Arte contemporáneo en España



Monográficos de Arte 10. Revista de arte contemporáneo

Así en la imagen como en la palabra


David Salle.
CAC Málaga.
Hasta el 4 de diciembre de 2016.

False Queen (1992) es el cuadro que se reproduce, en blanco y negro, en la portada del catálogo que la galería Soledad Lorenzo editó con motivo de la primera exposición individual del artista David Salle en España, en el año 1992. Cuando todo era posible. Repetiría cuatro años más tarde para presentar sus fotografías, junto a las de Juan Uslé.

La denominada por Foster, Krauss, Bois y Buchloh [1] como  “postmodernidad neoconservadora” había llegado a España a principio de la década anterior con el trío de exposiciones Italia. La Transvanguardia (La Caixa, 1983) comisariada por A. Bonito Oliva, Tendencias en Nueva York (Palacio Velazquez, 1983) un proyecto de Carmen Giménez, y Origen y Visión. Nueva Pintura Alemana (La Caixa, 1984) comisariada Christos M. Joachimides. El neoexpresionismo triunfante ­–de Salle, Julian Schnabel, Baselitz, Dokoupil, Kiefer, Francesco Clemente, Mimo Paladino o el español Miquel Barceló– se convirtió en la tendencia del momento. El equipo de October definirá este boom de la pintura como un movimiento reaccionario que se enfrentaba a la modernidad reduciéndola a la sola apariencia abstracta. Un retorno al ornamento en arquitectura, a la figuración en arte y a la narración en ficción. Frente a los pintores, la “postmodernidad postestructuralista” cuestionará la originalidad del artista y la autoridad de la tradición. Dan Cameron fue el cargado de abrirles paso en España en El Arte y su doble. Panorama del arte en Nueva York (La Caixa, 1986). Lo que Anna Maria Guasch denominará el cambio de temperatura de la segunda mitad de los ochenta [2]. Una paulatina recuperación del arte conceptual en el contexto español que José Luis Brea anunciará en su muestra Antes y después del entisiasmo (KunstRai, 1989).

Salle es un emblema de lo que se ha denominado postmodernidad, aunque él no se sienta aludido. Su estrategia creativa basada en la cita, la apropiación, el pastiche o la fragmentación, a través de la superposición de imágenes procedentes de la historia del arte, los media, el diseño, la cultura popular o la pornografía, se ha convertido en una práctica contemporánea habitual. Unas imágenes descontextualizadas, que al perder su sentido pasan a formar parte de un repertorio de clichés que en los años ochenta buscaban reconciliarse con un publico perdido tras la ruptura provocada por la irrupción del Minimal y el Conceptual. Y parece que hoy continúan intentándolo.


Actualmente, la programación de las instituciones españolas también se ha enfriado. Y uno de los pocos oasis que podemos encontrar se sitúa en el CAC de Málaga. El comisario de la muestra, y director del museo, Fernando Francés retoma con False Queen la trayectoria de Salle en el punto de su primera muestra individual en nuestro país. Una obra perteneciente a la serie Pinturas de ballet (Ballet Paintings), que fue analizada por el añorado Kevin Power en su ensayo “Danzando sobre la oscuridad” [3]. En el título se hace referencia a las fotografías tomadas durante los ensayos de las estrellas del Ballet de París en los años cincuenta que Salle descubrió en un libro. Power encontraba en la danza una de las metáforas más certeras para acercarse a la obra de Salle, “ama la danza, su ambivalencia, su ambigüedad, su artificio”. En su obra, añade, las imágenes flotan y hacen piruetas en una profundidad somera.

La superficie del telón de fondo, donde se encuentra elegantemente pintada la imagen en blanco y negro, es cuestionado por un borsalino y varias serigrafías monocromas. Y los miembros cercenados de Géricault. El otro lado, su particular necromancia. Salle declaró al crítico Peter Schjeldahl [4] que la primera idea que tiene cuando ve un cuadro es que alguien lo pintó, que alguien lo realizó. Y, en verdad, al observar su obra pictórica podemos apreciar la intensidad de los diálogos que el autor establece con artistas como Velázquez, Bernini, Gericault, Watteau, Cézanne, Picasso, Giacometti, Otto Dix, Magritte, Jasper Johns. Su citas, más allá de la retórica, podrían calificarse de verdaderas conversaciones privadas a lo largo de la historia del arte, desde el Barroco al Pop Art. “Una imagen que tengo en la cabeza –revelaba, refiriéndose a la Historia del Arte– es la de un rollo de película, algo que se puede rebobinar o correr hacia adelante, unido en su principio y  fin”.


Especial interés despierta la relación con Francis Picaba y sus cuadros de los años 30 y 40. La primera vez que los vio, según narra a Catherine Millet [5], fue a principios de los años ochenta cuando participó en la exposición Westkunst. Unos cuadros figurativos que eran considerados kitsch, antes de ser reivindicado como punto de partida de cierta figuración del siglo XXI –Katz, Tuymans, Doig, Polke, Rauch, Currin, Kippenberger– en la exposición Dear Painter paint me… Painting the Figure since late Picabia (Pompidou, 2002). Salle recuerda haberlos mirado pensando lo raro que resultaba enfrentarse a ellos sin pistas sobre como se suponía que debía interpretar aquel trabajo. “¿Dos desnudos con un bulldog – por qué? Por el puro gusto de hacerlo, supongo”.

Francés señala que las pinturas de Salle no solo despliegan fantasías, sino que expresan el carácter místico y misterioso que supone el encuentro con la mujer, siempre a medio camino entre lo fascinante y lo tenebroso. Mientras que Picabia trabajaba con imágenes encontradas en revistas, Salle las realiza específicamente para sus cuadros. En sus sesiones, según relata Millet, insiste en el hecho de que las modelos lleven máscaras cuando él las dirige. Las imágenes son escenificadas e iluminadas de un modo teatral, transmitiendo un efecto de proximidad e intimidad. Sus “nearly-nude” son como instantáneas, como si el obturador fuera liberado en el cambio de pose solicitado por el fotógrafo. Una intención que Millet no encuentra en las estereotipadas imágenes de Picabia.


“Me gusta pensar en mi como en una especie de orquestador” [6], reconoce Salle retomando la metáfora de Power. Y otra vez encontramos notas musicales en una de sus obras más recientes, Odes and Aires (2014). Un cuadro perteneciente a la serie Late Product Paintings que fue presentada en la galería  Skarstedt de Chelsea el año pasado, junto a la Silver Paintings. En su obra reciente, Salle revisita su trayectoria conectando en presente con los trabajos de Early Product Paintings realizada en los noventa, expandiendo la idea de collage al interrumpir la continuidad de la pintura de un modo diferente.


Pero Salle, con la reciente publicación del libro How to See: Looking, Talking, and Thinking about Art (W. W. Norton & Company, octubre 2016), traspasa también las fronteras impuestas en el mundo del arte, posicionándose junto a un creciente movimiento de artistas que han decidido tomar la palabra. A través de esta serie de ensayos ofrece una visión personal sobre la complejidad del arte contemporáneo, y analiza desde el conocimiento y la amistad los trabajo de pintores y artistas conceptuales como Jeff Koons, John Baldessari, Roy Lichtenstein o Alex Katz. En su valoración, el escritor Salman Rushdie incide sobre la capacidad que demuestra Salle para reflexionar sobre el cómo piensan los artistas cuando realizan su obra.

5- Millet, Catherine. David Salle / Francis Picaba. Paris, Galerie Thaddaeus Ropac, 2013, p.10.

6- Powers, Bill. “David Salle: Late Product Paintings, The Silver Paintings”. New York, Skarstedt, 2015, p. 50.



José Oliver. Universitat Politècnica de València.


+ Referencias y consulta:
Libros y catálogos de David Salle
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