Arte contemporáneo en España



Monográficos de Arte 10. Revista de arte contemporáneo

La fatiga del color


Nicholas Woods.
Galería Moneo Brock Studio. Galería Slowtrack Society.
Hasta el 8 de mayo (Moneo Brock Studio) Hasta el 21 de mayo de 2015 (Slowtrack Society)

Dos muestras simultáneas de Nicholas Woods en Madrid, su instalación SUN/MOON en el espacio 2B de Moneo Brock Studio y LA ISLA, una serie presentada en la Galería Slowtrack Society, exposición colectiva comisariada por Alfredo Aracil, dentro del programa Jugada a3bandas.

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Revisando los negativos de unas fotografías de grupo tomadas en Brasil, en las que aparecía una persona albina de raza negra, se podía apreciar como la diferencia de aquel personaje, de pronto se tornaba de una incuestionable naturalidad, mientras que el resto del grupo permanecía como espectros. La imagen invertida mostraba la evidencia de un modo mucho más emocionante que en su estado convencional. Aceptar esta rareza es en algunas culturas prácticamente imposible, aunque la maniobra sea en ocasiones tan asequible; igual que mostrar lo cotidiano como algo asombroso, tampoco es sencillo. Sin embargo, esto sucede con sorprendente facilidad en la pintura de Nicholas Woods (Virginia_USA, 1971). Si hace un par de años sus temas nos trasladaban a unas carreteras secundarias, en un lugar fronterizo entre la naturaleza y los márgenes de la ciudad; ahora sus paisajes baleares padecen una alteración cromática y parecen haberse tornado albinos, ausentes de una pigmentación natural, y perturbadores para una monotonía de la visión. Aunque su anclaje referencial es un clásico, su paisaje emplea la fotografía, concretamente desde su negativo, un claroscuro invertido. No es el primero que lo hace, pero eso importa poco ahora. Este estado de la imagen reclama un paso de la fotografía analógica que ha quedado en el menú de nuestras cámaras digitales y móviles como un filtro de distorsión, como testimonio de un tiempo ya obsoleto. Parece ser que un problema técnico alteró la configuración de su cámara e hizo que una sesión fotográfica a la turística isla de Formentera, se le mostrara al autor como un paraje nuevo y extraño.

Nicholas Woods es un pintor contemplativo, hiperobservador ‒de los ociosos en el mejor sentido‒, que se distrae y especula entre lo más banal y lo más trascendente. En cierto modo conjuga el optimismo vivencial de David Hockney y la evocación meditativa de Edward Ruscha, también éste muy instalado en la nocturnidad y el neón de la ciudad americana de la costa oeste. Si bien las escenas de Woods nos situaban en una producción anterior a la luz de la Luna, recuperando la observación melancólica de la naturaleza y los pintores nórdicos como Johan Christian Dahl, o centroeuropeos como Caspar David Friedrich, pero conduciendo en la soledad de carreteras perdidas, en un plano tan natural y cinematográfico que parecía no mostrarnos nada nuevo, a no ser la condición de esa mirada absorta y atenta que a menudo se confunde. Era un viaje hacia el negro, un nivel desde el que retomar la forma. El oscuro y el plomo siguen siendo los colores de su paleta, símbolos alquímicos asociados a Saturno, el astro de la melancolía. Su actual serie sobre la isla, recupera de nuevo la aparente nocturnidad mediante una maniobra técnica; con la que tensa la imagen permitiéndonos ver de nuevo lo cotidiano como algo extraño por lo que sentirnos atraídos. Quizá su observación se ha tornado más técnica pero no menos imaginativa, y como Donato Creti en sus “Observaciones astronómicas” (h. 1711), su pintura toca ahora otras áreas. Con una gran habilidad cromática y tonal Woods, no cae en la trampa del virtuosismo y mantiene esa condición diletante, siempre tan atractiva, de quienes disfrutan la pintura como vía de conocimiento, por su inmediatez y flexibilidad.

Precisamente en el otro extremo de la ciudad, en el espacio 2B_MoneoBrock Studio, Woods presentó otro experimento que podríamos interpretar claramente más abstracto y sin embargo gemelo a su otra muestra en paralelo. De nuevo le delatan sus costumbres, sus juegos con la postimagen, tras mirar al sol o la luna, nos muestran que es un autor fascinado por la luz como forma y de la importancia de como esa percepción influye en nuestra comprensión y disfrute de este mundo. Con toda generosidad Woods manifiesta su admiración por James Turrell, y en cambio no lo imagino ni por un instante alterando las entrañas de ningún cráter, por muy apagado que estuviera su volcán. El pintor coincide a menudo con autores e influencias muy poco previsibles y a la vez se siente muy cerca de ellos, llevándole por un buen camino. Woods reproduce aquí esa visión irreal y espectral, que se despeja tras mirar atentamente un acontecimiento cósmico. Los conos de sus ojos, receptores encargados de percibir el color, se han fatigado ante un estímulo demasiado continuo y monótono, decidiendo producir un color alternativo y en negativo. La fascinación de Woods por la huella de esa imagen transformada en su negativo, como experiencia sensorial, nos muestra en definitiva el nuevo lugar que siempre tenemos delante.



Joël Mestre. Universitat Politècnica de València.


+ Referencias y consulta:
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