gesto que se acerca y se aleja de la superficie.
  Valores conceptuales en el tiempo, ilusión cinematográfica, toxicidad, terreno de juego, carne,
  peligro, ironía, dignidad, lo anhelado y lo imposible, ganancia de la naturaleza, humanismo, paisaje.
  Ocupar un espacio. Desde la primera tela escrita a máquina hasta la saturación de la materia
  negra y oleosa que sale del tubo, negro humo que se adhiere y se evade y se oculta ya sin la sucesión
  arbitraria de las horas. Extraños elementos remiten a una ficción. Y el espejo se hace a veces necesario
  para mostrar lo que dejamos atrás.

  diciembre 2011

  Gema Llamazares Galería de Arte
  Instituto 23
  Gijón
  Asturias

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