Propuestas de actualidad. Revista de arte contemporáneo
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Las ciudades elegidas para mostrar esta exposición de Julio González serán Tokio, Kamakura, Kobe, Hiroshima, Yokohama y Mie.
Julio González (Barcelona, 1876 – París, 1942), reconocido por los expertos como uno de los grandes maestros de la escultura del siglo XX, es uno de los pilares sobre los que se asienta la colección del IVAM. Este museo recibió por compra y donación de Carmen Martínez y Viviane Grimminger, un vasto conjunto de obras de Julio González, que daría nombre al centro, así como de su hermano Joan González y de su hija Roberta.
El conjunto de obras de Julio González que posee el IVAM tiene un valor excepcional que cubre todas las etapas y todas las direcciones del desarrollo creativo del artista, incluyendo la escultura, el dibujo, la pintura y la orfebrería. La obra de Julio González, síntesis del cubismo, el constructivismo y el surrealismo, está distribuida entre los mayores museos de arte moderno como el Musée National d'Art Moderne de Paris, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y el MOMA de Nueva York.
En la primera parte de su carrera, entre 1910 y mediados de los años 20, la atención de Julio González se alterna entre las máscaras de metal y las figuras modeladas, donde podemos reconocer el phatos de Rodin. En los años 20, González se concentrará en los problemas del relieve. Hacia 1926, avanza un paso decisivo al decidirse a recortar la plancha de metal que hasta entonces había tratado como una superficie inviolable. Esta técnica del découpage dará lugar a la serie de máscaras de 1929-30 en las que el escultor, partiendo de Gargallo y del cubismo, llega a crear un lenguaje personal.
A lo largo de los años 30, la evolución de la escultura de Julio González aparece marcada por la aspiración a emanciparse del plano para conquistar el espacio. A partir de las máscaras, el escultor explora el motivo de la cabeza humana, representado mediante un plano recortado (el rostro) adosado a un cilindro vacío (la concavidad del cráneo): así ocurre en las dos versiones de Les amoureux, unas cabezas habitadas en las que se aloja el motivo del beso de los amantes. El progresivo espaciamiento de los elementos integrantes de estas esculturas dará lugar a interpretaciones cada vez más complejas de la cabeza, como La grande trompette.
Una de las tendencias dominantes en la obra de González en la década de los 30 es la que él mismo denomina "dibujar en el espacio" y que aplica a la depuración formal del motivo de la cabeza en Tête au miroir y de la figura en Gran personage debout. Pero, en esta misma época, González desarrolla una orientación de sentido opuesto, centrada en el volumen. En esta línea, las cabezas cortadas en piedra constituyen una parte muy relevante pero insuficientemente valorada todavía. La búsqueda del volumen se plasma también en esculturas construidas con planchas de metal soldadas, obras de carácter relativamente abstracto como Femme assise I o bién de estilo más realista, de connotaciones clásicas, como la serie de torsos de hierro forjado que culminará en Montserrat.
Hacia 1937, estas dos grandes corrientes del desarrollo de la escultura de Julio González, el dibujo en el espacio y la investigación del volumen, convergen en unas obras maestras de carácter sintético y monumental, como Femme au miroir o Daphné, donde se combinan elementos filiformes con otros de carácter masivo. Después de 1937 y bajo el impacto de la guerra civil española, González se decanta hacia una inspiración expresionista, que se puede apreciar en el estilo más realista de Masque de Montserrat criant o bien en el lenguaje fantástico y surrealista de los hombres cactus. En sus últimas obras, el escultor se revela más que nunca como un intérprete profundo de la figura humana, interesado por los temas últimos de la gran tradición de la escultura occidental: la plenitud y la vulnerabilidad del cuerpo, el sufrimiento y la dignidad del ser humano.
Arte10.com
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