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Civivox Iturrama acoge, ?Fuera de Juego?, una reflexión artística realizada por pacientes de la Clínica de Rehabilitación Mental de Pamplona
El arte como juego en el que se ponen en marcha recursos internos de la persona que permiten la comunicación con la conciencia y su curación. Esta es la idea del creador Jorge Oteiza que se ha recogido en las sucesivas ediciones del premiado proyecto pedagógico del Museo Oteiza. La exposición ?Fuera de Juego? presente en Civivox Iturrama , es la última de sus plasmaciones: 36 pacientes de la Clínica de Rehabilitación Mental San Francisco Javier han estado trabajando en colaboración con el Museo, en torno a los contenidos de la exposición, ?Homo ludens?, programada en ese centro. Sus resultados: reflexión y trabajo creativo que se plasman en 8 proyectos que ofrecen visiones muy personales sobre ajedrez, cartas y fútbol, siempre en el entorno de la poesía. La exposición estará abierta al público de 1 al 25 de febrero, en horario de 9 a 21 horas de lunes a viernes, y sábado de 9 a 14 y de 17 a 21 (domingos cerrado). Esta muestra consolida la permanente colaboración entre la Fundación Museo Jorge Oteiza y la Red Civivox, ya que el centro de Iturrama es la tercera iniciativa de este estilo que acoge, tras las dedicadas a los programas ?Construyendo sueños?, desarrollado con el Centro de Educación Especial el Molino (2009) y ?Tu caja, mi refugio?, con el Centro Penitenciario de Pamplona (primavera de 2010). Este programa está incluido dentro del proyecto pedagógico del Museo Oteiza, ?La práctica pedagógica como acción social?, que recibióel segundo premio de la II Convocatoria Internacional del Premio Iberoamericano de Educación y Museos, promovido por la organización Ibermuseos.
La exposición presenta un conjunto de ocho proyectos, que ofrecen visiones muy personales de diferentes juegos, como una baraja de cartas, un futbolín, una instalación de playmobils o una equipación de fútbol, todo ellos intervenidos y transformados por los participantes del taller, desde sus propias vivencias, experiencias y sensaciones. En este escenario, los veinte participantes han jugado a ser poetas, fijado sus propias reglas de ajedrez, mostrado sus verdaderas cartas, se han transformado en diminutos muñecos para invadir su ciudad e, incluso, han participado en un complejo partido de fútbol.
Este programa ha utilizado los recursos propios del juego, que acompaña al ser humano a lo largo de toda su vida, para incidir en el mundo emocional. En este sentido, la experiencia lúdica unida al proceso creativo del arte, ha servido para potenciar la comunicación y la sociabilización y mejorar los estados anímicos de la persona, en una experiencia que, por primera vez, ha permitido que el arte y el Museo Oteiza se hayan convertido en una herramienta terapéutica para los pacientes de la Clínica. El proyecto tendrá continuidad durante 2012 con un nuevo programa de talleres que se iniciarán a partir del mes de marzo en la Clínica de Rehabilitación Mental, que se vincularán al laboratorio experimental de Jorge Oteiza y contará con la ayuda económica de la Fundación La Caixa.
El artista Asier Mendizabal (Ordizia, 1973), ha focalizado su trabajo artístico en torno a los mecanismos de representación de lo simbólico, en especial, en referencia a la formalización de lo político a través de lo artístico, concretamente, de lo abstracto. La tensión producida por los mensajes políticos y la estética de su medio de reproducción han constituido el objeto de muchos de sus proyectos, que ahondan en los mecanismos que conforman el dispositivo de la representación y la producción del mensaje. Su trabajo, a lo largo de estos años, se ha referido a procesos concretos de ficciones colectivas producidas desde las vanguardias a la actualidad y ha obtenido visibilidad pública en las exposiciones celebradas en el MACBA , Artium, como uno de los premiado en la vigésima edición del certamen Gure Artea, la última edición de la Bienal de Venecia o la reciente exposición en el Museo Reina Sofía de Madrid , donde se produjo este vídeo-entrevista:
Actualmente, Mendizabal presentado su trabajo en la sala londinense Raven Row, donde muestra algunos de sus últimos trabajos, junto con otros proyectos más recientes. Concretamente, Mendizabal ha producido el proyecto A letter arrives at its destination, que revisa el devenir el Concurso internacional para la realización del Monumento al prisionero político desconocido, organizado por el Institute of Contemporary Arts en 1952 en Londres, en el contexto de la guerra fría, y al que Oteiza presentó un proyecto que fue seleccionado para su posterior exposición en Londres un año más tarde, junto con las propuestas de otros artistas del momento como Max Bill, Pevsner, Barbara Hepworth, Naum Gabo, Calder, o incluso Pablo Serrano, que en este caso representaba a Uruguay, además del premiado Reg Butler.
Mendizabal ha producido una edición en formato póster, que incluye la imagen de la maqueta presentada por Oteiza, junto con un texto que pone en cuestión el conflicto de la representación que evidenció el desarrollo del proyecto, intercalando las reflexiones de Oteiza dirigidas al jurado y que publicó en la Revista Nacional de Arquitectura.
La intervención de Mendizabal resulta sugerente por muchas razones. Primero, porque el Concurso evidenció un momento crítico del arte de mediados del siglo XX, en el que confluían de modo algo caótico diferentes tradiciones estéticas, todavía ligadas a las tendencias postfigurativas o a las de las vanguardias de principios del Siglo XX, enmarcadas en las tensiones políticas postbelicas del momento.
La selección de proyectos seleccionados permite visualizar de manera muy clara ese escenario. En ese sentido, resulta también muy interesante comparar los proyectos con otros monumentos o memoriales postbelicos realizados en otros países en aquellos años. Quizás, uno de los más interesante, que integra con claridad la tradición experimental y abstracta sea el realizado por el colectivo BBPR, en 1946, en el cementerio de Milán, en este caso dedicado a los caídos en los campos de concentración alemanes.
Segundo, porque el Concurso y su azaroso devenir posterior permite visualizar cómo las dos grandes ideologías políticas del momento, la socialista-comunista, por un lado, y la liberal-capitalista, por otro, pugnaron por defender un modelo distinto: la estética figurativa y realista adoptada por el socialismo y el lenguaje abstracto patrocinado por Estados Unidos como símbolo de la libertad del sistema capitalista. Tercero, porque todo ello manifiesta cómo comenzaba a actuar en Europa la política cultural promovida por los Estados Unidos, representada, en este caso, en la figura de Anthony T. J Kloman, promotor del concurso y que presionó para imponer los proyectos ligados a lenguajes abstractos, lo que provocó el boicot de los países del llamado Bloque del Este (en ese sentido, resulta muy esclarecedora la lectura del volumen La CIA y la guerra fría cultural, de Frances Stonor Saunders).
Por último, resulta también significativo que una parte del público y de la crítica denostaron las propuestas más abstractas por considerarlas poco comprometidas o laxas en su capacidad de simbolizar la denuncia de la Guerra o de la memoria de los campos de concentración, muy impregnada en la conciencia colectiva ya fracturada de esos años. Todo ello hacen de este proyecto un acontecimiento ciertamente valioso para comprender el inicio de una nueva era que transformó la historia de la cultura hasta el final de la llamada Guerra fría. Y pone de relieve, en definitiva, las tensiones inherentes al concepto de monumento, derivadas de la intervención en el espacio público y compartido, en un mapa simbólico que supera los márgenes del museo o la galería y que debe negociar con lo colectivo. Es el momento de asistir al conflicto siempre presente de la representación, más acusado aquí por un contexto político y cultural singular y extremo y por su colisión con lo Real, que ha había manifestado durante la Guerra de modo lacerante y dramático.
Asier Mendizabal da cuenta de todo ello en su texto, en el que se incluyen las consideraciones que Oteiza dirige al jurado, en las que realiza su particular aportación a la necesidad de superar lo que denomina como ?confusión acerca de la naturaleza de la escultura?. Oteiza defendió en esa carta abierta dirigida al jurado (que nunca llegó a su destinatario, como incide el título del proyecto de Mendizabal, dado que no trascendió el ámbito nacional) un posicionamiento estético experimental que conciba que la simbolización del monumento no se produce exclusivamente en el tratamiento de su materia y su afán representativo, sino también de su capacidad para activar el espacio y de encarnarse en una estructura de raíz experimental y abstracta. ?Esto no significa que la estatua ha perdido su naturaleza, sino que ésta se ha transformado. La estatua se ha hecho liviana, su naturaleza formal, el régimen de tensiones en el espacio ha cambiado?, señala Oteiza, que vinculó la significación de su proyecto con el del mito de Prometeo y la figura del hiperboloide. ?La falta de una auténtica vocación de conocimiento, la debilidad estética del alma del escultor, es esta superficialidad de una arte abstracto insuficientemente experimental y la crisis de todo el arte más reciente y de la crítica contemporánea?. En ese sentido, resulta también muy significativo ver que las referencias de Oteiza inciden con precisión en la raíz del problema de la representación que evidenció el Concurso, de modo algo idealista, si bien el escultor era seguramente ajeno a lucha de poder entre las dos grandes ideologías del siglo XX por acaparar el paisaje simbólico que en aquel momento se estaba fraguando.
La propuesta de Oteiza anticipaba ya algunas de las claves del desarrollo estético de su obra posterior, de su Propósito Experimental y el autor interpretó posteriormente esa primera maqueta realizando otras versiones, quizás más acordes con la estética concisa y sintética que adquirió su obra en años posteriores. En cualquier caso, esa deriva del proyecto resulta también significativa e intrigante. Porque, años más tarde, en 1967, Oteiza erigió en una propiedad particular una intervención (luego trasladada a otro emplazamiento) que adaptaba el proyecto original, y que ya sólo por su nueva ubicación le otorga un carácter simbólico completamente diferente.
Muchos años más tarde, en 1999, el artista guió la colocación de una nueva versión de esta pieza en la Plaza Félix Huarte de Pamplona, en la que la distancia entre los dos elementos confrontados diluye la activación espacial de la pieza inicial, que ya aquí perdió todos los referentes originales del prisionero político o de Prometeo, para pasar a denominarse, de modo más metafórico y menos político, Homenaje al espíritu. Más cercano, sin duda, del cielo que de la tierra que acogió los campos de concentración de los prisioneros políticos de la Gran Guerra.
El Museo presenta dos piezas inéditas de Oteiza pertenecientes a su primer periodo creativo
Las obras ?Mujer ante el espejo? (1939) y ?Figuras familia? (1951) se exponen en Alzuza gracias a un depósito de la Galería Carreras Mugica
La representación de la época figurativa de Jorge Oteiza se ha completado en el museo de Alzuza con la integración en la exposición Oteiza. La colección, de dos piezas inéditas correspondientes al primer periodo creativo del artista de Orio. Se trata de las obras Mujer ante el espejo, realizada en Buenos Aires en 1939 y Figuras familia, realizada por Oteiza en 1951, a los pocos años de su regreso de América. Ambas obras se mostrarán por primera vez al público, durante un periodo mínimo de un año en el Museo, gracias al depósito realizado por la Galería Carreras Mugica de Bilbao, propietaria de ambas esculturas,
Estas dos piezas se integrarán en el espacio que testimonia los primeros derroteros creativos de Jorge Oteiza, que acoge obras de principios de los años treinta, piezas realizadas durante su periplo americano (1935-48) y otras esculpidas inmediatamente después de su regreso. En el ámbito de la obra realizada en Latinoamérica se enmarca la incorporación de la pieza Mujer ante el espejo (49,5 x 19 x 25 cm.) realizada en cerámica esmaltada, una obra singular dentro de su producción creativa.
Realizada en Buenos Aires en 1939, se trata de una obra que engarza con el discurso expresionista de sus primeras piezas, jugando con una realidad en la que el espejo en el que se mira la mujer amplifica el espacio, casi velazqueño, que más tarde retomará en sus obras. El rostro reflejado no es una mera incisión, sobresale del plano del espejo en un juego de irrealidades, delimitando un modo compositivo que no se volverá a encontrar en su obra posterior y que constituye un punto de inflexión en su búsqueda artística.
Jorge Oteiza residió en Buenos Aires entre 1936 a 1942 y en 1941 ejerció como profesor de la Escuela Nacional de Cerámica. Un año más tarde, fue contratado por el gobierno colombiano para organizar la enseñanza de la cerámica en Colombia y ejerció el profesorado en la Universidad de Popayán. La escultura fechada el 8 de noviembre de 1939 y está dedicada a Elena Jiménez, hija Pedro Jiménez Ilundain (industrial e intelectual navarro que mantuvo un extensa correspondencia con Unamuno), que la recibió como regalo de cumpleaños. El Museo Oteiza conserva tres dibujos relacionados con la escultura Mujer ante el espejo.
Por su parte, Figuras Familia, realizada 1951 en piedra caliza blanca (33 x 12 x 10,5 cm.), pertenece a las obras figurativas iniciales de Jorge Oteiza, dentro del grupo de obras que realiza en Bilbao entre 1949 y 1951, tras su regreso de América y antes de instalarse en Madrid.
La singularidad de esta pieza es que una de las figuras representadas dispone de rostro en el anverso y reverso. De este modo, Oteiza trabaja con la idea de la simultaneidad, es decir, con dos momentos diferentes de una misma figura dados al mismo tiempo. Esto ocurre en otras obras, como Ensayo sobre lo simultáneo, realizada en ese mismo año. En este periodo, Oteiza trabaja en el debilitamiento de la expresión figurativa y en la proyección espacial de la representación de la figura. Aquí, como en otras obras de este periodo, los volúmenes aparecen aplastados y orientan sus planos hacia puntos convergentes en el exterior de la materia.
Estas dos piezas forman parte de la Colección de la Galería Carreras Mugica de Bilbao, que ha suscrito un depósito con el Museo Oteiza para su exhibición en el centro por un periodo de un año renovable.
Los diversos análisis e interpretaciones que Jorge Oteiza realizó acerca de las manifestaciones artísticas prehistóricas y su estudio del crómlech pirenaico, como manifestación de un espacio ?espiritual? , constituyen el punto de partida de la intervención que el artista Pedro Osés realiza en el Museo Oteiza. Su proyecto, titulado ?El crómlech, lugar sagrado? interpreta las reflexiones de Oteiza en un proyecto narrativo y pictórico de carácter efímero, que el artista ejecutará los días 1, 2 y 3 de diciembre en el Museo Oteiza, a la vista del público del centro.
Osés ha planteado esta intervención, que se desarrolla dentro del programa ?Interpretaciones?, que cuenta con la colaboración de la Mancomunidad Comarca de Pamplona y de Obra Social de Kutxa, directamente sobre uno de los muros del Museo Oteiza. Sobre una superficie de 210 x 310 cm. realizará un collage de carácter efímero, que incluirá textos, dibujos y otros elementos pictóricos que compondrán un tejido narrativo y plástico que se podrá contemplar en el Museo Oteiza hasta la fecha de finalización del proyecto, el 15 de abril de 2012. El artista realizará esta intervención los días 1 de 2 de diciembre en horario de apertura del Museo (de 10.00 a 15.00 horas) y el sábado día 3 de 11.00 a 15.00 horas y compartirá su proceso creativo con los visitantes que se interesen en conocerlo.
Las interpretaciones estéticas de Oteiza acerca de los crómlechs como señalamientos de un espacio vacío simbólico que analizó en sus publicaciones y con los que mantuvo un diálogo en su obra ?Homenaje al Padre Donosti?, realizada en 1959 en la estación megalítica de Agiña, constituyen las referencias que alumbraron el germen del proyecto de Osés. ?Cuando se me propuso realizar una interpretación de la obra de Oteiza, recordé que en el Quousque Tandem, leído hace mucho tiempo, me interesó la parte en la que se hablaba del crómlech. Según Oteiza, suponía la culminación artística del hombre de su época, el círculo de piedras representa el vacío total y no un lugar de enterramiento. Para Oteiza, es arte religioso que tiene que ver con el término en euskera Uts que representa el firmamento, lo trascendente, vacío?, explica Osés. ?Cuando he visto en el monte esas construcciones me he preguntado por qué las hicieron y por qué en esos lugares. Creo que son puntos donde hay una energía especial y que por eso están así señalados en la naturaleza, de la misma manera que en el cuerpo humano existen meridianos y miles de puntos de energía?.
Su intervención en el ciclo ?Interpretaciones?, se realiza después de las de otros artistas como, Pedro Salaberri, José Miguel Corral, Iratxe Montero, David Rodríguez Caballero, José Ignacio Agorreta, Koldo Sebastián, Manu Muniategiandikoetxea y Florencio Alonso, e incluye la edición de una publicación homónima.
Pedro Osés (Pamplona, 1942), es un autor con una dilatada trayectoria artística que le ha mostrado mostrar su obra plástica en decenas de exposiciones individuales y colectivas y ha combinado lo pictórico junto con otras disciplinas vinculada a la ilustración y el cómic (www.pedrooses.com).
El proyecto ?Oteiza gorputzetik- desde el cuerpo?, presentado por Oihane Andueza, ha recibido la Beca Museo Oteiza-Kutxa para un proyecto educativo, en su tercera edición correspondiente a 2011-2012, por una propuesta cuyo principal objetivo trabajar la expresión corporal en relación con la obra de Oteiza, que está dirigida a colectivos afectados por discapacidades intelectuales.
Este proyecto tiene como objetivo trabajar diversos aspectos presentes en la escultura de Oteiza, como el espacio, el hueco, el movimiento a través de la expresión corporal y la danza con un grupo de adultos de diversas discapacidades intelectuales. Con este trabajo se pretender reforzar las condiciones inherentes a la condición humana, tales como la confianza, la desinhibición y el movimiento, en relación con las cualidades formales, estéticas y conceptuales de la obra y el pensamiento de Oteiza. Para ello, se interactuará con materiales propios de la creación plástica, como la arcilla, el papel o pintura. El resultado del proyecto se podrá contemplar en una representación escénica, que tendrá lugar en el propio Museo Jorge Oteiza o en otros espacios que se consideren oportunos.
Oihane Andueza es Diplomada en Magisterio por la Universidad Pública de Navarra y, en la actualidad, compagina su labor como docente en Educación Infantil con el mundo de la danza contemporánea.
La decisión de fallar a favor de este proyecto fue tomada el pasado 22 de noviembre por la Comisión de Evaluación de la Beca Museo Oteiza-Kutxa, formada por el presidente del Patronato de la Fundación Museo Jorge Oteiza, Pedro Manterola; su director, Gregorio Díaz Ereño; el director del DEAC del Centro Huarte de Arte Contemporáneo de Huarte, Koldo Sebastián; la responsable de Didáctica del Museo Oteiza, Aitziber Urtasun; y el responsable de Relaciones Institucionales de Kutxa Obra Social, Iñaki Almandoz, La dotación de la beca es de 6.000 euros, 3.000 para su conceptualización y otros 3.000 para la ejecución de la actividad.
El Museo Oteiza, en colaboración con la Delegación de Navarra del Colegio de Arquitectos Vasco Navarro, ha organizado el taller de arquitectura para niños ?Aranzan-zu?? Este taller está dirigido a niños con edades comprendidas entre los 6 y los 11 años y será impartido por el Estudio Maushaus
El objetivo del taller es la búsqueda de la relación esencial de la arquitectura y las demás artes, haciendo una puesta en valor de las realizaciones escultóricas y pictóricas como elementos constructivos de la Basílica de Aranzazu. La actividad se articular en dos sesiones de trabajo (las primera los días 28 y 29 de diciembre y la segunda, los días 4 y 5 de enero de 2012, de 11.30 a 13.30 horas) en las que el resultado final será una maqueta-interpretación de la Basílica de Arantzazu realizada con materiales tan diversos como el cartón, plástico líquido, pasta blanca y témperas.
La publicación ?Intrusos en la casa. Arte moderno, espacio sagrado? revisa la renovación del arte religioso en el siglo XX
Analiza la prohibición del proyecto de Arantzazu aportando numerosa documentación inédita
?Intrusos en la casa. Arte moderno, espacio sagrado. Arantzazu, Assy, Audincourt, Rothko Chapel, Vence, 1950-1971?.
Edita la Fundación Museo Jorge Oteiza en colaboración con Obra Social de Kutxa.
Autores: Jon Echeverría y Friedhelm Mennekes.
452 páginas. 28 euros.
La destrucción causada en Europa por las dos Guerras Mundiales tuvo importantes consecuencias en las relaciones entre la Iglesia Católica y el arte moderno. Ante la necesidad de construir nuevos templos o de reconstruir las dañados, surgió la pregunta sobre qué estilo debía de seguirse, ya que un abismo separaba el arte más avanzado de la época de los modos de representación auspiciados por la Iglesia Católica. La publicación ?Intrusos en la casa. Arte moderno, espacio sagrado. Arantzazu, Assy, Audincourt, Rothko Chapel, Vence, 1950-1971? editada por el Museo Oteiza en colaboración con Kutxa, analiza las implicaciones estéticas y culturales de este intento de renovar el arte religioso del arte moderno, al mismo tiempo que revisa las polémicas y prohibiciones que rodearon la construcción de la nueva Basílica de Nuestra Señora de Arantzazu (1950-1969), en la que participaron artistas como Jorge Oteiza, Carlos Pascual de Lara, Néstor Basterretxea, Eduardo Chillida, Xavier Álvarez de Eulate o Lucio Muñoz, y que constituye un hito en la historia de la arquitectura y la plástica de mediados del Siglo XX.
La publicación cuenta tres capítulos esenciales. El primero de ellos corresponde al texto homónimo de Jon Echeverría (Doctor en Humanidades por la Universidad Pompeu Fabra por su tesis sobre Oteiza e investigador en la Universidad der Künste de Berlín), en el que realiza una aproximación analítica e histórica a la crisis de renovación de la imaginería religiosa. Porque, si se asume que el Románico o el Gótico son la expresión de las características o de las particularidades de un período histórico concreto, ¿bajo qué presupuestos estilísticos se debían de acometer los trabajos de construcción o reconstrucción de iglesias en pleno siglo XX? Este estudio analiza este problema al que se enfrentó un sector de la Iglesia Católica y que, no sólo impulsó una profunda reflexión en el ámbito de la arquitectura religiosa, sino también en el de las artes plásticas. En el período entre las dos guerras y, sobre todo, a partir de 1945, la cuestión de la naturaleza de las imágenes y de las formas plásticas destinadas a los nuevos espacios religiosos generó un intenso debate tanto dentro como fuera de la Iglesia. En el centro de estos debates se analizan varios proyectos emblemáticos, que son analizados aquí, como las de Notre-Dame-de-Toute-Grâce en Assy, Sacré Coeur en Audincourt, o la capilla del Rosario en Vence, cuya construcción es impulsada por los sectores más progresistas de la Iglesia y donde participan destacados artistas modernos (entre otros, Henri Matisse, Georges Braque, Georges Rouault, Fernand Leger, Jacques Lipchitz, Marc Chagall, Germaine Richier y Jean Bazaine).
Entre ellos, adquiere una significación mayor el de la construcción de la Basílica de Arantzazu, que provocó la prohibición, por parte de la Comisión de Arte Sacro del Vaticano, de parte de las intervenciones artísticas.
El segundo capítulo del libro está formado por una extensa selección documental, la mayoría de ella inédita, referida al proceso de construcción de la Basílica de Arantzazu, que recogen los testimonios de los artistas, las características de las obras y las cuestiones vinculadas a la prohibición vaticana.
Por último, la publicación se completa con un texto de Friedhelm Mennekes (director de la Kunst-Station de Colonia y experto en Beuys y en el arte religioso), ?Las huellas de lo espiritual en el arte contemporáneo?, que analiza la presencia de lo religioso en las obras de artistas actuales, a la vez que revisa y documenta las proyectos expositivos y publicaciones internacionales realizados desde 1980 en torno a este tema.
?Actividad pedagógica
En paralelo a la publicación del libro, el Museo Oteiza, en colaboración con la Delegación de Navarra del Colegio de Arquitectos Vasco Navarro, ha organizado el taller de arquitectura para niños ?Aranzan-zu?? Este taller está dirigido a niños con edades comprendidas entre los 6 y los 11 años y será impartido por el Estudio Maushaus
El objetivo del taller es la búsqueda de la relación esencial de la arquitectura y las demás artes, haciendo una puesta en valor de las realizaciones escultóricas y pictóricas como elementos constructivos de la Basílica de Aranzazu. La actividad se articulará
en dos sesiones de trabajo (las primera los días 28 y 29 de diciembre y la segunda, los días 4 y 5 de enero de 2012) en las que el resultado final será una maqueta-interpretación de la Basílica de Arantzazu realizada con materiales tan diversos como el cartón, plástico líquido, pasta blanca y témperas.
La construcción del vacío. Desde la escultura espacialista de Oteiza a la arquitectura del Museo de Sáenz de Oiza es el título de la conferencia Renato Bocchi, arquitecto y profesor de la Universidad de Venecia, ofrecerá el próximo martes 22 de noviembre en el salón de actos del Museo Oteiza.
Renato Bocchi intervendrá en el Museo Oteiza en una sesión (a las 19.00 horas) organizada en colaboración con la delegación de Navarra del Colegio de Arquitectos Vasco Navarro, después de su reciente intervención en el seminario Keywords / Places, celebrado en pasado 18 de octubre en el Instituto Politécnico de Milán, donde impartió la conferencia El proyecto del vacío: el Museo de la Fundación Oteiza de Sáenz de Oiza, que ahora presenta en un nuevo formato en el centro de Alzuza.
La intervención propone una mirada comparada entre la concepción del vacío en la arquitectura primigenia y la práctica contemporánea, en relación con la obra de autores plásticos actuales. La intervención consta de tres partes. La primera lleva por título El hueco y el vacío; la segunda, El espacio vacío en la obra de Eduardo Chillida y Jorge Oteiza, para concluir con El espacio vacío en la arquitectura de Oteiza y Sáenz de Oiza, relacionando estos autores con otros como Mies van del Rohe, Le Corbusier, Luigi Moretti, Craig Ellwood, Carlo Scarpa, Rem Koolhas, Kengo Kuma, o Juan Daniel Fullaondo.
Renato Bocchi (Trento, 1949) es profesor de composición arquitectónica y urbana en la Universidad IUAV de Venecia, donde dirigió el Departamento de Proyectos Arquitectónicos desde 2006 hasta 2009. El principal campo de su investigación es la relación entre arquitectura, ciudad y paisaje, sobre el que organizado seminarios, talleres y conferencias en muchas universidades europeas (Lisboa, San Sebastian, Las Palmas, Thessaloniki, Volos, Glasgow, etc.) y ha sido profesor visitante en la Universidad Nacional de La Plata, Argentina, en 2005.
Sobre estos temas ha coordinado (con M. Cunico y E. Fontanari) la serie de ocho conferencias internacionales “Dessiner sur l’herbe”, entre 2004 y 2010 y en la segunda Bienal de Canarias fue el director del seminario internacional “El vientre de la arquitectura (espacio y paisaje)”, 2009.Ha sido editor de la revista “Restauro & Città” (1990-95) y director de la revista de arquitectura “Archint”, 1998-2000. Actualmente dirige para la editorial Gangemi, Roma, la serie “Spazio Architettura Paesaggio?. Su libro más reciente es ?Progettare lo spazio e il movimiento?, editado por Gangemi, 2009.
El Museo Oteiza de Alzuza recuerda el viernes 21 de octubre el cumpleaños de Jorge Oteiza (Orio, 1908; Donostia-San Sebastián, 2003) con la celebración de una jornada de puertas abiertas, en la que se invita a todos los ciudadanos a visitar de forma gratuita sus instalaciones. Durante esta jornada, los visitantes podrán visitar la exposición “Oteiza 1908-2008. La colección”, que ofrece un recorrido integral por la evolución de la obra escultórica del artista, así como “Fragmentos de Luz estancada”, intervención de Florencio Alonso. Los visitantes podrán acceder también a la Casa-taller, en la que podrán visualizar diversos audiovisuales sobre el artista y su obra y encontrar unidades temáticas y geográficas vinculadas a las dimensiones biográficas y creativas del artista.
La exposición presenta un conjunto de ocho proyectos, que ofrecen visiones muy personales de diferentes juegos, como una baraja de cartas, un futbolín, una instalación de playmobils o una equipación de fútbol, todo ellos intervenidos y transformados por los participantes del taller, desde sus propias vivencias, experiencias y sensaciones. En este escenario, los veinte participantes han jugado a ser poetas, fijado sus propias reglas de ajedrez, mostrado sus verdaderas cartas, se han transformado en diminutos muñecos para invadir su ciudad e, incluso, han participado en un complejo partido de fútbol.
Locus Solus. Impresiones de Raymond Roussel
Alighiero Boetti
Aleksandr Deineka
