Arte contemporáneo en España



Monográficos de Arte 10. Revista de arte contemporáneo

Hombres masificados y naturaleza despoblada. La extraordinaria experiencia de Rui Algarvio.


Rui Algarvio.



Rui Algarvio (Barreiro, 1973) es probablemente el mayor crítico y más autocrítico artista portugués de su generación. Con una sólida formación académica -es Licenciado en la Faculdade de Belas Artes de Lisboa, y ha proseguido sus estudios en la Universidad Politécnica de Valencia (1998) y por dos años y medio en la Universidad Autónoma de México (2000-2002)–, atraviesa su trabajo una sucesión de etapas en las que ha alcanzado, en todas ellas, obras magníficas por la profundidad de sus planteamientos, por su variedad imaginativa y por su maestría técnica.

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La primera serie de obras absolutamente personales comenzó a desarrollarla Rui Algarvio aún en Lisboa en un tiempo inmediatamente anterior a su año valenciano. Se trataba de la talla en un pequeño bloque de madera de un molde figurativo que, impregnado de diferentes pigmentos, aplicaría en sucesivas capas horizontales con un marcado horror vacui. El motivo de este sello era siempre una cabeza. Plásticamente, estas obras se aprecian a primera vista como imágenes abstractas decorativas por la presencia de bandas cromáticas, sin embargo, una mirada más atenta reconocerá sus figuras. Existe una cercanía con la repetición serigráfica de un mismo motivo en filas y columnas desarrollada por Andy Warhol, pero en los moldes de Algarvio sólo se encuentran siluetas, lo que confiere no tanto una imagen de repetición de una misma figura cuanto la sensación de hallarnos ante una pluralidad ingente de figuras que ha sido reducida a la despersonalización, a la similitud, a la estandarización en una convincente ilustración de la alineación contemporánea de la que se lamenta vitalmente el pintor.

Algarvio siguió investigando este procedimiento. Fue en México donde, fruto de su interés en la representación de la sociedad de masas, las cabezas fueron sustituidas por figuras de cuerpo completo. Asimismo, en México redactó un ensayo, inédito, titulado Las multitudes humanas como motivo pictórico. Una experiencia creativa, en el que empleaba extensivamente las consideraciones en torno a la masa social elaboradas por Elias Canetti en Masa y poder (Masse und Macht, 1960). A las primeras obras de estampación marcadas por una muy rígida estructura reticular, ya en México, se suceden pinturas de considerables dimensiones en las que distintos campos de color no tan geométricos parecen representar una sucesión muy lejana de montañas (serie «Paisagem con montanhas», “Paisaje con montañas”). Y una nueva silueta adquiere un protagonismo crucial en sus años mexicanos, el icono ubicuo y poderosísimo en la cotidianeidad del país: la Virgen de Guadalupe. De hecho, una pequeña obra (un collage de una estampa de la Virgen y su doble impreso a su derecha empleando un sello que duplica su tamaño) ha sido precisamente titulada por Algarvio como A protagonista (“La protagonista”. 2000, collage y acrílico sobre papel, 33 x 29 cm).

Con posterioridad, Algarvio enriqueció sus composiciones con otras soluciones que superaban el empleo exclusivo de los moldes para simultanear en el mismo soporte técnicas muy diversas y representaciones fragmentarias, incluso muy distintas en su grado de naturalismo o de abstracción, cuya relación resulta críptica pero entre las que es posible comprender una representación dualista y en términos de antagonismo entre la vida urbana y la naturaleza. Un motivo del que participa de un modo u otro la práctica integridad de su obra posterior.

A la representación de las masas, Algarvio ha sumado durante los últimos años una investigación sobre la naturaleza a través de diversas series. En una de ellas, realizaba presentaciones de aves como si del género del retrato humano se tratare. Pero el género en el que se ha desarrollado la obra última del artista ha sido, fundamentalmente, el del paisaje. Un paisaje que, en su propuesta, se encuentra marcado consciente y sensiblemente por la manipulación humana a través de unos pequeños pero conspicuos elementos que suma a la representación del entorno: señales y advertencias con las que el hombre ha reglado la experiencia del natural de sus semejantes. En estas obras, que integran la serie titulada Landscape with Signaling (“Paisaje señalado”), desaparece ya la presencia de los sellos en su procedimiento técnico. Son pinturas figurativas que se benefician de un marcado carácter expresivo por la presencia de corrientes densas de pigmento muy contrastadas, una dicción extraordinariamente lograda presente en su trabajo posterior. En 2005, Algarvio comienza el desarrollo de grandes pinturas de paisaje para las que emplea pinceladas gruesas logrando unos resultados profundamente evocadores e intensos que, por su carácter expresivo, comulgan del espíritu romántico del mismo modo en que puede sentirse frente a la obra de los maestros de la abstracción pictórica posteriores a la Segunda Guerra Mundial.

Algarvio ha desarrollado esta misma carga afectiva y una similar dicción pictórica en soportes de considerable menor tamaño que son agrupados y dispuestos formando un gran rectángulo vacío, como si la pintura hubiera dejado de desempeñar la función de una ventana (idea imperante desde su articulación por Leon Battista Alberti en el Renacimiento) a convertirse en marco. Los pequeños elementos son, todos ellos, vistas muy cargadas de pigmento de motivos muy diversos pero, en todos los casos, adscritas al género paisajístico.

Su último gran proyecto ha conducido a Algarvio por iniciativa del Instituto Camões al Palais Rihour de la ciudad francesa de Lille, donde ha expuesto en noviembre de 2007 una particular visión de una obra emblemática de la pintura antigua portuguesa junto a la obra original –que no se traslada con frecuencia–: el Políptico de São Vicente de Nuno Gonçalves, pintor portugués del siglo XV (Lisboa, Museu Nacional de Arte Antiga), un conjunto de seis paneles en los que aparecen casi a tamaño natural seis decenas de personajes, algunos de los más prominentes de la Corte Portuguesa del momento. Lejos de un ejercicio de apropiacionismo meramente decorativo, Algarvio ha reutilizado su disposición en marco para ofrecer sesenta paisajes pictóricos y otros tantos autorretratos fotográficos manipulados digitalmente para conferirles un aspecto más barrido que desenfocado. El conjunto enmarca una superficie idéntica a la de cada uno de los paneles de la obra de Gonçalves que queda, en cada caso, vacía. De este modo, Algarvio establece una dicotomía entre paisaje y hombre separando de modo irreconciliable los términos de la expresión “paisaje social” (paisagem social) que se emplean habitualmente para aludir a esta obra maestra del retrato protorrenacentista. Pero al mismo tiempo la yuxtaposición de paisajes deshabitados y un mismo referente fotográfico: la multiplicación de su autorretrato desvaído y en diversas actitudes, imprime a su intervención un aspecto misterioso y sorprendente, chocante. Con esta importante producción dentro de la trayectoria creadora de Algarvio se evidencia que a pesar del reconocimiento de los motivos, la obra de este artista desafía ilusión comprensiva alguna omnipotente y definitiva.



Julio César Abad Vidal


+ Referencias y consulta:
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