LRM Performance reflexiona en este artículo sobre las relaciones profesionales en el arte contemporáneo y sus consecuencias en la obra de los artistas. Publicado en el Nº8 de Antonia Magazine.
Puedes leerlo en Antonia Magazine y también descargarlo aquí: http://lrm-now.blogspot.com/2010/11/nue ... tonia.html


Grandes conceptos, Espacios Vacíos e Intereses espúrios

Independientemente de la obvia libertad estética de cada artista para hacer lo que quiera en su obra, reducir el trabajo formal ha sido la tendencia generalizada en la última década, en favor de obras siempre precedidas de amplia argumentación conceptual. Habría que preguntarse si ha sido una elección estética consciente o responde a una actitud interesada.

Es un hecho que los artistas se ven obligados a dedicar más tiempo a realizar contactos profesionales (o amigos, ya hablamos de esto) con comisarios, galerías e instituciones, o buscar ayudas y subvenciones que al trabajo en el taller, y por ello a menudo necesitan explicar la obra elaborando discursos conceptuales ad hoc.

Para algunos artistas es importante estar presentes, aunque sea presentando poco trabajo o ninguno físico; rellenar currículum con eventos culturales en los que se ha participado para poder optar a los futuros espacios expositivos, sin que importe el contenido real, físico de dichos eventos.

Por eso el Arte se burocratiza, para contentar a los mediadores que viven de él y de los cuales el artista depende. Y eso, finalmente pasa factura a la obra artística, que acaba siendo más elaborada conceptualmente que formalmente.

Argumentar conceptualmente una obra es relativamente fácil si se eligen las palabras y referencias apropiadas para que las escuchen las personas convenientes.

Las Facultades de Artes están especializadas en enseñar a sus alumnos el vocabulario específico, la jerga y las referencias de moda para que todo resulte coherente y haya un mensaje muy claro para el comisario o institución.
Coherencia desde ese punto de vista significa utilizar conceptos prefabricados creados para entornos controlados.

Este tipo de conceptualización provoca una infantilización del espectador, que siempre espera una explicación fácil y cómoda de lo que ve, escucha o toca. Dirige su pensamiento para homogeneizarlo con los demás espectadores e impide la percepción subjetiva e individualizada, característica esencial de la sensibilidad estética.

Optar por el concepto antes que la forma puede ser una elección estética.
Otro revival más de la influencia de Duchamp y su descontextualización de los objetos, de Joseph Beuys, que aseguraba que el Arte había muerto y el futuro había desaparecido, que nos hemos alejado del paraíso perdido y ya no podemos crear nada después de la bomba atómica que provocó el gran desastre.

O quizá sea un nuevo revival de minimalismo, que en su momento pudo servir como camino para intentar salir de un callejón sin salida de la vanguardia.
Aunque quizás tanto resurgir es signo de decadencia.
Pero tras la postmodernidad, se puede considerar legítimo utilizar la decadencia en una obra artística, así como el cinismo y la hipocresía.

Como digo, es posible que no se deba a ninguno de estos principios estéticos, sino que sea un recurso de conveniencia más que una creencia de los artistas.

En ese caso, no se trata de una obra artística, sino de decadencia, cinismo e hipocresía en el mundo real.
Aunque tras Duchamp, uno también puede eliminar la barrera entre arte y vida, lo que también puede ser conveniente.

Pero resulta escandalosamente cínico cuando pretende ser, además, crítica de las instituciones públicas artísticas y sistemas del Arte: se ofrece un trabajo formal paupérrimo como si tuviera substancia por el simple hecho de ser crítico o sardónico, los artistas se benefician sin remordimientos del sistema al que cuestionan y la crítica finalmente queda anulada por sí misma, por su propia inconsistencia, lo que es conveniente para las instituciones.

Lo malo no es que se dé esta situación, es que no deja espacio para otras diferentes. Y lo llamativo es que los artistas y comisarios no se aburran con esta forma de proceder como lo hace mucho público, ni que nadie luche contra el cinismo con la herramienta adecuada: proponiendo algo distinto a la retórica, a conceptos a menudo falsamente sustanciosos o supuestamente sorprendentes.

Provocar impresión con una obra artística, sin palabras y sin mediación es realmente complicado.
Pero hay gente que no ha renunciado a ello y no se ha entregado a un nihilismo de conveniencia, a la hipocresía como único sistema de ascenso político y profesional.

El trabajo de conseguir con una obra de Arte, emociones, contradictorias o complejas, que inciten al pensamiento y la libre asociación o no racionalizables parece haberse convertido en algo utópico y casi revolucionario.

Pero a pesar de que el cinismo no quiera ceder espacio, hay quien se dedica a trabajar en su taller.

Me gustaría entrar al trapo en este asunto, coincidir u oponerme a lo que se dice en esta muy buena reflexión, pero me niego a hablar de nada, porque efectivamente nada es lo que hay detras de toda esa parafernalia que nos intentan vender con tantos intermediarios, con tantos compadreos y tan pocas horas de trabajo. Así ocurre, que de los quinientos que empiezan cada año, al final no quedará ninguno, aunque tengan escrito sobre ellos algunas hojas incluso oficiales, hayan recibido cuantiosas becas sin resultado alguno, hayan recibido grandes premios, expuesto en ARCO e incluso en algún selectivo espacio público, al final, solo quedarán los que trabajan. Es decir, ninguno de ellos.

Pero si ese circo lleva ya treinta años funcionando y aún somos unos cuantos los que terminamos hartos intentando pertenecer a ese grupo de saltimbanquis ,por no decir payasos, con lo que hoy podemos sentirnos afortunados de seguir con los pinceles como herramienta de trabajo y vendiendo a nuestra gente en el estudio.
El caso es que mientras sigan ciertos espacios funcionando, con funcionarios ,comisiones y comisionados en el circuito , amén de nuestro tan sagrado acomplejamiento y la absurda admiración de lo que pasa más allá de nuestras fronteras, no siendo conscientes de que en nuestra península se han dado maestros tales como Goya, Spañoletto, Velazquez,.....,Picasso, Casas, Nonell, Julio Romero de Torres, Zuloaga ,Saura, el autor de Altamira......y un largo etc, y negandose a admitir ,que somos tierra de grandes artesanos del pincel y del barro, pues así nos va, a seguir tratando de encontrar nuestro Damien Hirst ibérico.

Pues querría darte gracias por esa reflexión, es lo que he pensado yo( y muchisimos artistas) de lo que se lleva cociendo hace años, que es la burocratización e intermediación intrusionista del arte.

A veves mirando becas o programas de residencia para artistas y me doy cuenta de que en muchisimas directamente no es que mi obra no encaje, si no que mi profesión no encaja. Mi profesión no es un desarrollador de complejos programas conceptuales dirigidos por unos tipos que no se que pintan muchas veces en este mundo llamados comisarios.

En otros programas directamente quien cobra importancia y soporte son estos últimos, hasta el punto de haber becas y certamenes de comisarios, esos chicos tan modernos, trendies y cools con gafas de pasta y sentados delante de la pantalla de un mac, dia si, dia también sin que sus dedos llegen a tocar en su vida material plástico alguno.

Me da un poco de rabia porque solo un pequeño % de apoyo monetario e institucional de lo que se pierde en ese agujero negro conceptual de la miriada de burócratas del arte, serviria para que muchos artistas de verdad, de los que crean cosas capaces de atraer a público, compradores y amantes del arte, pudieran proyectar, promover y desarrollar su arte de forma mas eficaz.

Por una parte me da pena de que tantos recursos dentro de unos años se queden bajo el polvo de un catalogo o un libro que nadie mirará, por otra, egoistamente por lo menos los que seguimos al pie del taller cada vez somos mas raros y somos mejor valorados, aunque sea a una escala mas pequeña

El verdadero arte es un diálogo con la historia, hacia atrás y hacia adelante, un arte culto y sofisticado necesita de un público del mismo nivel, eso es cada vez más difícil a veces parece.

Por otro lado el arte es una cosa y el mercado otra, el problema es que a veces nosotros mismos lo confundimos.
Además que un demian hirst o un juan currin valgan lo que valen sólo se explica por la impresionante maquinaria de propaganda que tienen esos paises imperiales, que lógicamente promueven sus propios artistas y su cultura, sea decadente o lo que sea.

Desde siempre , por lo menos desde su invención, la palabra le ha ganado en poder a la imagen, el que maneje la palabra podrá defender mejor su obra, después , por supuesto, las futuras generaciones darán el veredicto final.

Nosotros como productores de imágenes, no debemos negarnos a explicar con palabras lo que hacemos, las palabras pueden justificar lo más feo y horroroso y destruir el arte más fino y sutil, o ningunearlo que es lo más común.
Hay que dar pelea en el lugar de batalla, asi que quizás debemos dar un 10% de nuestro tiempo de trabajo a escribir y explicar lo que hacemos, sino pagarle para que lo haga a algún escribidor o manager....

y sino que Dios nos ayude.